Sinfonía Titán de Gustav Mahler

La Sinfonía Titán de Gustav Mahler, es en teoría la primera de su ciclo sinfónico aunque realmente no lo fuera, pues existen evidencias históricas de que con anterioridad, compuso cuatro sinfonías cuyos manuscritos sobrevivieron hasta bien entrada la Segunda Guerra Mundial antes de ser definitivamente destruidos.

La existencia de estas desaparecidas obras de juventud (una de las cuales fue laSinfonía Nórdica) explican por qué la Sinfonía Titán tiene una consistencia y una maestría impropias de lo que cabría esperar en la opera prima de un joven compositor.

Mahler comenzó su Primera Sinfonía en 1884, la finalizó en 1888 y dirigió su estreno en Budapest el 20 de noviembre de 1889 después de que la mayoría de directores de la época la rechazaran por considerarla "demasiado moderna y transgresora".

El día del estreno, la recepción de la obra fue mas bien fría por parte del público.

Si bien la parte melódica de la primera mitad no suscitó ningún rechazo, al menos en apariencia, no ocurrió lo mismo con la burlona marcha fúnebre del penúltimo movimiento ni con el estridente y turbulento movimiento final de la obra que más que aplausos promovió unánimes abucheos de un público conservador acostumbrado a los cánones clásicos sinfónicos y manifiestamente reacio a provocadoras innovaciones que no se ajustaran a los cánones de lo que "debería ser una auténtica sinfonía".

En un principio, la Sinfonía Titán no fue considerada como tal por el autor sino mas bien como un poema sinfónico (o poema tonal) dividido en dos partes con tres movimientos en la primera y dos en la segunda.
Más adelante, Mahler abandonó la idea de contemplar esta obra como "música programática" y la catalogó definitivamente como una sinfonía con cinco movimientos, aunque no tal y como actualmente la conocemos, pues pasado un tiempo, Mahler desechó el segundo movimiento (Blumine) al no considerarlo "suficientemente sinfónico".
En la actualidad, son muy pocos los directores (y muy pocas las grabaciones disponibles) que incluyen el movimiento Blumine en la ejecución de esta sinfonía.

1º Movimiento
La sinfonía comienza con una introducción lenta en la que las cuerdas entonan la nota La en diferentes octavas a lo largo de unos cuatro minutos (durante los cuales se aprecia un velado y bucólico telón de fondo en el que es fácil identificar diferentes voces de aves y algunas fanfarrias) tras los cuales surge un lírico yprecioso tema tomado de una de las "Canciones de un Caminante" compuesta por el propio Mahler.
Conforme avanza el movimiento surge un tema en clave de fanfarria con el que, por fin, surge la largamente esperada tonalidad de Re mayor que define a la obra.
Este primer movimiento finaliza con un regreso de las mismas voces de las aves que aparecen en la introducción para concluir con un sosegado y relajante cierre.

2º Movimiento
El segundo movimiento es un scherzo (forma musical que invita al baile y surge como evolución del minueto aunque algo más rápido que este) que de inmediato nos transporta a los salones vieneses donde se interpretaban los valses de la dinastía Strauss.
Resulta más que evidente que en este movimiento, Mahler tomó "prestadas" algunas notas del scherzo de la primera sinfonía (y única) de su íntimo amigo Hans Rott.

Algún día escribiré algo acerca de este detalle así como algunos interesantes datos biográficos acerca de este compositor cuya temprana muerte - joven y presa de la locura - truncó una prometedora carrera como compositor que sin duda habría llegado a cotas tan altas como sus compañeros de estudios Gustav Mahler y Hugo Wolf, todos ellos alúmnos predilectos de Anton Bruckner.

3º Movimiento
Se trata de un movimiento lento que Mahler concibió como una paródica marcha fúnebre basada en en la canción folclórica Frère Jacques que es aquí ejecutada en tonalidad menor para dar paso a unas fáciles melodías que nos transportan a la música que solían interpretar las bandas callejeras y en las que queda de manifiesto los orígenes judíos del compositor.

4º Movimiento
Este último movimiento (para no hacer más extenso este post, he descartado analizar el movimiento Blumine que el autor decidió suprimir de la obra) comienza con una fortísima e impactante apertura que llega a sorprender (y hasta asustar) al oyente desatento.
Mahler disfrutaba relatando como una encopetada dama que asistió al estreno deTitán se quedó adormilada durante el tranquilo final del movimiento lento y dio un salto en su asiento sorprendida por la explosión con la que comienza el movimiento final de la sinfonía.
El compositor dotó a este movimiento de una espectacular orquestación y unos contrastes dramáticos que anuncian claramente lo que serían sus sinfonías posteriores.
La bucólica inocencia del principio de la obra, el alegre y elegante vals del segundo movimiento y la paródica marcha fúnebre basada en una cancioncilla infantil ejecutada en tonalidad menor, reaparecen de nuevo y son dejadas atrás por un poderoso final, siniestro y dramático, con el que finaliza la obra.

En un principio la obra fue concebida como un largo poema sinfónico. Mahler le llamó Titán por la novela de Jean Paul Sartre, aunque especificó que la sinfonía no se basaba en absoluto en ella. Mahler utilizó en esta sinfonía música procedente de su abandonado proyecto de ópera Rübezahl, que también usó en La canción del lamento.

Si les interesa leer la novela “Titán” de Jean Paul Sartre, adjunto el vínculo para descargarla.

http://todaypdf.org/jean-paul---titan.pdf-id4079341

¡Que la disfruten!

El Amor:

« Cuando el amor os llame, seguidlo.
Y cuando su camino sea duro y difícil,
y cuando sus alas os envuelvan, entregaos.
Aunque la espada entre ellas escondida os hiera.
Y cuando os hable, creed en él.
Aunque su voz destroce nuestros sueños tal como el viento norte devasta los jardines.
Porque, así como el amor os corona así os crucifica.
Así como os acrece, así os poda.
Así como asciende a lo más alto y acaricia vuestras más tiernas ramas, que se estremecen bajo el sol, así descenderá hasta vuestras raíces y las sacudirá en un abrazo con la tierra.
Como trigo en gavillas él os une a vosotros mismos.
Os desgarra para desnudaros.
Os cierne, para libraros de vuestras coberturas.
Os pulveriza hasta volveros blancos.
Os amasa, hasta que estéis flexibles y dóciles.
Y os asigna luego a su fuego sagrado para que podáis convertiros en sagrado pan para la fiesta sagrada de Dios.
Todo esto hará el amor en vosotros para que podáis conocer los secretos de vuestro corazón y convertiros, por ese conocimiento, en un fragmento del corazón de la Vida.
Pero si, en vuestro miedo, buscáis solamente la paz y el placer del amor, entonces, es mejor que cubráis vuestra desnudez y os alejéis de sus umbrales, hacia un mundo sin primaveras donde reiréis, pero no con toda vuestra risa, y lloraréis, pero no con todas vuestras lágrimas.
El amor no da más a sí mismo, no toma nada más que de sí mismo.
El amor no posee ni es poseído.
Porque el amor es suficiente para el amor.
Cuando améis no debés decir: “Dios está en mi corazón”, sino más bien: “Yo estoy en el corazón de Dios”.
Y pensad que no podéis dirigir el curso del amor porque él, si os encuentra dignos, dirigirá vuestro curso.
El amor no tiene otro deseo que el de realizarse.
Pero, si amáis y debe la necesidad tener deseos, que vuestros deseos sean éstos:
Fundirse y ser como un arroyo que canta su melodía a la noche.
Saber del dolor de la demasiada ternura.
Ser herido por nuestro propio conocimiento del amor.
Y sangrar voluntaria y alegremente.
Despertarse al amanecer con un alado corazón y dar gracias por otro día de amor.
Descansar al mediodía y meditar el éxtasis de amar.
Volver al hogar con gratitud en el atardecer.
Y dormir con una plegaria por el amado en el corazón y una canción de alabanza en los labios.”

El Matrimonio:

“Nacisteis juntos y juntos para siempre.
Estaréis juntos cuando las alas blancas de la muerte esparzan vuestros días.
Sí; estaréis juntos en la memoria silenciosa de Dios.
Pero dejad que los vientos del cielo dancen entre vosotros.
Amaos el uno al otro, pero no hagáis del amor una atadura.
Que sea, más bien, un mar movible entre las costas de vuestras almas.
Llenaos el uno al otro vuestras copas, pero no bebáis de una sola copa.
Daos el uno al otro de vuestro pan, pero no comáis del mismo trozo.
Cantad y bailad juntos y estad alegres, pero que cada uno de vosotros sea independiente.
Dad vuestro corazón, pero no para que vuestro compañero lo tenga,
porque sólo la mano de la Vida puede contener los corazones.
Y estad juntos, pero no demasiado juntos,
porque los pilares del templo están aparte.
Y, ni el roble crece bajo la sombra del ciprés ni el ciprés bajo la del roble.”

Khalil Gibrán

                                                             Leyenda Siux

Vox Dei, sabia lectura musical de La Biblia
La polémica detrás de la obra cumbre de la agrupación argentina editada en 1971

Considerada una de las obras conceptuales con mayor trascendencia y vuelo poético del rock en español, La Biblia, de la agrupación argentina Vox Dei, desde su gestación y posterior edición no tuvo allanado el camino para su fácil difusión. Editada en 1971, momentos políticos caldeados en Argentina por la imposición de una dictadura militar (curiosamente autodenominada “Revolución Argentina”) La Biblia tuvo además que enfrentar la lupa minuciosa de la Iglesia Católica de entonces que expresamente pidió que le entregaran el material discográfico de Vox Dei (segundo de su carrera artística) para su evaluación y posterior aprobación. Acaso para sorpresa de la institución eclesiástica, Vox Dei había respetado muchos de los textos originales (todos trabajados en su adaptación por el guitarrista y vocalista Ricardo Soulé e ideólogo del proyecto en 1970) de La Biblia para componer el álbum La Biblia.

La Biblia y la provocación en el rock

La Biblia como obra conceptual (la primera “ópera rock” del rock argentino) es un claro ejemplo de cómo el rock en español como manifestación artística ha abordado a lo largo de su historia temáticas, como la incidencia de la religión católica y sus textos sagrados en la sociedad, que parecen de antemano vedadas a los supuestos caprichos antojadizos de los músicos. En este sentido, si el rock es sinónimo de provocación, nada mejor que tomar como una “sabia provocación” a La Biblia y sus canciones; en su mayoría inmersas dentro del género de rock progresivo, libertariamente rico en la época. Además, es otro ejemplo de cómo ciertos artistas de rock se sumergen en los imposibles o utopías creativas, más allá de que les pueda resultar más cómodo y rentable componer canciones más convencionales de rock para la venta masiva.

La lectura de La Biblia por Ricardo Soulé

En su aspecto conceptual, según palabras del mismo Ricardo Soulé en momentos del lanzamiento del álbum, La Biblia resulta ser una interpretación de la sagrada escritura católica que coloca a Jesucristo como hijo del hombre y no de Dios como presencia sobrenatural. Humanizar la figura de Jesucristo fue entonces el leit motiv del álbum, ubicándolo en su faceta de hombre revolucionario y humanista que a través de sus parábolas podía hacerse comprender por los pueblos sumidos en la ignorancia. Otras de las particularidades de las composiciones de La Biblia es que están influenciadas por la música del film “2001, Odisea en el espacio” del director Stanley Kubrick de 1968, y compuesta por Richard Strauss. Ricardo Soulé estuvo un total de seis meses leyendo y releyendo las tupidas y voluminosas páginas de La Biblia para su adaptación musical en sólo breves minutos, algo que de hecho consiguió.

”Génesis” y la versión de Soda Stereo

Si tuviéramos que elegir alguna de las composiciones que integran el álbum doble de La Biblia, la primera que viene a la memoria es “Génesis”, canción que abre el material y que es recordada por la versión que Soda Stereo hiciera en versión unplugged para el álbum Confort y música para volar, para la cadena MTV, en el año 1996. Para los desmemoriados, en ese mismo álbum de Soda Stereo están incluidas además la participación de una muy joven Andrea Echeverri como artista invitada en la canción “En la ciudad de la furia”, además de un homenaje a Luis Alberto Spinetta, incluyendo el célebre riff de guitarra de “Cementerio Club” en “Té para tres”. “Génesis” es una de las canciones que mejor definen la esencia de La Biblia en el que se resume la búsqueda y el desafío de bajar a canciones el carácter humanista de la religión y sus sagradas escrituras, más allá de las instituciones que la representan.

La creación divina mejor explicada en “Génesis”

”Génesis” abre con el sonido de un viento que metaforiza el comienzo de Todo, la creación divina de Todo desde la Nada, ”Cuando todo era, nada era, nada el principio, Él era el principio y de la noche hizo luz, y fue el cielo y esto que está aquí”. No cabe duda que la canción abre con una referencia ineludible a Dios (Él) y sus creaciones que a continuación son enumeradas, ”hubo tierra, agua, flores, todo eso y también tiempo”, y una alusión directa a letra sagrada que el hombre fue hecho a imagen y semejanza de Dios con una frase potente por su profundidad filosófica, ”Hombre que te miras en las aguas para ver quién sos, mírame si quieres verte porque imagen mía sos”.

”Libros sapienciales”, otro de los hits de La Biblia

Ricardo Soulé canta entonces en la primera persona como si fuera la voz de Dios y ubica sus creaciones (y la armonía de sus creaciones) en tiempo pasado, como si la obra de Dios hubiese sido estafada y corrompida por los mismos hombres terrenales. ”Y fue así, así, culmina la letra. Es más, dentro del vinilo original, venía como ilustración un dibujo de Willy Quiroga (bajo y voz) que representaba un hombre-árbol que trataba de despegar de la tierra para acercarse a los cielos. Tiempo después, el propio Willy Quiroga explicó que el dibujo, inspirado en un poema de Soulé, representaba el anhelo humano de ir más allá de la tierra y acercarse a Dios, el creador supremo.”Libros sapienciales”, canción acústica sobre la aparición de Jesucristo en la historia, es otra de las composiciones que se destacaron y tuvieron cierta resonancia a través de los años. ”mucho más fácil es creer, mucho más que matar”, es un fragmento de la letra que todo lo dice en cuanto al poder de la fe.

La Biblia y las celebridades del rock argentino

La Biblia ha sido comparada por críticos especializados en la misma línea de obra conceptual, pero lógicamente dentro del universo del rock en español, de lo que fueron The Dark side of the Moon de Pink Floyd o Tommy de The Who. La presentación del álbum en vivo se hizo en el Teatro Alvear de la ciudad de Buenos Aires en tres conciertos que, para los que pudieron asistir, seguramente habrá sido único e irrepetible. En el año 1974 una importante cantidad de músicos de renombre como Charly García, Alejandro Medina y Claudio Gabis, de Manal, Miguel Cantilo, Oscar Moro, Nito Mestre, entre otros, grabaron un nueva versión de La Biblia en un álbum titulado La Biblia 1974 (Ensamble Musical de Buenos Aires). En 1997, los miembros de Vox Dei ( Soulé, Quiroga y Basoalto) se juntaron nuevamente para realizar una nueva versión de La Biblia con Fito Páez y Andrés Calamaro como invitados. La Biblia es sin dudas una de las obras cumbres del rock en español.

¡Este gran aporte que me permitió aprender mucho sobre la creación de uno de mis CD favoritos desde hace casi 40 años!

                                                                 La Biblia - Vox Dei

Como se honra el Viernes Santo en Grecia - Iglesia Ortodoxa Griega

"El Viernes Santo es un día festivo y día de ayuno absoluto. Casi todo el día dedicado a la deposición de los crucifijos en las Lamentaciones . Las personas que viven con devoción drama divino . El intenso deseo de participar en la pasión del Señor , y sugerir algunas simples pero típico de las transacciones durante la Semana Santa .

En muchos lugares , las niñas y damas y decorar el Epitaph , cantar el lamento de la Virgen, una gran canción religiosa que relata la crucifixión de Jesús y expresa el dolor de la Santa Madre .

E inmediatamente comienza la afluencia del mundo y de la peregrinación de la Epitaph . Botes Vírgenes llenos de hojas de limón , rosas o estar cerca de él y se espolvorean con mirra a Jesús muerto. Los peregrinos , especialmente las mujeres y los niños después de un beso, pasan por debajo del Epitaph ", para su captura de gracia", como dicen .

Al caer la noche comienza la secuencia y la procesión del Epitafio . El cortejo formado por los querubines y la Cruz al frente, Epitaph y sacerdotes detrás . En las ciudades precedido por músicos , tocando marchas fúnebres . El mundo a sus pies con velas en sus manos. Periódicamente procesión se detiene en las plazas y encrucijadas y hay sacerdotes cantan oraciones . En muchas áreas, la procesión del Epitafio hora, encender fuego, que quemó incienso y otros quemar a Judas.

Los geneai pasan, el Entierro himno Allí, se ofrecen a Jesús.
Madera Kathelon , el Arimatea , enterrado en la tumba .
Mirofora acudieron, te mirra, Jesús, komizousai profronos .
Acá toda la creación era , procesional, prosoiomen Creador adjunto.
Oído alimenta maná, comenzó su talón contra el benefactor .
Joseph está enterrado , sobre Nicodemo nekroprepos la Ktistin .

Oh dulce de mi oreja , mi dulce niña, que NSS tu belleza ?
Pantanax Hijo de Dios, Dios, mi creador, cómo katedexo pasión?
Errani un mirra Mirofora siglo hoyo, mañana altamente elthousai .
Oh Dios mío, Trinidad, Padre, Hijo y Espíritu Santo, ten piedad de el mundo .
Idein el de tu Hijo, Resurrection , Virgin, afirma esclavos Sousse

 Es la la letra del himno .....!!  Es himno santo especial para gran Viernes de Pascua

https://www.youtube.com/watch?v=V9_hi7PSFrw

https://www.youtube.com/watch?v=G3BOlEPB3Rw

https://www.youtube.com/watch?v=aCcASzvKeyY

Himno Bizantino

http://www.youtube.com/watch?v=AFV39py-6O8

¡Gracias, Christos tanto por los bellísimos himnos como por las detalladas explicaciones que te tomaste el trabajo de escribir en inglés y traducir al español para que las entienda!

                                                                  El pulso de la fe

Vangelis & Irene Papas

O! Gliki Mou Ear ("¡Oh! Mi dulce primavera")

Un himno religioso, orquestado por Vangelis Papathanassiou e interpretado por la actriz Irene Papas. El himno fue incluido en 1986 en el álbum "Rapsodies".

Rapsodies se construye a base de himnos religiosos bizantinos, de tradición ortodoxa, propios de la Semana Santa griega.

Rapsodies es una mezcla de himnos tradicionales con creaciones de Vangelis para la ocasión, mezclando unas y otras de manera que, aunque el sonido está plenamente unificado y sin fisuras, es complicado saber qué es totalmente nuevo, qué ha sido arreglado y qué se mantiene intacto según la liturgia religiosa.

Para entender la verdadera dimensión de la colaboración Papas-Papathanassiou es imprescindible mencionar la larga lista de colaboraciones llevadas a cabo entre ambos. Irene Papas trabajó con Vangelis en dos álbumes como dúo, aunque también estuvo presente en el álbum de rock conceptual 666, del grupo Aphrodite's Child, en el que Vangelis era teclista y compositor principal.

Lo que marca con más fuerza el carácter de Rapsodies es, sin embargo, la serie de montajes teatrales clásicos en los que Vangelis puso música a las actuaciones de la actriz. Entre ellas se encuentran las muy respetadas versiones teatrales de Medea, Elektra, Las Troyanas, Hécuba y Antígona. 

                                         http://www.youtube.com/watch?v=qo2y2q7S5wE

¿Por qué escribió Handel El Mesías?

Si el padre de Georg Fridrich Handel hubiera vivido más tiempo, probablemente el mundo habría perdido a un gran compositor. El padre, que era médico en el distrito de Halle en Sajonia, se casó por segunda vez a los 60 años, y Georg Fridrich nació de ese matrimonio. Aunque el joven Handel mostró un excepcional talento musical, tocando el órgano a la edad de siete años, su padre quería que fuera abogado.
Pocos años después de la muerte de su padre, Handel se dedicó de tiempo completo a la música. En Italia escribió sus primeras óperas y en 1710 viajó a Londres, y lo que al principio se suponía que sería, una visita corta se convirtió en una residencia de por vida.
En 1713, a la edad de 36 años, escribió una obra para celebrar el cumpleaños de la reina Ana, por la cual recibió una pensión vitalicia de 200 libras anuales. Se convirtió en el maestro no oficial de la música real. El rey Jorge I le dobló la pensión, y la coronación de Jorge II, en 1727, incluyó cuatro hinmos compuestos por Handel. En ese mismo año, Handel se naturalizó ciudadano inglés y dio a su nombre estilo inglés, convirtiéndolo en George Frederick.
Durante casi 30 años escribió óperas que atrajeron multitudes de londinenses elegantes a los teatros. Pero las óperas de Handel poseían un característico sabor italiano y las óperas italianas pasaron de moda repentinamente.
Con la salud quebrantada, Handel estaba a punto de dejar Inglaterra cuando el gobernador de Irlanda lo invitó a dar una serie de conciertos en Dublín. Mientras planeaba su viaje, Handel escribió un nuevo oratorio, El Mesías, en sólo 23 días, a veces sin dormir ni comer. Cuando terminó el coro de Aleluya, dijo a su asistente: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios."
El estreno de este oratorio, que se llevó acabo el 13 de abril de 1742 en Dublín, estuvo dedicado a obras de caridad y tuvo un éxito rotundo.
Handel era profundamente religioso, pero su decisión de escribir El Mesías y concentrarse en los oratorios se debió, en gran parte, a que la ópera ya no estaba de moda. Veía al oratorio como una forma de ópera que captaba el espíritu de la época, con historias musicalizadas de las Sagradas Escrituras, interpretadas por cantantes, coros y orquesta.
Dada su índole religiosa, los oratorios tenían otra ventaja muy práctica: podían representarse durante la Cuaresma, época en que los demás teatros se veían obligados cerrar.
El Mesías se estrenó en el Covent Garden, de Londres. Durante el concierto, el rey Jorge II se emocionó tanto que, al llegar la parte de los coros de Aleluya, se puso a dar saltitos. Sus súbditos hicieron lo mismo y, desde entonces, se hizo tradición el ponerse de pie cada vez que es ejecutada esa parte.
Handel quedó ciego siete años antes de morir. En 1759, durante una representación de El Mesías, cayó desmayado y nunca se recobró. Fue sepultado en la Abadía de Westminster, pero su petición de ser enterrado de forma privada no fue obedecida. Más de 3,000 entristecidos admiradores acudieron al funeral.
A los 25 años de su muerte, se llevó a cabo una representación conmemorativa de El Mesía, que incluyó la fabulosa cantidad de 95 violines, 26 violas, 21 cellos, 20 oboes, 12 trompetas, 4 juegos de timbales y un coro compuesto por 257 voces. En los festivales en honor a Handel, que se llevaron a cabo entre 1857 y 1926, tornaron parte más de 4,000 ejecutantes.
Esta gran cantidad de instrumentistas, aunque no formaba parte del concepto original de Handel, ha logrado que El Mesías sea una de las piezas más conocidas del compositor. Ninguna Navidad o Pascua transcurre sin que se toque esta obra en algún lugar.

                                                                             Messiah

Abu Simbel, maravilla que protagonizó la mayor campaña de rescate arqueológico del mundo... 

Medio siglo del épico rescate de los templos de Abu Simbel 

"Ahora o nunca". Fue la llamada de auxilio que la Unesco lanzó a la comunidad internacional a principios de 1960. Por aquel entonces la faraónica construcción de la gran presa de Asuán amenazaba con dejar bajo las aguas del Nilo a los templos de Abu Simbel, obra del gran Ramsés II. Cambiar su sino era una batalla contra el tiempo, un milagro que acabó por suceder. El monumento y sus cerca de 20.000 toneladas fueron desmontados y trasladados a un terreno más elevado en un proyecto de cuyo inicio se cumple este abril medio siglo de vida.

Más de 900 personas, de una veintena de nacionalidades, participaron en una hazaña que se prolongó durante más de seis años. Muchos de sus protagonistas ya no pueden contarlo. Pero aún queda la memoria de supervivientes como el ingeniero sueco Ragnar Fossgaard, quien rodando los 80 años de edad mantiene intacto el recuerdo de aquella formidable campaña internacional. "Fue mi primera experiencia en el extranjero. Después dirigí la construcción de carreteras, presas y puentes en América Latina y Sudáfrica. El de Abu Simbel fue el trabajo más emocionante en el que he participado", confiesa Ragnar a EL MUNDO desde Estocolmo.

Cuando el escandinavo aterrizó en Abu Simbel, a unos 900 kilómetros al sur de El Cairo, la mayoría de los tesoros de Nubia -una veintena de templos amenazados por las aguas de la presa- habían sido desarmados y empaquetados en cajas de madera a la espera de un nuevo emplazamiento. Algunos serían luego regalados a los países donantes, como ocurrió con el Templo de Debod que se acomodó en el centro de Madrid. Pero quedaba aún por rescatar el conjunto más imponente: el gran templo dedicado al dios Ra con las cuatro estatuas sedentes de Ramses II, de 18 metros cada una, horadadas en la fachada y el cercano y más pequeño templo de su esposa Nefertari.

A contrarreloj la Unesco recolectó el dinero necesario y recibió las propuestas para salvar el conjunto, de más de 3.200 años de antigüedad. Entre las ofertas, las más viables recomendaban conservar los templos en su sitio protegiéndolos con un dique o desmontarlos y transportarlos pieza a pieza a un nuevo emplazamiento, a unos 200 metros de distancia de su lugar original y unos 64 metros más elevado. "El Gobierno egipcio apostó por dividir los templos en bloques y transportarlos a orillas del lago Naser", explica Ragnar, quien trabajaba para la multinacional sueca VBB. Cuando se dio luz verde -recuerda el experto- el tiempo apremiaba: "El nivel del agua alcanzaría el suelo de los templos en menos de 14 meses. Fue una lucha contra el tiempo".

Un consorcio internacional lideró la agónica cuenta atrás, que comenzó en abril de 1964. La primera tarea fue retirar 300.000 toneladas de roca de la colina que albergaba los templos para alcanzar sus techos y facilitar el desmontaje. Al mismo tiempo, se levantó un muro de 360 metros de longitud y 25 metros de altura para contener las aguas; se volcó montañas de arena para proteger los colosos de la fachada y se horadaron túneles de drenaje por debajo de los templos para controlar el nivel de las aguas subterráneas.

"El trabajo progresó bien pero fue una labor dura sobre todo para quienes tenían que excavar y cortar los bloques. Fue difícil soportar el calor delante de la fachada con el sol reflejándose sobre las laderas de piedra blanca pero todo el mundo sabía que se trataba de luchar contra el Nilo y que había que dar la batalla", detalla Ragnar, quien aún recuerda que al principio del proyecto dos barcos, Imhotep y Zoser, servían de oficinas y habitaciones. "Estaban equipados con aparatos de aire acondicionado pero había frecuentes cortes de electricidad".

Completadas las tareas de protección, arrancó el despiece. Los templos de "Ramsés el grande" (1304-1237 a.C.) quedaron reducidos a un millar de bloques. "Pesaban de media unas 30 toneladas. Los de la fachada y los de los murales interiores fueron serrados a mano por cortadores de mármol italianos. Otro tajos se hicieron con motosierras o sierras de hilo. La anchura de los cortes nunca fue mayor de los 5 milímetros", precisa el ingeniero sueco. La fragilidad de la arenisca obligó a reforzar la piedra con inyecciones de resina sintética.

"Eran bloques inmensos que tuvimos que numerar antes de trasladarlos a su nueva ubicación", apunta a este diario la arqueóloga egipcia Fayza Heikal, quien -recién salida de la facultad- se enroló en el proyecto y participó en la documentación del sitio. "Por aquel entonces era muy joven. Fue una experiencia fascinante en unas condiciones de vida muy severas porque había que traer la comida por el río desde Asuán y estábamos en mitad del desierto", agrega la profesora de la Universidad Americana de El Cairo.

La reconstrucción no resultó menos laboriosa. "Ni un solo bloque fue dañado durante el desmantelamiento, el transporte y la reconstrucción", destaca Ragnar. Las piezas fueron fijadas en una superestructura de cemento y se erigió una gigantesca bóveda de hormigón para simular el promontorio original. Ningún detalle fue ignorado para que la réplica resultara lo más exacta posible y se conservara la orientación que permite el fenómeno solar por el que dos veces al año los rayos de sol penetran hasta el fondo del templo e iluminan las estatuas de Ramsés II y los dioses Horus y Amón Ra.

El traslado de los templos -descubiertos en 1812 por el explorador suizo Johann Ludwig Burckhardt- y el desplazamiento del Trópico de Cáncer durante los últimos tres milenios solo han una causado una leve variación en el espectáculo. En lugar del 21 de febrero y el 21 de octubre - como antaño- el efecto se produce hoy un día más tarde. Pero el resultado es idéntico: el amanecer alumbra las tres estatuas y mantiene en penumbra la cuarta, la figura de Ptah, el señor de la Tinieblas.

"El resultado fue maravilloso. Quien lo visita sin conocer su traslado no puede reconocer que el entorno y la montaña son artificiales", recalca Fayza. "El conjunto es un prodigio de la tecnología del Antiguo Egipto y también de los avances de la segunda mitad del siglo XX", concluye la arqueóloga.

RAGNAR FOSSGAARD
Ragnar -acompañado de mujer e hija desde 1966- cuenta que la vida se fue haciendo menos áspera cuando se levantó una colonia de viviendas en los aledaños de la zona de trabajo; florecieron los jardines; el agua y la electricidad dejaron de ser una rareza; se abrió una piscina y se programó cine al aire libre una vez por semana. "La 'Stella' fría (marca local de cerveza) en una noche cálida y agradable de cine era era el momento culminante de la semana", bromea. "Fue una experiencia única. Fue un lugar donde arqueólogos, ingenieros y arquitectos de todo el mundo trabajamos conjuntamente y con el mismo objetivo, ganar la partida al Nilo y lograr que los templos pudieran vivir otros 3000 años".

ODA A LA ALEGRÍA –PABLO NERUDA
ALEGRÍA
hoja verde 
caída en la ventana, 
minúscula
claridad 
recién nacida,
elefante sonoro,
deslumbrante
moneda,
a veces
ráfaga quebradiza,
pero
más bien
pan permanente,
esperanza cumplida,
deber desarrollado.
Te desdeñé, alegría.
Fui mal aconsejado.
La luna
me llevó por sus caminos.
Los antiguos poetas
me prestaron anteojos
y junto a cada cosa
un nimbo oscuro
puse,
sobre la flor una corona negra,
sobre la boca amada
un triste beso.
Aún es temprano.
Déjame arrepentirme.
Pensé que solamente
si quemaba
mi corazón
la zarza del tormento,
si mojaba la lluvia
mi vestido
en la comarca cárdena del luto,
si cerraba
los ojos a la rosa
y tocaba la herida,
si compartía todos los dolores,
yo ayudaba a los hombres.
No fui justo.
Equivoqué mis pasos
y hoy te llamo, alegría.
Como la tierra
eres
necesaria.
Como el fuego
sustentas
los hogares.
Como el pan
eres pura.
Como el agua de un río
eres sonora.
Como una abeja
repartes miel volando.
Alegría,
fui un joven taciturno,
hallé tu cabellera
escandalosa.
No era verdad, lo supe
cuando en mi pecho
desató su cascada.
Hoy, alegría,
encontrada en la calle,
lejos de todo libro,
acompáñame:
contigo
quiero ir de casa en casa,
quiero ir de pueblo en pueblo,
de bandera en bandera.
No eres para mí solo.
A las islas iremos,
a los mares.
A las minas iremos,
a los bosques.
No sólo leñadores solitarios,
pobres lavanderas
o erizados, augustos
picapedreros,
me van a recibir con tus racimos,
sino los congregados,
los reunidos,
los sindicatos de mar o madera,
los valientes muchachos
en su lucha.
Contigo por el mundo!
Con mi canto!
Con el vuelo entreabierto
de la estrella,
y con el regocijo
de la espuma!
Voy a cumplir con todos
porque debo
a todos mi alegría.
No se sorprenda nadie porque quiero
entregar a los hombres
los dones de la tierra,
porque aprendí luchando
que es mi deber terrestre
propagar la alegría.
Y cumplo mi destino con mi canto.

                                                               Himno a la Alegría

Gabriel García Márquez

(Aracataca, Colombia, 1928-2014) Novelista colombiano. Afincado desde muy joven en la capital de Colombia, Gabriel García Márquez estudió derecho y periodismo en la universidad Nacional e inició sus primeras colaboraciones periodísticas en el diario El Espectador.

A los veintisiete años publicó su primera novela, La hojarasca, en la que ya apuntaba los rasgos más característicos de su obra de ficción, llena de desbordante fantasía. A partir de esta primera obra, su narrativa entroncó con la tradición literaria hispanoamericana, al tiempo que hallaba en algunos creadores estadounidenses, sobre todo en William Faulkner, nuevas fórmulas expresivas.

Comprometido con los movimientos de izquierda, Gabriel García Márquez siguió de cerca la insurrección guerrillera cubana hasta su triunfo en 1959. Amigo de Fidel Castro, participó por entonces en la fundación de Prensa Latina, la agencia de noticias de Cuba. Tras la publicación de dos nuevos libros de ficción, en 1965 fue galardonado en su país con el Premio Nacional.

Sólo dos años después, y al cabo de no pocas vicisitudes con diversos editores, García Márquez logró que una editorial argentina le publicase la que constituye su obra maestra y una de las novelas más importantes de la literatura universal del siglo XX, Cien años de soledad.

La obra, en la que trabajó más de veinte años, recrea a través de la saga familiar de los Buendía la peripecia histórica de Macondo, pueblo imaginario que es el trasunto de su propio pueblo natal y al tiempo, de su país y su continente. De perfecta estructura circular, el relato alza un mundo propio, recreación mítica del mundo real de Latinoamérica que ha venido en llamarse «realismo mágico», por el encuentro constante de elementos realistas con apariciones y circunstancias fantasiosas. Esta fórmula narrativa entronca con la tradición literaria latinoamericana, iniciada con las crónicas de los conquistadores, plagadas también de leyendas y elementos sobrenaturales originados por el profundo choque entre el mundo conocido y la cultura de los españoles que emigraban y la exuberante y extraña presencia del continente latinoamericano.

Gabriel García Márquez

Tras una temporada en París, en 1969 se instaló en Barcelona, donde entabló amistad con intelectuales españoles, como Carlos Barral, y sudamericanos, como Vargas Llosa. Su estancia allí fue decisiva para la concreción de lo que se conoció como boom de la literatura hispanoamericana, del que fue uno de sus mayores representantes.

En 1972 Gabriel García Márquez obtuvo el Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos, y pocos años más tarde regresó a América Latina, para residir alternativamente en Cartagena de Indias y Ciudad de México, debido sobre todo a la inestabilidad política de su país.


Su prestigio literario, que en 1982 le valió el Premio Nobel de Literatura, le confirió autoridad para hacer oír su voz sobre la vida política y social colombiana. Su actividad como periodista queda reflejada en Textos costeños, de 1981, Entre cachacos, de 1983, compendios de artículos publicados en la prensa escrita, o Noticias para un secuestro, amplio reportaje novelado editado en 1996 que trata de la dramática peripecia de nueve periodistas secuestrados por orden del narcotraficante Pablo Escobar. Relato de un náufrago, reportaje sobre un caso real publicado en forma de novela en 1968, constituye un brillante ejemplo de «nuevo realismo» y refleja su capacidad para cambiar de registro.

En cine ha intervenido en la redacción de numerosos guiones, a veces adaptaciones de sus propias obras, y desde 1985 comparte, con el cineasta argentino Fernando Birri, la dirección de la Escuela Internacional de Cine de La Habana.

http://www.taringa.net/posts/info/17016169/Libro-El-Amor-en-los-Tiempos-de-Colera-PDF-digital.html

http://www.depocountodo.com/2012/04/libros-para-descargar-100-anos-de.html

http://biblio3.url.edu.gt/Libros/cromuerte.pdf

Un merecido tributo a un grande de la literatura mundial que acaba de dejar el plano terrenal...aunque sus libros nos seguirán nutriendo por siempre.

Arco iris

Un arcoíris, arco iris o iris es un fenómeno óptico y meteorológico que produce la aparición de un espectro de frecuencias de luz continuo en el cielo cuando los rayos del sol atraviesan pequeñas gotas de agua contenidas en la atmósfera terrestre. La forma es la suma de un arco multicolor con el rojo hacia la parte exterior y el violeta hacia la interior.

Menos frecuente es el arco iris doble, el cual incluye un segundo arco más tenue con los colores invertidos, es decir, el rojo hacia el interior y el violeta hacia el exterior. De acuerdo con sir Isaac Newton, habría 7 colores fundamentales, el rojo, el naranja, el amarillo, el verde, el azul, el añil y el violeta, en el sistema RYB, 3 primarios, 3 secundarios y un terciario; en el RGB, 3 primarios, un secundario y 3 terciarios.

En la mitología griega, Iris (en griego Ἶρις, ‘arco iris’) es hija de Taumante y de laoceánide Electra y hermana de las Harpías. En la Ilíada, se la describe como mensajera de los dioses; sin embargo, en la Odisea este papel está reservado a Hermes. Iris es la personificación del arco iris que anuncia el pacto de los humanos y los dioses y el fin de la tormenta; al igual que Hermes, es la encargada de hacer llegar los mensajes de los dioses a los seres humanos. Está casada con Céfiro, dios del viento del oeste.

Se representa a Iris como una joven virgen con alas doradas, apresurándose con la velocidad del viento de un extremo a otro del mundo, a las profundidades del mar y al inframundo. Es la mensajera especialmente de Hera, y está relacionada con Hermes, cuyo caduceo o vara lleva a menudo. Por orden de Zeus, lleva un jarro con agua del Estigia, con la que hace dormir a todos los que perjuran. Sus atributos son el caduceo y un jarrón. También es representada suministrando a las nubes el agua que necesitan para inundar el mundo.

Adjunto un hermoso cuento infantil: “El puente arco iris” ¡Que lo disfruten!

http://www.milcuentosinfantiles.com/cuento-el-puente-arco-iris/?utm_source=dlvr.it&utm_medium=facebook

Ajedrez

I 

En su grave rincón, los jugadores 
rigen las lentas piezas. El tablero 
los demora hasta el alba en su severo
ámbito en que se odian dos colores.

Adentro irradian mágicos rigores
las formas: torre homérica, ligero
caballo, armada reina, rey postrero,
oblicuo alfil y peones agresores.

Cuando los jugadores se hayan ido,
cuando el tiempo los haya consumido,
ciertamente no habrá cesado el rito.

En el Oriente se encendió esta guerra
cuyo anfiteatro es hoy toda la Tierra.
Como el otro, este juego es infinito.

II

Tenue rey, sesgo alfil, encarnizada
reina, torre directa y peón ladino
sobre lo negro y blanco del camino
buscan y libran su batalla armada.

No saben que la mano señalada
del jugador gobierna su destino,
no saben que un rigor adamantino
sujeta su albedrío y su jornada.

También el jugador es prisionero
(la sentencia es de Omar) de otro tablero
de negras noches y de blancos días.

Dios mueve al jugador, y éste, la pieza.
¿Qué Dios detrás de Dios la trama empieza
de polvo y tiempo y sueño y agonía?

Jorge Luis Borges

HAGAMOS UN TRATO

Compañera
usted sabe
que puede contar
conmigo
no hasta dos
ni hasta diez
sino contar
conmigo.
Si alguna vez
advierte
que la miro a los ojos
y una veta de amor
reconoce en los míos
no alerte sus fusiles
ni piense qué delirio
a pesar de la veta
o talvez porque existe
usted puede contar
conmigo.
Si otras veces
me encuentra
huraño sin motivo
no piense qué flojera
igual puede contar
conmigo.
Pero hagamos un trato
yo quisiera contar
con usted
es tan lindo
saber que usted existe
uno se siente vivo
y cuando digo esto
quiero decir contar
aunque sea hasta dos
aunque sea hasta cinco
no para que acuda
presurosa en mi auxilio
sino para saber
a ciencia cierta
que usted sabe
que puede
contar conmigo.

Mario Benedetti

"En busca de Troya" - Irving Stone

Sophia Engastromenos tenia diecisiete anos cuando se encontro con Henry Schliemann, norteamericano de adopcion, de cuarenta y siete, quien buscaba una muchacha griega que pudiera ser la "mano de Dios sobre mi hombro" en la busqueda de la antigua ciudad de Troya y de las tumbas de los reyes de Micenas. Schliemann habia hecho tres fortunas, dos en Rusia y otra en la fiebre del oro en California. Pero habia decidido dedicar el resto de su vida a encontrar Troya, cuya existencia era entonces negada por los hombres de ciencia del mundo. La aventura de Henry y de Sophia, llena de peligros y frustraciones, dio lugar a uno de los mas importantes hallazgos arqueologicos de los tiempos modernos.
A pesar de sus espectaculares descubrimientos, Schliemann fue insultado en los dieciocho idiomas que hablaba y escribia: impostor, bandido, farsante, idiota,despilfarrador. Pero tenia sus defensores: Sophia y el primer ministro de Inglaterra, William Gladstone. En busca de Troya es una historia humana inolvidable. Una gran novela basada sobre hechos reales de Irving Stone, autor de La agonia y el extasis (novela basada en la vida de Miguél Ángel), entre otros libros magistrales.

Para conocer más profundamente este extraordinario libro, consultar el siguiente link:

http://paseoliterario.over-blog.com/pages/En_Busca_De_Troya_Resumen-1538119.html

                                                          La pasión según San Mateo

La Pasión según San Mateo

Parece que "La Pasión según San Mateo" (Matthäus Passion) fue estrenada por Juan Sebastián Bach (Eisenach 1685- 1750) el día 11 de abril de 1727 (Viernes Santo) en la Thomaskirche de Leipzig, aún cuando existen estudiosos que sitúan este acontecimiento en 1728 ó 1729. Esta disparidad de fechas se debe, fundamentalmente, así hecho de que no hubiese una sola versión de esta obra, puesto que el propio Bach se veía obligado a pulir la partitura con cada nueva celebración litúrgica. Por ello parece que la versión que hoy conocemos es la correspondiente a la reposición del año 1736.

La obra, que lleva el número de catálogo BWV 244 cayó en el olvido y fue rescatada por Felix Mendelssohn en un concierto celebrado en Berlín el 11 de marzo de 1829, pocos días antes de celebrarse el 144 aniversario del nacimiento de Bach.

La Pasión según San Mateo es, posiblemente, la más grande obra religiosa de la historia de la música: texto y música, fidelidad al relato evangélico, elevada creación poética, piedad, se unen en ella de manera que no podemos separar ningún aspecto como más sobresaliente.

El texto alterna 2 fuentes: por un lado el propio texto del evangelio, los capítulos 26 y 27, que son cantados enteros y literalmente, en pequeños fragmentos, ya sea por el narrador (evangelista), Jesús, los apóstoles, etc. es decir, dramatizado, tal como en las lecturas de la pasión que se realizan en la liturgia del Viernes Santo; y las partes de este texto van alternando con poesías, a cargo de solistas o coros (de adultos o niños), que van "apropiándose" religiosamente del texto del evangelio.

Para mayor información sobre esta magna obra, consultar el siguiente link:

http://www.eltestigofiel.org/arte/musica.php?idu=30

Siete jefes indios

Los jefes de las tribus indígenas de los Estados Unidos reciben el nombre de Jefe. Algunos han sido hechos famosísimos por las películas de Hollywood, como Toro Sentado o Gerónimo. Otros son desconocidos para el público en general. Entre los centenares de jefes indios –históricos y contemporáneos- los siguientes siete destacan por haber llevado vidas fuera de lo común.

1. Gerónimo.(Apache, 1829-1909

Gerónimo es uno de los líderes más controveritidos, incluso entre su propia gente. Se enfrentó a los Ejércitos de México y Estados Unidos pagando por ello con reclusión en una reserva alejado de su propia gente.

2. Jefe Joseph. (Nez Perce, 1840-1904)

El Jefe Joseph de los Nez Perce buscó la paz, pero encontró la guerra. Lideró a su gente en una marcha de casi dos mil kilómetros buscando, sin éxito, llegar a Canadá y pedir asilo a Toro Sentado.

Es uno de los jefes indios más reconocidos. Incluso en su época tuvo gran reconocimiento por el modo noble de comportarse en las batallas. Siendo sus movimientos recogios por la prensa escrita de la época.

3. Tecumseh. (Shawnee, 1768-1813)

Tecumseh es uno de los jefes nativos más reverenciados. Soñó con una confederación india independiente del gobierno de los Estados Unidos y se enfrentó al Ejército en alianza con las tropas británicas presentes en Canadá.

Tecumseh es, además, hermano de Tenskwatawa , conocido como el Profeta. Sus enseñanzas de rechazo a todos los elementos de la cultura blanca, como la venta de tierras, el uso de armas de fuego y el consumo de alcohol, así como su profecía de que un gran desastre iba a suceder a los colonos blancos motivaron a decenas de tribus a sumarse a la lucha de Tecumseh.

4. Toro Sentado. (Lakota Siux, 1831-1890)

Toro Sentado fue archiconocido por ser el jefe del grupo de guerreros nativos que derrotó al Séptimo de Caballería, comandado por el general Custer, en la batalla de Little Bighorn, el 25 de junio de 1876.

5. Wilma Mankiller (Cheroqui, 1945-2010).

Wilma Mankiller fue primera mujer jefa de una de las grandes tribus nativas americanas - los cheroqui. Famosa por su activismo en defensa de los intereses de su gente.

A diferencia de otros jefes indios de la época contemporánea, la señora Mankiller rechazó la idea de desarrollo basado en el juego y promovió políticas distintas de carácter social.

6. Caballo Salvaje (Oglala Lakota, 1840 aproximadamente-1877).

Caballo Salvaje es otro famosísimo líder indio que participó, junto a Toro Sentado, en la batalla de Little Bighorn, donde las fuerzas de los nativos aniquilaron a prácticamente todos los integrantes del Séptimo de Caballería del Ejército de Estados Unidos.

Caballo Salvaje nació en el seno de la banda Oglala dentro de la tribu Lakota Siux. Muy pronto comenzó a tener visiones, en una de las cuales se le revela que será el protector de su propia gente.

Fue un gran guerrero con un final trágico.

7. Nube Roja. (Oglala Lakota, 1822-1905)

Nube Roja fue un respetado jefe indio que ha pasado a la historia por haber batallado con éxito al Ejército de los Estados Unidos y por liderar, posteriormente, la transición de su gente a la vida en una reserva.

Como muchos otros líderes indios, Nube roja tuvo sus primeras experiencias guerreras batallando contra otras tribus nativas.

Falleció a edad avanzada, siendo uno de los grandes jefes de los indios nativos de Estados Unidos.

Los indígenas de los Estados Unidos, también conocidos popularmente como Native American (Nativo Americanos), son las etnias amerindias que viven en los Estados Unidos y que hablan lenguas amerindias, caracterizadas por su diversidad y número.

Sudario de Turín

El Sudario de Turín —también conocido como la Síndone, la Sábana Santa o el Santo Sudario— es una tela de lino que muestra la imagen de un hombre que presenta marcas y traumas físicos propios de una crucifixión. Se encuentra ubicado en la capilla real de la Catedral de San Juan Bautista, en Turín (Italia).

El sudario mide 436 cm × 113 cm. Los orígenes del sudario y su figura son objeto de debate entre científicos, teólogos, historiadores e investigadores. Algunos sostienen que el sudario es la tela que se colocó sobre el cuerpo de Jesucristo en el momento de su entierro, y que el rostro que aparece es el suyo. Otros afirman que este objeto fue creado en la Edad Media. La Iglesia católica no ha manifestado oficialmente su aceptación o rechazo hacia el sudario, pero en 1958 el papa Pío XII autorizó la imagen en relación con la devoción católica hacia la Santa Faz de Jesús.

"La pasión de Jesucristo, según la Santa Sábana

El doctor Pierre Barbet, cirujano del Hospital de San José, en Paris, es quien a hecho hasta ahora el estudio medico más completo de la pasión de Cristo, según se deduce de la Sábana Santa (Cf. La Passione di N. S. Gesu Cristo secondo el chirurgo, L. I. C. E. Torino). En la imposibilidad de abarcar todos los aspectos, extractamos los que nos parecen de mayor interés.

a) Lesiones sufridas en el vía crucis.

Barbet descubre en la santa sábana lesiones provocadas por las caídas de Jesús en el vía crucis. Son llagas en la cara anterior de la rodilla, sobre todo en la derecha. Esta ultima presenta excoriaciones de forma y tamaño diverso, de bordes recortados y situadas exactamente en la región rotuliana. Hacia arriba y afuera se observan dos llagas redondas de dos centímetros de diámetro. Las lesiones son menos evidentes y numerosas en la rodilla izquierda.

Las huellas de la cruz sobre la espalda, se acusan con nitidez en la imagen dorsal de la silueta de la reliquia. Sobre el hombro derecho, en la parte externa de la región supraescapular, es visible una extensa zona escoriada hacia abajo y adentro, que ofrece la forma de un rectángulo de 10 centímetros de largo pop 9 de ancho. Mas abajo en la región escapular, se observa otra zona escoriada que presenta los mismos caracteres (forma redonda con un diámetro de 14 centímetros), exactamente situada en la región subescapular, en la punta del omóplato izquierdo.

b) Topografía de las llagas de las manos

Merced a las observaciones del profesor Barbet sobre la santa sábana, completadas luego con detenidas experiencias anatómicas, se ha podido localizar la topografía exacta de las llagas que produjeron los clavos en las manos de Jesús al ser crucificado. Los clavos no atravesaron la palma, como vulgarmente se cree, sino el carpo o región del pulso, esto es, la muñeca, precisamente por el espacio libre, llamado de Destot, limitado por los huesos semilunar, pirami­dal, grande y ganchoso. En efecto, en la santa sábana se descubre en la mano izquierda, que es la más visible, una llaga redonda, muy neta, en la altura del carpo, de la cual parte un reguero de sangre que se irradia oblicuamente hacia arriba y hacia la derecha hasta alcanzar el margen cubital del antebrazo.

c) La lanzada y la llaga del costado.

Es creencia muy común el de situar el corazón a la izquierda del tórax, pero esta localización no es exacta. El corazón ocupa una posición mediana y anterior y reposa sobre el diafragma, detrás de los pulmones y del peto óseo esternocostal, en el mediastino anterior. Solo su punta queda situada netamente a la izquierda, mientras su base supera por la derecha el esternón.

Seguramente como consecuencia de aquella opinión popular que ubica el corazón a la izquierda del pecho existe una tradición de opi­niones que colocan el golpe de lanza como asestado en el costado izquierdo de Jesús. No todas, sin embargo. San Agustín, por ejem­plo, habla en La Ciudad de Dios de latere dextro, flanco derecho, y asimismo San Francisco de Asís. Según Barbet, la santa sabana ha venido a dilucidar con su objetivo testimonio este problema, como tantos otros. La silueta del lienzo, con la manifestación clara de la herida, prueba que el cadáver de Cristo sufrió la lanzada en el cos­tado derecho y no en el izquierdo. Observase así en la imagen ante­rior de la sabana un enorme coagulo de sangre en el lado derecho, que se extiende hacia arriba unos seis centímetros y desciende en una dimensión de 15. Su margen interno aparece dentellado con re­cortadura redondeada. Esta mancha de sangre resalta en la sabana, vista a pleno día, por su tonalidad carmín. La parte superior del coagulo, la mas próxima a la llaga, es la más espesa y la más ancha, y en ella se distingue netamente una huella oval, que es evidente­mente la impronta de la llaga del costado. Esta llaga mide 4,4 centímetros de largo por 1,5 de ancho.

Barbet deduce que la herida fue abierta por una lanza actuada por un soldado de infantería desde el suelo, la cual penetró por el quinto espacio intercostal derecho, atravesó la pleura y el pericardio e hirió la aurícula derecha. La sangre que broto de la lanzada pro­venía de dicha aurícula, y el agua, del pericardio, por virtud de la agonía extraordinariamente penosa del Salvador."

Llegando el Viernes Santo, rindo un conmovido tributo a mi amado Jesús y a la maravillosa e inexplicable (aún con la tecnología actual) Síndone de Turín.