Colecciones Británicas sobre Antiguo Egipto

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Desde el siglo XVIII el coleccionismo ha tenido una gran importancia en Gran Bretaña. En principio sólo era una mera acumulación de objetos de arte que interesaban por su belleza o por su rareza. Una vez estudiadas las llamadas culturas clásicas, Grecia y Roma, y en especial después del descubrimiento de la piedra Rossetta por las tropas de Napoleón, Egipto comenzó a interesar en Europa.

Con el desarrollo de la arqueología, ya en el siglo XIX, las campañas arqueológicas en Egipto se multiplicaron. Aunque comenzaron sin un excesivo rigor científico, el interés por el arte y la cultura del Antiguo Egipto fue en aumento, como demuestran las numerosas referencias literarias, sobre todo tras el gran descubrimiento de la tumba de Tutankamon por el arqueólogo británico Howard Carter en 1922, en que Egipto proclamó su independencia.

La frecuencia de las campañas arqueológicas británicas en Egipto se debieron principalmente a que el país estaba vinculado desde la construcción del canal de Suez (1859-69) al imperio británico hasta el movimiento nacionalista surgido al final de los años 50 de este siglo, en que se hicieron duras críticas sobre la expoliación del patrimonio cultural egipcio. Las disputas por la mayoría de las obras que actualmente se encuentran en colecciones y museos brtánicos siguen existiendo en la actualidad.

La Colección Egipcia del Museo Británico

 

El origen del Museo Británico se remonta a 1753, y se formó a partir de una colección privada.  Sir Hans Sloane era el dueño de esta colección, aunque no existe evidencia de que este señor tuviera el más mínimo interés en la egiptología. 

A su muerte dejó su colección para que se fundara un museo.  Este museo se instaló en Montague House, un edificio que se encontraba donde más adelante se edificaría el museo actual. 

El museo fue incrementando su colección gracias a la aportación de colecciones particulares, y consigue que una asociación llamada Sociedad de Egipto les regale una momia.

Por el conocido Tratado de Alejandría se trae a Londres la piedra Rosetta, e igualmente se requisa a los franceses una estatua de Sekhmet.  Ambas piezas pasaron a formar parte de la colección de Montague House.

Luego, gracias a la intervención de Salt, Bruckhardt y Belzoni se consiguió el gran coloso de Ramsés II que se exhibe en la sala central.  Para entonces (1816) existe una ley egipcia que permite la salida de Egipto de objetos faraónicos, siempre que éstos no se dañen.

El éxito que tuvo por entonces la exposición de Belzoni en Londres hace que el museo pida a Salt la colección.  Pero como sus objetos no son considerados obras de arte, sólo le ofrecen 2.000 LE.  Por esta mísera cantidad vende solo una parte, quedándose con la tapa del sarcófago de Seti I, que ahora se encuentra en el Soane’s Museum.  Sólo por esta pieza cobra lo mismo que por el resto de la colección vendida al Montague House.

La construcción del actual edificio es obra de Robert Sammit.  En origen no tuvo el aspecto actual, sino que fue ampliándose a medida que las obras fueron incrementándose. 

La primera construcción es la actual galería de estatuaria de 1843.  En el piso superior aloja las piezas menores, así como los sarcófagos y momias.

Samuel Birch organizó el material por fichas y códigos numéricos:

ES = esculturas egipcias del 1 al 1000
ER = no esculturas del  10.000 al 10.999

pero esta numeración pronto resulta insuficiente con la llegada de manuscritos y papiros, donados sobre todo por Anthony Harris.

En 1870 nace una nueva numeración (JE) seguida del número correlativo de llegada.  La numeración sigue a cargo de Birch.  En 1955 se separan en dos departamentos el Próximo Oriente Asiático y Egipto, y se cambia la numeración a la actual EA (Egyptian Antiquities).

Bajo la dirección de Wallis Budge llegan distintos papiros, entre ellos el famoso Papiro de Ani. 

 Por aquel entonces se crea igualmente la Egypt Exploration Society.

El Museo Británico cuenta en la actualidad con unas 75.000 piezas egipcias.

·                         Principales piezas de la Colección

·                         1.- Estatua-bloque de Sennefer

·                         2.- Pareja sin identificar

·                         3.- Busto colosal de caliza de Amenhotep III

·                         4.- Evidencia de la persecución oficial de la historia de un faraón

·                         5.- Estatua de granito de Sesostris III

·                         6.- Estatua de Jaemuaset en conglomerado de arenisca

·                         7.- León de granito rojo de Amenhotep III

·                         8.- Estatua de caliza pintada de Nenkheftka

·                         9.- Hombre Predinástico

·                         10.- Sarcófago interior de Henutmehyt

·                         11.- Sarcófago exterior de Bakenmut

·                         12.- Sarcófago dorado de Henutmehyt (exterior)

·                         13.- Placa de momia de Henutmehyt

·                         14.- Historia de la conservación de la Piedra Rosetta

·                         15.- La Piedra de Shabako

·                         16.- Barca de granodiorita con una estatua de Mutemuia como diosa Mut

·                         17.- Página del Libro de los Muertos de Hunefer

·                         18.- Maqueta mostrando la fabricación del vino, del pan y una carnicería

·                         19.- Busto Colosal de Ramsés II, el joven Memnón

http://www.egiptologia.com/museos-y-exposiciones/77-museos-del-mundo/1036-la-coleccion-egipcia-del-museo-britanico-de-londres.html?start=3

PADRE – Joan Manuel Serrat

Padre
decidme qué
le han hecho al río
que ya no canta.
Resbala
como un barbo
muerto bajo un palmo
de espuma blanca.

Padre
que el río ya no es el río.
Padre
antes de que llegue el verano
esconded todo lo que esté vivo.

Padre
decidme qué
le han hecho al bosque
que ya no hay árboles.
En invierno
no tendremos fuego
ni en verano sitio
donde resguardarnos.

Padre
que el bosque ya no es el bosque.
Padre
antes de que oscurezca
llenad de vida la despensa.

Sin leña y sin peces, padre
tendremos que quemar la barca,
labrar el trigo entre las ruinas, padre,
y cerrar con tres cerrojos la casa
y decía usted…

Padre
si no hay pinos
no habrá piñones,
ni gusanos, ni pájaros.

Padre
donde no hay flores
no se dan las abejas,
ni la cera, ni la miel.

Padre
que el campo ya no es el campo.
Padre
mañana del cielo lloverá sangre.
El viento lo canta llorando.

Padre
ya están aquí…
Monstruos de carne
con gusanos de hierro.

Padre
no, no tengáis miedo,
y decid que no,
que yo os espero.

Padre
que están matando la tierra.
Padre
dejad de llorar
que nos han declarado la guerra.

                                          Padre - Joan Manuel Serrat

Madre luz – José Pedroni

Oh luz, principio claro, causa eterna del hombre:

santificado sea tu milagroso nombre.

Oh luz, gracia absoluta, lleno simple y fecundo

dulce estado de amor alrededor del mundo:

Te debo la dulzura de mis días serenos

y el estupor azul de mis dos ojos buenos.

Te debo la alegría de ser hombre, y de amar,

y de tocar la tierra _que es pura_, y de soñar.

Oh luz, bendita seas por todo lo cumplido:

por el pan, por el agua, por la flor, por el nido. . .

Por la madre que canta, por el niño que llora,

por lo que he sido antes, por lo que soy ahora.

Oraciones Panteístas 

Canto a la poesía - Madre Luz - José Pedroni

Capricho español, op. 34, de Nikolai Rimski-Korsakov

Seguramente resulta injusto que la figura de Anfrei Nikolaievich Rimski-Korsakov nos sea familiar casi exclusivamente en base a este Capricho español y a lasuite Scherezade. Ambas obras datan del mismo año (1885), época en la que Rimski trabajaba como director adjunto de Balakirev en la capilla imperial de San Petersburgo. Para entonces ya había completado y estrenado tres óperas propias: Iván el Terrible, Una noche de mayo y Snegurochka (además, se había ocupado de completar y editar diversas composiciones de Glinka y Mussorgski y pronto lo haría con las que Borodin había dejado inconclusas). En el terreno sinfónico, Rimski llevaba compuestas tres grandes sinfonías, una Sinfonietta, el Concierto para piano, la Fantasía sobre temas rusos y también se había estrenado con fortuna en la música de cámara.

Es harto conocido el motivo de inspiración que tuvo Rimski para componer el Capricho español. Cuando en 1862 finalizó sus estudios navales permaneció embarcado en un buque escuela durante tres años, visitando las costas de Escandinavia, Inglaterra, América y el Mediterráneo. En el transcurso de aquellos viajes el músico escuchó y anotó gran cantidad decanciones populares. La elaboración de este material no se hizo, por supuesto, según unos postulados de investigación científica, sino que más bien podemos decir que Rimski se sirvió del “aroma” exótico de ritmos y giros populares para, a partir de una cita muy localizada, construir fantásticos monumentos de orfebrería sonora. Hay en esta música, por otra parte, una considerable carga de refinada sofisticación en el manejo de los timbres, que para algún comentarista llega incluso a prefigurar el futuro impresionismo. No es fácil, sin embargo, extraer de una partitura como la del Capricho español una imagen trascendente de las considerables aportaciones que hizo Rimski al desarrollo de la armonía: por ejemplo, en la Snegurochka emplea la superposición de dos acordes de quinta aumentada, lo que le lleva a establecer las seis notas de la escala de tonos incluso antes de que lo hiciera Debussy. Por no hablar de las modulaciones que anuncian ya a Shostakovich, en la obertura de La ciudad invisible de Kiteg, o del empleo de múltiples acordes aumentados, en El inmortal Katschei. Todo ello no se hace presente en la colorista paleta sonora del Capricho español, un excelente ejemplo de aquello que Kant denominara “artes del bello juego de las sensaciones”.

Artículo extraído del libro de Gonzalo Badenes “Programa en Mano” editado por Rivera Editores.

http://www.riveramusica.com/blog/partituras/capricho-espanol-rimski-korsakov

Nikolai Rimski-Korsakov: El marino que quiso ser músico

* Nacido el 18 de marzo de 1844 en Tijvin, Novgorod
* Fallecido el 21 de junio de 1908 en Liubensk

 Nikolai nació 22 años después que su único hermano, Voin, y cuando su padre, Andrei, ya se encontraba jubilado de su cargo oficial. En la familia todos eran aficionados a la música, especialmente su tío Piotr, y el padre sabía tocar algunas viejas melodías al piano. Con seis años recién cumplidos, Nikolai recibió sus primeras nociones musicales de parte de una vecina anciana y luego de una institutriz que le puso en contacto por primera vez con las obras de Beethoven. El pequeño demostró poca aptitud para el piano aunque un excelente oído para la composición. Pero a los doce años, y siguiendo la tradición de su familia, Nikolai ingresó en la Armada Rusa pese a los consejos contrarios de su hermano mayor. De esta manera, en julio de 1856, Nikolai llegó por primera vez a San Petersburgo para ingresar en la Escuela de Cadetes Navales.

 Aunque el adolescente Nikolai fue un cadete de atenta e intachable conducta, no por ello abandonó la música. Durante dos años aprovechó los fines de semana para estudiar piano y composición en casa de un amigo de su hermano Voin. Además, en San Petersburgo pudo asistir a numerosas representaciones operísticas, mostrando siempre un enorme interés por las obras de Glinka. Por otra parte, en 1859 Nikolai asistió también a numerosos conciertos sinfónicos y descubrió a Beethoven y a Mendelssohn. Pero era Glinka quien realmente seguía fascinándole hasta el punto de que intentó orquestar algunas obras que tenía de dicho compositor para piano. Durante ese mismo año, Nikolai fue admitido como alumno en las clases de Théodore Canille, un extraordinario pianista que además era un apasionado admirador de Glinka. Canille realizó un soberbio trabajo con el joven Nikolai, dándole a conocer a casi todos los compositores centroeuropeos románticos e iniciándole en el mundo de las formas musicales. Fue en la propia casa de Canille donde Rimski conoció a Balakirev, un compositor dotado ya de cierto prestigio. Balakirev animó al muchacho a continuar con sus bocetos compositivos a pesar de que su formación musical cojeaba ostensiblemente. A estas reuniones pronto se sumaron un tal Mussorgski, cuyos fundamentos musicales eran muy similares a los de Rimski, y César Cui. Aquellos jóvenes coincidieron en algo: Glinka era su modelo de música y adoraban también a Schumann. Por contra, Liszt y Wagner les producían la mayor de las indiferencias.

 En 1862, Rimski salió de la Escuela Naval y fue destinado a la fragataAlmas, que se preparaba para un largo crucero. El barco estuvo cuatro meses fondeado en Inglaterra y Rimski no dejó de componer a bordo pese a que el buque no disponía de piano (en ocasiones tocaba el piano en algún café londinense). De Inglaterra el buque partió rumbo a los EEUU y Brasil, primeramente, para abordar la vuelta a Europa por España, Francia e Italia. Hemos de señalar que Rimski era por entonces un profesional del mar y que la música sólo constituía un simple entretenimiento para él. Ya de vuelta en San Petersburgo, Rimski se puso de nuevo en contacto con el grupo, al que se había sumado Alexander Borodin. Fue entonces cuando Rimski estrenó su Sinfonía en mi bemol menor en el marco de la Escuela Libre de Música que había fundado Balakirev. La gente se quedó alucinada al ver a un joven con uniforme de marino saliendo a recibir los calurosos aplausos. De esa misma época es su Obertura sobre temas rusos. Rimski trató de mejorar su técnica al piano — que en absoluto consiguió — aunque ya empezaba a despuntar como un extraordinario orquestador. En 1867 compone una Fantasía sobre temas serbios y el cuadro musical Sadko, inspirado en Berlioz, quien había visitado Rusia recientemente. Ambas obras, estrenadas por Balakirev ahora como flamante director de la Sociedad Musical Rusa, lograron unánimes elogios. Un año después, y en casa de Dargominski en donde se reunían los miembros del Grupo de los Cinco Rusos (Rimski, Balakirev, Cui, Borodin y Mussorgski) Rimski conoció a Nadieschda Purgold, una bellísima pianista con la que se casó cuatro años más tarde. Antes de acabar 1868, Rimski compuso Antar, un poema en cuatro movimientos también conocido como Segunda Sinfonía.

 En 1871, Rimski recibió la visita del nuevo director del Conservatorio de San Petersburgo, quien le propuso una interesante oferta: La cátedra de composición e instrumentación, y la clase de orquestación con un sueldo de 1.000 rublos. El compositor, pese a sus escasos conocimientos de armonía y de numerosa terminología básica, aceptó el insólito ofrecimiento. A pesar de que al principio pasó algunos apuros, poco a poco se fue consagrando como el mejor profesor de composición que nunca haya dado Rusia. También en 1871 Rimski pasó a ocuparse del cargo de Inspector de las Bandas Navales, propio de sus todavía obligaciones militares. El compositor se mostró tan comprometido con el trabajo que incluso llegó a estudiar algunos instrumentos de viento. Sin embargo, durante esta época Rimski se volvió más academicista y por ello recibió el reproche de algunos de sus compañeros, especialmente de Balakirev, con quien mantuvo una fuerte discusión que terminó por romper para siempre la amistad entre ambos.

 En 1880 Rimski estrenó la ópera Noche de mayo, con escaso éxito, pese a lo cual se enfrascó en otra titulada La doncella de nieve. Luego de orquestar Khovanchina de Mussorgski, Rimski acometió su Concierto para piano. En 1882 abandona la dirección de la Escuela Libre, cargo que también había asumido junto con la cátedra de composición en el conservatorio, y comenzó a colaborar con la Capilla Imperial. Un año después Rimski fue apartado de su trabajo de Inspector de Bandas Navales al suprimirse dicho cargo. Mientras, el Grupo de los Cinco Rusos se disolvió inexorablemente: Mussorgski había fallecido; Cui mostraba escaso interés y Balakirev no se hablaba con Rimski. Sólo Borodin, acompañado de Stasov, acudía a las tertulias que organizaban sus ex-alumnos. Por entonces, un aficionado adinerado, Mitrofan Belayev, comenzó a asistir a dichas reuniones y consiguió que algunas obras musicales fuesen editadas en Leipzig, además de fundar él mismo su propia editorial. En 1885 Belayev organizó los Conciertos Sinfónicos Rusos y puso a Rimski como director. Este fue el origen de sus grandes obras sinfónicas: Capricho español, La gran Pascua rusa y Sheherezade, compuestas entre 1887 y 1888. En 1887 murió Borodin y Rimski también orquestó algunas de sus obras, como El príncipe Igor (con la ayuda de Glazunov).

 En el verano de 1889, Rimski visitó París para participar en unos conciertos de música rusa patrocinados por Belayev. La relación con los músicos franceses de la época — Delibes, Massenet — no fue en absoluto cordial. Un año antes Rimski había conocido La Tetralogía de Wagner en San Petersburgo y se quedó del todo admirado por esa magna obra. En 1890 el compositor sufrió el duro golpe de la muerte de sus dos hijos y ello conllevó que prácticamente no escribiese nada hasta 1894, en donde terminó su ópera Nochebuena y arregló su cuadro Sadko para presentarlo también en forma de ópera. La producción operística siguió en 1897 con el estreno de Mozart y Salieri. En 1903 Belayev murió y encargó a Rimski, Glazunov y Liadov la administración de su fortuna, enteramente dedicada a la música. Dos años después, en 1905, Rimski fue expulsado del conservatorio al protestar contra el autoritarismo de su director. En 1906 Rimski terminó sus memorias y acometió su última ópera, El gallo de oro, censurada por sus críticas a los zares y a la aristocracia, y que sólo se representó a la muerte del compositor. Por esta misma época rechazó el nombramiento de doctorhonoris causa por la Universidad de Oxford. El 21 de junio de 1908, una repentina angina de pecho terminó con la vida de Rimski en su residencia veraniega de Liubensk. Dos días después su cuerpo fue enterrado en San Petersburgo.

 La música de Rimski-Korsakov, en gran parte basada en temas del folklore ruso, es célebre por su brillante y colorida orquestación. Rimski compensó siempre sus lagunas académicas con un extraordinario talento musical que le hacía absorber las nuevas técnicas con suma facilidad. Su dominio de la orquesta fue extraordinario y su teórico Tratado de orquestación se ha convertido en la obra de referencia de dicha materia. Con apenas 30 años, sin título académico previo, fue el profesor más versado de Rusia y un maestro al que deseaban tener todos los jóvenes compositores. Siempre evitó la aridez y el aburrimiento, haciendo gala de una enorme brillantez y de un contrastado dominio técnico. Entre sus alumnos más distinguidos se encontraron Stravinski y Prokofiev.

http://leitersblues.com/2011/01/nikolai-rimski-korsakov-el-marino-que-quiso-ser-musico/

Antes de amarte - Pablo Neruda

Antes de amarte, amor, nada era mío,
vacilé por las calles y las cosas,
nada contaba ni tenía nombre,
el mundo era del aire que esperaba.

Yo conocí salones cenicientos,
túneles habitados por la luna,
hangares crueles que se despedían,
preguntas que insistían en la arena.

Todo estaba vacío, muerto y mudo,
caído, abandonado y decaído,
todo era inalienablemente ajeno,

todo era de los otros y de nadie,
hasta que tu belleza y tu pobreza
llenaron el otoño de regalos.

                                                                    Antes de amarte - Pablo Neruda

Canciones con historia: STAYIN' ALIVE / BEE GEES

"Stayin' Alive" es una canción de la agrupación británica Bee Gees, que fue lanzada como single un 13 de Diciembre del año 1977 como parte de la banda sonora de la emblemática película "Saturday Night Fever".
La historia musical de la banda tiene un giro de 360 grados tras la publicación de la banda sonora de esta cinta protagonizada por John Travolta. Es que los hermanos Gibb fueron los principales responsables de los éxitos musicales que acompañaban a esta película que fue estrenada en Diciembre de 1977. Canciones como "Stayin' Alive", "How deep is your love", "Night Fever", "More than a woman" (cantado por Tavares) o "If I Can't have you"(intepretado por Yvonne Elliman) estan presente en una banda sonora que ha quedado en la historia de la música moderna como el disco con mas ventas. De hecho, se estima que las ventas del soundtrack de  SNF ya alcanzaron los 30 millones en todo el planeta y es considerado una obra maestra para la música disco.

La historia de esta famosa canción empieza a mediados del año 1977, cuando el productor de la banda sonora, Robert Stigwood (quien además tenía el cargo de ser el mánager de los Bee Gees) tuvo la genial idea de hacer una película cuya influencia principal fuera la música disco tras leer un reportaje en el New York Times sobre la escena musical en los clubes nocturnos de Brooklyn.
Tras investigar mas sobre la "discomanía", Robert decidió llamar a los hermanos Gibb, que se encontraban en Francia preparando su próximo disco, para entregarle una misión muy importante: Participar en el proyecto cinematográfico escribiendo una canción principal y otras que fueran parte de la banda sonora para algunas de las escenas mas importantes.
Cabe señalar que la banda se encontraba grabando, al igual que muchas otra bandas británicas, en Château d'Hérouville, en París (todo por culpa de los impuestos!!) y recibieron la noticias con especial tranquilidad, y confiando en su talento como compositores, se pusieron manos a la obra para empezar a sacar una canción que fuera parte principal de la banda sonora de ese proyecto cinematográfico.

Por esos días la banda tenía en claro que el estilo musical que debían utilizar era el falsete (aunque sin abusar para llegar al extremo del aburrimiento) y eso se debía a la buena recepción que tuvo la canción "Jive Talkin'" (publicada en 1975) en los medios y en la escena de la música Disco.
Tras varias maquetas, la banda llegó a seleccionar una pieza que tenía por nombre "Saturday Night", la cuál tenía toda la energía que necesitaba una buena canción Disco.
Tras varias conversaciones, la banda y su manager decidieron grabar esta canción como tema principal para la promoción de la cinta. Una ves que se pusieron de acuerdo con algunos detalles, e hicieron algunos cambios, como por ejemplo, bautizarla esta vez como"Stayin' Alive", los hermanos Gibb emprendieron
su rumbo musical.

Lamentablemente, a horas de empezar a grabar la canción uno de los músicos de sesión tuvo que abandonar el barco. Se trataba del baterísta Dennis Byron, quien en medio de las sesiones de grabación recibió la trágica noticia de que su padre se encontraba muy enfermo y tuvo que empacar para viajar de manera urgente a Inglaterra por razones obvias.
Encontrar un baterista de sesión en esa región francesa era bastante complicado. De hecho el productor Albhy Galuten intentó hacer uno que otro contacto con músicos de la zona pero con ninguno se llegó a un acuerdo o simplemente ya estaban trabajando en otros proyectos. La única solución era utilizar una bateria programada y esa tarea no sería nada de fácil, más cuando estaban luchando contra el tiempo y los plazos.
Pero aqui es donde se ve la calidad del productor, y Galuten en esta canción dejó en claro el por qué la banda confiaba en sus ideas y a veces en sus improvisaciones en el estudio.

Una de las canciones que dejó grabada Byron, antes de partir a los funerales de su madre, fue "Night Fever" y de esa pieza musical Galuten y Barry Gibb iban a hacer de las suyas.
Resulta que el productor seleccionó dos partes de la percusión incluida en esa canción y las re-grabaron en una pista externa de un cuarto de pulgada y de esa manera idearon un buen ritmo y que encajó justo con lo que ellos querían y con la "onda" que tenía esa rola.
"Barry (Gibb) y yo escuchamos cuidadosamente esa canción para encontrar la parte perfecta. Es que como todo el mundo sabe, en las partes de batería es mas importante el ritmo, y la base que la precisión misma. Una vez que las capturamos, la pista de batería fue regrabada en una cinta de un cuarto de pulgada. Luego vino el turno de Karl Richardson (el otro productor que trabaja e esas sesiones) quien se encargó de que la velocidad de la cinta con la percusión calzara con la maqueta pre-grabada. Eso lo hacía a través de un carrete plástico. Al principio era sólo una medida temporal, pero a medida que íbamos escuchando la grabación y depurando uno que otro detalle, nos dimos cuenta que no sonaba tan "maquinal", que tenía un ambiente humano.  Debido a eso, y a pesar de que Dennis volvió al estudio, no hubo forma de cambiar el bucle" comentaríaGaluten en una entrevista con la revista "Berklee Today" en el año 2002.

"Stayin' Alive" se convertiría en un himno de la musica disco, y además por ser la canción principal de una de las películas mas recordadas de todos los tiempos. Por esta razón, el éxito del single fue monumental, llegando a la cima de los charts en Estados Unidos (estuvo en la cima del Billboard a partir del 4 de Febrero de 1978 y aguantó 4 semanas en esa casilla), Canadá, Italia, España y Australia. Mientras que en el Reino Unido la rola alcanzó el puesto #4
A modo de broma, en los créditos de la banda sonora se colocó que la batería estuvo a cargo de "Bernard Lupe" (que era simplemente una parodia sobre el famoso baterístaBernard Purdie). la historia cuenta que tras el gran éxito de esta canción, muchos manager's empezaron a contactar por cielo, mar y tierra a este baterísta, hasta que se descubrió que simplemente no existía.

Pero esta canción no solo está ligada a la música disco y a la cinta SNF, ya que también tiene un antecedente ligado a la medicina, en especial sobre las compreciones toraxicas. Es que tras un estudio realizado en el año 2008 por el Dr. David Matlock de la  University of Illinois se llegó a la conclusión de que los participantes que fueron instruidos en hacer compresiones torácicas mientras escuchaban esta canción, se mantenían cerca del ritmo ideal de 100 compresiones por minuto. pero el estudio no se quedó sólo ahí,  ya que esos pacientes también fueron capaces de reproducir la misma frecuencia después de varias semanas. Según el doctor Matlock, cuando el paciente sigue el ritmo de esta música se consiguen alrededor de 103 compresiones por minuto, valor que se encuentra dentro del rango más que aceptable y recomendado por las últimas guías internacionales de reanimación cardiopulmonar.

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2013/04/stayin-alive-bee-gees.html