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miércoles, 8 de abril de 2015

Canciones con historia: Heart - Dos caras, dos Wilson para el rock

Hermanas de gran talento y con vidas bien diferentes. A Nancy le sonrió un poco mejor que a la dueña del gran vozarrón. Su hermana recibía permanente bullying de su entorno. Aunque el triunfo le pertenecía a todos y ella era una parte importante, no podía estar relajada y disfrutarlo.!

En la época de la banda Heart, Nancy era una reconocida guitarrista y Ann una de las voces más vibrantes femeninas del rock de los 80’. Por sus nombres tal vez no sean tan conocidas, pero si por sus canciones como ser; “High time”, “Crazy on you”, “What about love”, “Surrender to me”, “Who will you run to”, “Alone” y por ser las fundadoras de la banda “Heart”.

Para aquellos memoriosos de la época dorada de los 70’ y 80’ o aquellos que quieren conocen quienes eran los creadores e interpretes de aquellas canciones que hoy se recuerdan con tanta nostalgia, existen dos testimonios vivientes de aquellos días. Dos roqueras, hermanas, sobrevivientes y en un mundo donde el dominio era netamente masculino. Las Wilson, cada una le aportaría su propia impronta a la música que interpretaban. Ellas fundaron una gran banda de hard rock, “Heart”, con las que tuvieron gran destaque desde cuando lanzaron la canción “Barracuda”. El tema fue su primer ‘Simple’ y fue incluido en su segundo álbum ‘Little Queen’ editado en 1977.

Dos hermanas, dos caras, dos vidas “Tragedia Vs. Comedia: Alegría Vs. Tristeza”

Las Wilson nacieron en San Diego (California) y son hijas de un coronel de la marina de los Estados Unidos. Aunque son hermanas, sus rasgos físicos son bien distintos. Mientras la mayor tiene el cabello oscuro y su figura es rellenita, la menor es rubia, con una figura más estilizada. Como le ocurre a la mayoría de los artistas, la vocación por el arte se muestra desde pequeño y tanto Nancy como Ann comienzan a aprender guitarra y a cantar cada vez que pueden. Led Zeppelin y la voz de Robert Plant marcaría a fuego a Ann, que también destacaría su devoción por la cantante y pintora canadiense Joni Mitchell.

En los 70’ Ann forma una banda que llamaría The Army, donde conocería a los hermanos Robert y Michael Fisher. Breve tiempo después, aparece el nombre Heart y al irse uno de sus miembros, es incluida en la banda su hermana, la rubia guitarrista Nancy.

En aquellos 70’ Ann se relacionó sentimentalmente con Michael Fisher, el director de la banda, mientras que su hermana se involucraría con el guitarrista Roger Fisher, el hermano menor de Michael. Ambas parejas gerenciaban la banda. Sin embargo en 1979, ambas relaciones terminaron; Ann dijo que Michael se había enamorado de otra mujer y se despidieron. La canción ” Magic Man “fue escrito por Michael Fisher y contiene letras autobiográficas sobre el comienzo de su nueva relación. Y ella…Ann la cantaba. ¡I n c r e i b l e!

Pero las cosas se siguieron torciendo para Ann. Sucede que ésta gran artista, dotada de una increíble voz, desde pequeña era motivo de burla por su tendencia al sobrepeso. Ella ha confesado más de una vez, que lo que más añoraba era poder comer tranquila. “yo me muero de hambre para poder verme un poco en linea” decía la morocha intérprete de “Alone”. Al comienzo de los 80’ ya el sobrepeso era incontrolable para Ann y los demás integrantes de la banda se lo señalaban constantemente para que bajara de peso. Y por otro lado los productores de la disquera también la acosaron diciéndole que su obesidad perjudicaba la imagen de la banda.

Cuentan que para armar los videos clips, perfilan los ángulos y las ropas de la cantante ante la cámara y utilizan trucos para reducir al mínimo el tamaño del talle de Ann. Y a su vez el lente se posaba más tiempo en la figura de su hermana Nancy, como que su hermana era la que representaba la imagen que tenía que dar la banda.

Ann dijo que ella comenzó a sufrir de ataques de pánico relacionados con el estrés debido al acoso de su entrono por su obesidad.

Cansada de tanto tormento, se sometió a una cirugía de pérdida de peso llamado ” banda gástrica ajustable “en enero del 2002 después de lo que ella llama “una batalla de toda la vida” con su peso.

Un hecho increíble que sucede años después irritaría aún más a la gran cantante y aunque cualquiera desataría todo tipo de odios con su entorno, es admirable el temple con el cual Ann tomaría la información. Ella se enteraría de una compulsa efectuada en EEUU al principio de los 90’ donde se le preguntaban a los fans del rock sobre algunas bandas en particular y sobre sus estrellas preferidas, donde surge la figura de de Ann Wilson. La respuesta de la gente iba por el lado que era una de las mejores cantantes y la gente se identificaba mucho con ella, pues era ‘rellenita’…”es como la mayoría de nosotras”…respondían la mayoría de los encuestados. ¿Qué tal? Como para no calentarse la mayor de las Wilson. ¡Hasta su hermana le hacía ‘bullying!

Y refiriéndonos a su hermana Nancy. Para ella si fue todo distinto. Luego de cortar el romance con el otro hermano Fisher integrante de la banda, la guitarrista rubia conoce a un escritor de aquellos días a un principiante escritor de la revista Rolling Stone. Más adelante ese principiante se convertiría en director de cine, por cierto muy conocido, nos referimos a Cameron Crowe. La pareja se casa y tiene dos hijos. Nancy por su parte, participa y le pone la música a la mayoría de las películas que realiza su marido entre ellas Jerry Maguire, Almost Famous, Vanilla Sky y Elizabethtown. Tambié ha hecho apariciones en películas como The Wild Life de 1984 y Fast Times at Ridgemont High en 1982.

Si la vida tuviera un rostro, parecería que el de Nancy podría estar mas sonriente que el de Ann.

De todas formas, hoy Nancy con 60 años, aún acompaña a su hermana Ann de 63 por los escenarios de Estados Unidos. Ambas son tremendas artistas y el publico nunca se cansa de verlas juntas tocando sus repertorios. Es intrigante ver cómo acompañan el paso del tiempo e incluso como versionan sus propias canciones.

http://www.elreporte.com.uy/heart-dos-caras-dos-wilson-para-el-rock/


miércoles, 1 de abril de 2015

Canciones con historia: Soon - Yes
Yes (Londres, 1968), banda pionera en la vanguardia electrónica y psicodélica, compuso este Relayer en el año 1974, un año después de que el teclista, Patrick Moraz, sustituyera a Ryck Wakeman.
"The Gates Of Delirium" es una canción sofisticada que tiene una duración de 20 minutos, inspirada en la famosa obra de León Tolstói Guerra y Paz.
La pieza es un gran tema que expone en tres partes los elementos del conflicto bélico. La sección final fue lanzada en los Estados Unidos como un sencillo titulado Soon.
Era un antro, en el cual se solían reunir los amantes de la música progresiva y experimental. El hecho diferencial, comparado con otros locales, era el de programar diferentes sesiones monotemáticas de las mejores bandas de música del momento. Si querías escuchar lo último, aquel era el sitio ideal; aunque he de decir que sus sesiones retrospectivas eran de lo más flipante. Apenas bajar los cuatro escalones que daban acceso al local, ya te empezabas a impregnar de aquel ambiente nebuloso, producido por el humo de los "cigarrillos" y la baja intensidad de las luces. Era un local ideal para realizar aquellos viajes que tantas veces habías soñado. Yo los hacía normalmente acompañado de los amigos, aunque de vez en cuando dejábamos que Yes nos acompañara con este "Soon" !Maravilloso!


Canciones con historia: EVERYTHING I OWN (Bread).

 Este cuarteto norteamericano fue uno de los grupos pop más populares en la primera mitad de los años 70, considerados los padres del soft pop y realmente, ¿qué cuarentón o cincuentón no disfrutó la música de Bread en una fiesta en la primera mitad de la década del 70 o no bailó ese recordado y muchas veces amado lado A del LP “THE BEST OF BREAD”? (http://royaltrilogy.blogspot.com/2010/12/bread-musica-celestial.html). Y una de esas canciones que formaban parte de ese mítico lado A de la mencionada recopilación fue “Everything I Own”. La canción destilaba un sentimiento enorme y a flor de piel, que apenas uno la escuchaba en una fiesta, volaba a sacar a alguien a bailar para aprovechar unos tres minutos de apachurre.

"Everything I Own" fue escrita y producida por David Gates y fue incluida en el album “BABY I’M-A WANT YOU” de 1972. Fue lanzada como single el 29 de enero de 1972 y llegó al Nº 5 en USA, según Billboard, y al Nº 32 en UK.

Aunque la canción es frecuentemente interpretada como una canción romántica de amor, la verdad es que David Gates realmente escribió la canción como un tributo a su padre, quien había fallecido. De una u otra forma, sea cual fuere el sentido de su letra, ésta muy bella canción sigue cautivando cada vez que se escucha, y hoy, 40 años después, la volvemos a evocar.

http://royaltrilogy.blogspot.com.ar/2012/05/mis-canciones-favoritas-hace-40-anos.html#.VRBUmSKG_cg


Canciones con historia: “Mediterráneo” -  Juan Manuel Serrat​

Se trata del referente de la canción moderna en lengua castellana y catalana, oriundo de Barcelona y con una historia personal tan vasta y rica como sus propias canciones, Joan Manuel Serrat recibió el miércoles pasado el reconocimiento a la Persona del Año de la Academia Latina de la Grabación, una de las distinciones más importantes para los artistas de habla hispana. Fue una noche de recuerdos y revelaciones, en el que grandes artistas como Joaquín Sabina, Jorge Drexler o Andrés Calamaro, homenajearon al cantautor de 70 años.

Con buen humor, el artista agradeció a las estrellas y al público asistente: “Me siento muy feliz, muy honrado esta noche. Es muy emocionante para mí. Por primera vez asisto a un concierto mío en el que no canto”. El trofeo que recibió, le fue entregado por Laura Tesoriero y Neil Portnow, presidente de la Academia Nacional de las Artes y Ciencias de la Grabación. El público le pidió a Serrat la interpretación de Mediterráneo, una de las canciones mas emblemáticas del catalán.

Algunas leyendas urbanas afirman que Serrat compuso «Mediterráneo» a finales de 1970, en el encierro que protagonizó en el Monasterio de Montserrat junto a un grupo de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte. El Proceso de Burgos, fue un juicio iniciado el 3 de diciembre de 1970 en la ciudad española de Burgos contra dieciséis miembros de la organización armada nacionalista vasca Euskadi Ta Askatasuna (ETA) acusados de los asesinatos de tres personas durante la dictadura del general Franco. Las movilizaciones populares y la presión internacional lograron que las condenas a muerte impuestas a seis de los encausados no llegaran a ser ejecutadas, siendo conmutadas por penas de reclusión.

Se dice también que en sus primeros borradores la llamó «Amo el mar» e «Hijo del Mediterráneo». Otra versión señala que la canción fue compuesta, al igual que el resto del disco, entre agosto y noviembre de 1970 a caballo entre Calella de Palafrugell (Costa Brava), Fuenterrabía (País Vasco) y Cala d’Or en Mallorca. Un tema de la magnitud de Mediterráneo da para alimentar las más variadas teorías.

La verdadera historia se conoció de la voz del propio Serrat en una entrevista hecha por El País con motivo de sus 50 años de carrera en 2014, durante su estancia en el interior de México, alejado del mar: “Estaba en México, llevaba semanas en el interior. Soñaba, literalmente con él. Agarré el coche y me fui a un lago, aunque sólo fuera por hacerme a la idea del mar que yo añoraba. Es en esos casos cuando me doy cuenta de que para mí, el mar, y concretamente el Mediterráneo es una identidad: una identidad feliz”, asegura.

En 2004, Mediterráneo, fue elegida por votación popular como la
mejor canción de la historia de la música popular en España, en un programa de Televisión Española, de título Nuestra mejor canción. Fue también elegida la mejor canción del pop español por la revista Rolling Stone en 2010, entre otras muchas listas de música popular, la catalogan como la mejor canción escrita en español.

http://xjmserrat.com/la-historia-detras-de-la-cancion-mediterraneo-de-joan-manuel-serrat/


sábado, 28 de marzo de 2015

ROMANCE SONÁMBULO - Federico García Lorca

Verde que te quiero verde.
Verde viento. Verdes ramas.
El barco sobre la mar
y el caballo en la montaña.
Con la sombra en la cintura
ella sueña en su baranda,
verde carne, pelo verde,
con ojos de fría plata.
Verde que te quiero verde.
Bajo la luna gitana,
las cosas le están mirando
y ella no puede mirarlas.

              *

Verde que te quiero verde.
Grandes estrellas de escarcha,
vienen con el pez de sombra
que abre el camino del alba.
La higuera frota su viento
con la lija de sus ramas,
y el monte, gato garduño,
eriza sus pitas agrias.
¿Pero quién vendrá? ¿Y por dónde...?
Ella sigue en su baranda,
verde carne, pelo verde,
soñando en la mar amarga.

              *

Compadre, quiero cambiar
mi caballo por su casa,
mi montura por su espejo,
mi cuchillo por su manta.
Compadre, vengo sangrando,
desde los montes de Cabra.
Si yo pudiera, mocito,
ese trato se cerraba.
Pero yo ya no soy yo,
ni mi casa es ya mi casa.
Compadre, quiero morir
decentemente en mi cama.
De acero, si puede ser,
con las sábanas de holanda.
¿No ves la herida que tengo
desde el pecho a la garganta?
Trescientas rosas morenas
lleva tu pechera blanca.
Tu sangre rezuma y huele
alrededor de tu faja.
Pero yo ya no soy yo,
ni mi casa es ya mi casa.
Dejadme subir al menos
hasta las altas barandas,
dejadme subir, dejadme,
hasta las verdes barandas.
Barandales de la luna
por donde retumba el agua.

              *

Ya suben los dos compadres
hacia las altas barandas.
Dejando un rastro de sangre.
Dejando un rastro de lágrimas.
Temblaban en los tejados
farolillos de hojalata.
Mil panderos de cristal,
herían la madrugada.

              *

Verde que te quiero verde,
verde viento, verdes ramas.
Los dos compadres subieron.
El largo viento, dejaba
en la boca un raro gusto
de hiel, de menta y de albahaca.
¡Compadre! ¿Dónde está, dime?
¿Dónde está mi niña amarga?
¡Cuántas veces te esperó!
¡Cuántas veces te esperara,
cara fresca, negro pelo,
en esta verde baranda!

              *

Sobre el rostro del aljibe
se mecía la gitana.
Verde carne, pelo verde,
con ojos de fría plata.
Un carámbano de luna
la sostiene sobre el agua.
La noche su puso íntima
como una pequeña plaza.
Guardias civiles borrachos,
en la puerta golpeaban.
Verde que te quiero verde.
Verde viento. Verdes ramas.
El barco sobre la mar.
Y el caballo en la montaña.


Canciones con historia: DANIEL / ELTON JOHN

"Daniel" es una canción del músico británico Elton John, que fue lanzada como single un 26 de Marzo del año 1973, con el fin de promocionar  el Lp "Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", sexta placa comercial de este famoso artista.

Para el mundo del Pop/Rock, la figura de Elton John es un pilar fundamental a la hora de hacer balances históricos. Dueño de un talento especial para crear grandes melodías, un showman en el escenario y un actor camaleónico hacen de la carrera musical de Elton John una vitrina llena de premios, logros, discos de Oro y un catálogo musical reconocido en todo el planeta.

Una de la canciones mas reconocidas de este sexto trabajo de Sir Elton es la balada "Daniel", dueña de una historia muy particular que pasaremos a contar.

Al igual que muchos de sus hits, el encargado de las letras fue el poeta, compositor y partner de Elton, el señor "Bernie" Taupin. Este se dió el tiempo de cederle un poema a Elton John llamado "Daniel", que fue escrito en Junio de 1972, y que hablaba sobre un veterano de la Guerra de Vietnam que intentaba buscar la paz y el descanso en su entorno cotidiano tras observar y vivir de manera cercana toda la crueldad de una guerra. Sobre la temática general de la canción, Taupin declaró años después:  "La historia es sobre un chico que decide escapar a un pequeño pueblo en Texas, tras regresar de la guerra de Vietnam. Su entorno familiar alababa a este joven, y lo trataban como un héroe. Pero él solo quería descansar, estar en su campo, e intentar recobrar la vida normal que tenía antes. La escribí como un homenaje a todos esos veteranos que llegaron a su casa y simplemente se dedicaron a olvidar y a empezar nuevamente a vivir".

 La historia finaliza cuando Daniel, que era un personaje ficticio, ya no aguanta más tanta presión y homenajes y decide dejar todo tirado en su granja y pescar sus maletas rumbo a España, donde tenía como objetivo fundamental comenzar de cero otra vez.

Hasta ahí todo iba bien, pero el problema vino a la hora en que Elton quiso musicalizar ese poema. Para el músico, el poema que le habia enviado Taupin era muy extenso y eso para el ojo comercial comercial del sello era muy peligroso. Debido a eso, Elton John decidió omitir el ultimo verso, lo cuál cambió por completo el significado de la canción. En ese discriminado verso se hablaba sobre la llegada de "Daniel" a su granja, y además se daba la razón por la cuál decidió irse a España en busca de una nueva vida.

Al día siguiente en que Taupin le pasó la letra a Elton, este compuso la música , hizo los arreglos correspondientes y a la noche ya la tenía grabada pero sin el verso final que fue desechado de manera tajante por el músico. Recordemos que en esas sesiones de grabación de Junio de 1972, Elton y Taupin se habían puesto como meta escribir el máximo de canciones en tan solo dos semanas. El resultado final fueron 12 piezas escritas y grabadas en tan sólo 12 días, lo cuál es impactante ya que ni se nota que fueron hechas a la rápida y queda a flote el nivel de moticación e inspiración que ambos compositores tenían a la hora de trabajar ese disco.

Pese a que la canción no contaba con mucho apoyo por parte de la discográfica, ya que la encontraban algo poco comercial por su duración y podía caer simplemente como una balada mas dentro de las tantas que andaban por las radios, Elton John y sus amigos decidieron lanzarla como single promocional.

Finalmente esa idea fue muy exitosa, ya que a un mes de su publicación, y con una promoción muy lenta, "Daniel" lograba llegar al segundo puesto del Billboard Hot 100 y a la cuarta posición del UK Singles Charts.

Tras el éxito vino una serie de especulaciones por parte de la fanaticada y la prensa sobre la temática de la canción. Es que la idea de sacar el ultimo verso a la balada, por parte del músico, dejó muy oscura la temática y dió paso a muchas interpretaciones.

Un grupo empezó a mencionar que la canción hablaba sobre un hermano de Taupin, y que era de carácter autobiográfica. Mientras tanto aparecían otros personajes, mas extremos en cuanto a imaginación,que se atrevían a decir que la canción era dedicada a uno de los amantes de Elton John. Ante este festival de mentiras e inventos por parte de la prensa, Taupin señalaría años después: "'Daniel' debe ser la canción más mal interpretada, por parte de la prensa, que jamás se haya escrito"

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2012/04/daniel-elton-john.html


Desgana (Mario Benedetti)

No tengo ganas de escribir
pero la letra avanza sola
forma palabras y relevos
que reconozco como mios.

en la ventana llueve
tantas veces la calle
brillo sin fundamento

No tengo ganas de escribir
por eso queda el tiempo en blanco
y no es un blanco de inocencia
ni de palomas ni de gracia

en la ventana llueve
tantas veces la calle
se anego de presagios

No tengo ganas de escribir
pero la lluvia llueve sola.


Shatter Me Featuring Lzzy Hale - Lindsey Stirling

Vídeo Musical:
La mayoría de los vídeos de esta gran artista son alegorías visuales para su música y este caso no es la excepción. Lindsey aparece como una violinista en miniatura, encerrada en un globo de cristal. Despierta y comienza a tocar una y otra vez en su pequeña caja musical. Sueña ser algo más- algo grande, más allá de su pequeño mundo de cristal. Pero afuera todo parece oscuro. Murciélagos -o lo que ella cree que son murciélagos- planean entre las sombras. Y cuando finalmente decide romper el cristal, descubre que ella misma se va a romper también. Sin cristal, no hay seguridades... quizá se está condenando a una larga caída en la oscuridad, en el olvido. Mientras tanto, la chica que la ha "despertado" -Lzzy Hale- decide parar el mecanismo. ¿Está Lindsey luchando contra reloj para escapar antes de perecer? ¿O en realidad Lzzy la está ayudando a escapar? Cada uno puede interpretarlo como quiera. Lo que importa es que Lindsey por fin rompe el cristal, y escapa de su mundo resquebrajado para despertar de nuevo en un mundo de una pieza: en una bella colina, bañada por la luz del sol.

Significado de Shatter Me:
Lindsey Stirling penetra profundamente en el problema de la felicidad. Pocos hay que sepan sentirse satisfechos con su propia vida. Todos queremos más. Nuestra bola de cristal es demasiado pequeña para encerrar nuestros sueños. Pero cambiar nuestra vida -romper esa bola de cristal- significa cambiarnos a nosotros mismos, y cambiar lo que somos. Y tenemos miedo a lo desconocido. Tienes que creer que lo que vas a descubrir es mejor que lo que ya tienes: una vida más plena, con más sentido. El cambio sólo puede pasar cuando esas esperanzas son más fuertes que tus miedos.

Pregúntate: ¿Merece la pena el cambio? ¿Merece la pena el riesgo? ¿Estás dispuesto/a a apostarlo todo por ese cambio?

LETRA:

Hago una pirueta en la oscuridad
Veo las estrellas a través de mí
Un corazón mecánico cansado
que late hasta que se desvanece la canción

Que alguien encienda una luz
Estoy congelada por el miedo en mí
Que alguien me haga sentirme viva
Y me rompa en pedazos
Así que córtame del hilo
Mareada, girando sin parar,
Que alguien me haga sentirme viva
Y me rompa en pedazos

¡Rómpeme!
¡Que alguien me haga sentirme viva!
¡Y que me rompa!

Si los mecanismos de relojería pudieran hablar
No estaría tan sola
Quemamos cada imán y cada muelle
Y giramos descendiendo hacia la osucuridad

Que alguien encienda una luz
Estoy congelada por el miedo en mí
Que alguien me haga sentirme viva
Y me rompa en pedazos
Así que córtame del hilo
Mareada, girando sin parar,
Que alguien me haga sentirme viva
Y me rompa en pedazos

Si yo rompo el cristal, tendré que volar.
No hay nadie que me coja si me lanzo.
Tengo miedo al cambio, y los días permanecen igual.
El mundo gira, pero sólo en lluvia
Si yo rompo el cristal, tendré que volar.
No hay nadie que me coja si me lanzo.
Tengo miedo al cambio, y los días permanecen igual.
El mundo gira, pero sólo en lluvia
(Sólo)

Que alguien encienda una luz
Estoy congelada por el miedo en mí
Que alguien me haga sentirme viva
Y me rompa en pedazos
Así que córtame del hilo
Mareada, girando sin parar,
Que alguien me haga sentirme viva
Y me rompa en pedazos

¡A mí!
¡Que alguien me rompa!
¡Que alguien me haga sentirme viva!
¡Y que me rompa!

http://es.musicinsideu.com/2014/05/shatter-me-lindsey-stirling-ft-lzzy.html


Canciones con historia: Chiquitita – Abba
Chiquitita es una cancion interpretada por el famoso grupo sueco ABBA. Tiene el record de ser el sencillo (single) más vendido en la historia de América Latina y en 1979 fue donada a la UNICEF donde llego a vender mas de n millond e dolares en el disco "Musica para la Unicef".
La historia dice que fue escrita por la dupla Benny y Björn, y la fecha de grabacion fue el 14 de diciembre de 1978. Primero fue llamada "Kålsupare", luego "Three Wise Guys", mas tarde "In The Arms Of Rosalita" y "Chiquitita Angelina".
La canción habla simplemente de alguien que trata de consolar a una joven que por alguna razón esta muy triste. Esta pieza musical tuvo gran aceptación por el público hispano, por lo que prácticamente ha alcanzado el estatus de canción popular. Dicho éxito les llevó a grabar versiones en español de algunas de sus canciones y consecuentemente un disco. Este tema viene incluido en el álbum Voulez-Vous como el tema número.
A los pocos dias de su lanzamiento, la cancion llegó a ser número 1 en Suiza, Bélgica, Finlandia, España, Irlanda, Holanda, Sudáfrica, Nueva Zelanda, México y Zimbabwe. Alcanzó el Top 10 en muchos otros países, conviertiéndose en uno de los éxitos más grandes de ABBA.
Al ver el éxito de "Chiquitita" en países de habla hispana, ABBA decidió grabar una versión en español. Más tarde la canción fue traducida por Buddy y Mary McCluskey, fue grabada el 8 de marzo de 1979 y se lanzó en muchos países de Latinoamérica, así como en Francia, Australia y Sudáfrica.
Rapidamente la version en español de la canción alcanzó el número 1 en México, Argentina y Costa Rica; mientras alcanzó el No. 5 en España, donde el álbum logró disco de oro. Este éxito fue lo que les alentó a grabar un disco totalmente en españoltitulado: Gracias por la Música.
La canción se convirtió en la favorita de muchas personas de todas las edades y en un potente exito que confirmo mas la fama de este gran grupo sueco.



miércoles, 25 de marzo de 2015

Canciones con historia:”Born on the Bayou" Creedence Clearwater Revival
"Born on the Bayou" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival que fue lanzada como single un 5 de Enero del año 1969 como Lado B de la clásica "Proud Mary". Además esta pieza musical está incluída en su segunda placa comercial titulada "Bayou Country", un disco marcado por la música sureña y lleno de hits que marcaron ese mítico año 1969.
El líder y cerebro de los Creedence, John Fogerty, contó en una entrevista con la Rolling Stone, que esta canción tuvo sus inicios tras un concierto que dieron en el Avalon Ballroom ubicado en San Francisco.
En esa ocasión, los Creedence entraban en séptimo lugar al escenario tras otras bandas que tambien participaban del show. Antes de entrar en escena, John empezó a tocar con un grupo de jóvenes que ordenaban los instrumentos. Asi fue como, John empezó a improvisar una melodía en su guitarra, mientras los dos "roadies" lo seguían al bajo y a la batería. Ese día tocaron una pieza improvisada que luego se llamaría "Born on the Bayou".
Si bien John Fogerty nunca vivió cerca de un pantano, en esta ocasión, y con motivo de escribir la letra de esta canción, se imaginó como hubiese sido su infancia en esos sectores, y en especial en la fechas cercanas al 4 de Julio, dia de la independencia de los Estados Unidos. "Estaba tratando de escribir como lo hacían los buenos compositores, o sea sin guitarra en mano, simplemente mirando la pared de mi departamento. En esas paredes me imaginé la historia, y escribí algo ligado al "Hoodo", o sea sobre algo mágico, místico, altamente espiritual, y que esta representado en un fantasma o una sombra, que no es necesariamente malo, pero sin duda es de otro mundo. En el fondo, quería escribir algo al estilo Muddy Waters. " señalaría J.C. Fogerty en una entrevista con la Billboard.
"Born on the Bayou" es una canción que mezcla el buen rock (o "Swamp Rock") con realismo mágico. Con una introducción única, basada en una guitarra que lentamente aparece al vuelo y con una letra que retrataba varios aspectos culturales de estados Unidos, esta canción es un cuadro oscuro pero también fascinante y no exento de detalles que la dejan muy bien criticada.
Musicalmente, esta pieza es una joya, en donde cada acorde de guitarra es una joya, mientras un concentrado Doug Clifford lleva en su batería un ritmo sencillo que calza perfectamente en medio de los potentes riffs de los hermanos Fogerty.
"Born on the Bayou" fue el comienzo de un disco maravilloso, y además fue el primer paso musical en un año que marcó el éxito mundial de Creedence Clearwater Revival, una banda que dejó mucha fanaticada y que quedó en la historia del rock.
Les dejamos esta canción, que además es la favorita del maestro John Fogerty...


Canciones con historia: A Winter's Tale - Queen

El tema que presento hoy es mas que una canción, es un estado de animo, es una despedida, es pesar, es regalo. A Winter's Tale es uno mas de los numerosos éxitos de la banda londinense Queen. El sencillo forma parte del álbum Made in Heaven, lanzado en 1995, tras la muerte de Freddie Mercury en 1991.

A Winter's Tale fue escrito después de las sesiones de grabación de Innuendo y nacía mientras un debilitado Freddie Mercury miraba por la ventana del estudio de grabación del grupo, en Lake Ginebra. El toque psicodélico del tema lo dice todo sobre su estado de ánimo. A Winter's Tale se grabó de una sentada, en una única sesión, como si fuera un directo, puesto que el tiempo se la acababa, y con razón, a dos semanas de la grabación la voz de Freddie se apagaba.

A Winter's Tale no es un gran éxito, no fue n.º 1 en ninguna de las listas, posiblemente porque es uno de sus temas mas personales e íntimos. Solo en Gran Bretaña alcanzó el top 10 y consiguió escalar hasta el n.º 6.

Información recopilada de La Wikipedia en inglés.
Letra traducida por Sheol 13.

Cuento de invierno

Y llega el invierno
Cielos escarlata brillan
Gaviotas lo atraviesan
Los cisnes flotan
Chimeneas humeantes
¿Estoy soñando?
¿Estoy soñando?
Las noches se dibujan
Hay una luna sedosa en el firmamento
Los niños están fantaseando
Los adultos se reúnen
¡Qué grata sensación!
¿Estoy soñando?...
¿Estoy soñando?
Soñando...
Tan quedo y pacífico
Soñando...
Tranquilo y feliz
Soñando...
Hay una especie de magia en el aire
Soñando...
¡Qué vista tan magnífica!
Soñando...
Una escena impresionante:
Los sueños del mundo
En la palma de tu mano.

Soñando...
Una acogedora charla informal
Soñando...
Un poco de esto, un poco de aquello
Soñando...
El sonido de unas risas se asoman
Soñando...
La suave lluvia golpea mi cara
Soñando...
¡Qué lugar tan extraordinario!
Y los sueños de los niños
Son la esperanza de los adultos
Es todo tan hermoso
Como un paisaje pintado en el cielo
Las montañas parecen alcanzables
Niñas lloran y gritan
Mi mundo está dando vueltas y vueltas y vueltas
Es increíble
Me hace tambalear.
¿Estoy soñando?
¿Estoy soñando?
Es dicha.

http://cancioneshistoria.blogspot.com.ar/2012/12/a-winters-tale-queen.html


Canciones con historia: Europe - Rock the Night

Inicialmente la banda se llamó “Force”, Con esta formación el grupo hizo una serie de maquetas que mandaron a distintas compañías discográficas sin ningún resultado positivo. Estos suecos tardaron 10 años en publicar su primer disco.

 Los productores de su país se negaban a publicar temas en inglés, ya que según ellos, tenían poco calado comercial.En 1982 participan en un concurso y al competir con 4000 bandas, logran el 1º premio.

Un contrato para grabar un disco. Es así como Force pasa a llamarse Europe . Al poco tiempo ingresan a los estudios de grabación para darle  forma a su álbum debut, titulado precisamente “Europe”. De este disco se extrae el sencillo "Seven Doors Hotel", el cual logró situarse dentro del Top 10 de Japón.

En 1985 Europe, graba la banda sonora de la película “ footlose” con Kevin Bacon Una de las canciones que se incluyen en este material fue el éxito "Rock the Night" que les hizo despegar..más tarde llegaría "the final countdown"..pero esa es otra historia..

http://shumanes.blogspot.com.ar/2012/08/europe-rock-night.html


El canto del Lobo - Enya

Un triste canto a la luna,
que nace de mis adentros...
se va perdiendo en la noche,
se aleja en las alas del viento...

La noche se va haciendo eterna...
no hay estrellas que admirar,
y en un lamento lejano...
se oirá mi alma llorar...

Tan sólo una triste luna,
es mi fiel compañera...
donde mi alma se aloja,
donde mis sueños me esperan...

El frío va acariciando,
la soledad de mi piel...
que lenta se va marchitando,
sin tu calor de mujer...

Y si esta noche es oscura,
y oyes un mustio lamento...
será el aullido de mi alma...
llorando mis sentimientos...


sábado, 7 de marzo de 2015

Canciones con historia: Give Me Love (Give Me Peace on Earth) George Harrison

Luego de la disolución de The Beatles George Harrison demostró al mundo su talento infravalorado con su triple álbum All Thin Must Pass 1970 y con The Concert for Bangladesh en 1971. Luego de esto George decidió tomar un pequeño descanso y en 1973 vuelve al ruedo con su segundo álbum de estudio titulado Living In The Material World llevando al extremo lo expresado en su primer trabajo creando un estudio autobiográfico sobre lo más importante en ese momento su devoción por la religión hindú. La idea fue realizar un álbum de sonido básico y sin muchos adornos, para esto se desmarcaría de Phil Spector.

Con una buena acogida Living In The material World fue llevado al # 1 de las listas norteamericanas, en Canada repetiría la primera posición al igual que en Australía. En UK la casa de George se mantuvo en la segunda posición frenado por el soundtrack de la película That'll Be The Day donde participaba Ringo Starr, mientras que en Japón alcanzaría el # 9.

Living In The Material World:

Grabado en Apple Studios, # 3 Saville Row, Londres, Inglaterra desde octubre del 72 a enero del 73 a excepción de Try Some Buy Some grabada en 1971.

Todos los temas producidos y compuestos por George Harrison.

Personal : George Harrison: voz y guitarra, Ringo Starr: batería, Klaus Voorman: bajo, Nicky Hopkins: tecaldos, Gary Wright: teclados, Jim Keltner: batería, Jim Gordon: bacteria (en Try Some, Buy Some), Jim Horn: saxofón y flauta, Zakir Hussein: Tabla y John Barham: Strings.

Contenido:
El álbum abre con la brillante Give Me Love (Give Me Peace on Earth), un grandioso tema que es guiado por lo que se convertiría en la marca registrada de George durante el resto de su carrera, el slide guitar. La letra es una plegaria mistica de paz y amor dirigida al “Señor”. Cada coro esta precedido por el mundialmente conocido mantra OM, otra pista que nos indica de que trata el contenido global del disco. Muchos han categorizado a Give Me Love (Give Me Peace on Earth) como una secuela de My Sweet Lord.

Give Me Love (Give Me Peace on Earth) fue utilizado como single de presentación, este fue lanzado al mercado en el mes de mayo de 1973 llegando a ocupar el # 1 de las listas americanas quedándose allí durante cinco semanas, había sido precedido en las listas por el tema My Love de Paul McCartney and Wings del álbum Red Rose Speedway y fue desbancado de esa posición por el tema de Billy Preston Will It Go Round in Circles. En Inglaterra el single se ubicaría en el # 8 permaneciendo en cartelera por espacio de 10 semanas.

El lado B del single incluyó el tema Miss. O’ Dell que fue escrito en 1971 y esta basado en un empleado de Apple de nombre Chris O’ Dell. George había grabado varias tomas de esta seleccionando el corte más gracioso para ser utilizada en este single, de hecho se puede escuchar un ambiente festivo en el que no faltan las risas. Esta canción no aparecería oficialmente en ningún otro producto por mucho tiempo hasta la reedición de Living in The Material World en 2006.

http://revolution.beatlesperu.com/viewtopic.php?t=9484




Hard Rock Cafe

Hard Rock Cafe es una cadena de restaurantes temáticos, fundada en 1971 por los estadounidenses Isaac Tigrett y Peter Morton en Londres. En 1979, el café comenzó a cubrir sus paredes con recuerdos del rock and roll, una tradición que se expandió a otros en la cadena. En 2007, Hard Rock fue vendida a la Tribu Seminole de la Florida, y tiene su sede en Orlando, Florida. En la actualidad, hay 175 lugares de Hard Rock en 53 países con el más grande de Orlando.

Historia
Restaurantes
El primer Hard Rock Cafe se abrió 14 de junio 1971, en Londres, Inglaterra, bajo la propiedad de los jóvenes estadounidenses Peter Morton e Isaac Tigrett. Hard Rock inicialmente tenía una decoración ecléctica pero más tarde comenzó a mostrar objetos de interés. Hard Rock ha amasado una de las mayores colecciones de memorabilia del rock and roll en el mundo. La cadena comenzó a expandirse en todo el mundo en 1982 con oficinas en Toronto, Los Ángeles, San Francisco, Chicago, París y Berlín. Las localidades Hard Rock Cafe  en los Estados Unidos varían desde pequeñas, más turísticas y mercados impulsados a grandes metrópolis. Hard Rock Cafe no franquicia actualmente ubicaciones de café en los Estados Unidos. Todos los Cafes estadounidenses son propiedades corporativas y  en operación. Sin embargo, en la transición de Las Vegas Hard Rock Hotel, el mismo  fue vendido a Rank por el fundador Peter Morton, Peter retuvo los derechos del nombre del hotel al oeste del Mississippi. Cuando Peter Morton vendió su Las Vegas Hard Rock Hotel al Grupo Morgans, éste también vendió los derechos del nombre, lo cual a su vez dio lugar a dos franquicias US Hoteles en Albuquerque y Tulsa.
En 1990, The Rank Group, una empresa de ocio con sede en Londres, adquirió Mecca Leisure Group y continuó la expansión del concepto en su territorio geográfico. Rango pasó a comprar Hard Rock Latina de Peter Morton, así como Hard Rock Canadá de Nick Bitove. Tras la finalización de estas adquisiciones, Rango consiguió el control mundial de la marca. En marzo de 2007, la Tribu Seminole de Florida adquirió Hard Rock Cafe International, Inc. y otras entidades relacionadas del Rango de EE.UU por U$S 965 millones. En 2008, los miembros anónimos del personal criticaron el negocio debido a su práctica de pagar a menos de la mitad del salario mínimo oficial en el Reino Unido, con el negocio de la asignación de consejos al personal para llevar sus salarios dentro de la ley. La mayoría de los clientes, se decía, no se dan cuenta de que están subsidiando un salario bajo cuando dan la punta.

Music Memorabilia
HRC es conocido por su colección de memorabilia de rock and roll. Los cafés solicitan donaciones de recuerdos de la música, pero también compran varios artículos en las subastas de todo el mundo, incluyendo guitarras autografiadas, trajes de giras mundiales y fotografías raras, que  a menudo se encuentran montados en las paredes del café. La colección se inició en 1979 con un un-signed Fender Lead II Red guitarra de Eric Clapton, que era un habitual en el primer restaurante en Londres. Clapton realizó la gestión para colgar la guitarra en su asiento regular, con el fin de reclamar a ese lugar, y obligar a que se le guardara. Esto llevó a Pete Townshend de The Who para dar una de sus guitarras, también un-suscrito con la nota "La mía es tan bueno como el suyo! Love, Pete."
Archivo de Hard Rock incluye más de 70.000 artículos y se muestra brevemente en un museo de Hard Rock llamado "The Vault" en Orlando, Florida desde enero de 2003 hasta septiembre de 2004 - Tras el cierre, los artículos fueron expuestos en diversas ubicaciones de los restaurantes. The London Bóveda permanece abierta y gratuita a los visitantes, que se encuentra cerca de la cafetería original. En 2005, Deep Purple lanzó su nuevo álbum Rapture of the Deep en el Hard Rock Cafe de Londres. Este espectáculo en la propia fiesta de lanzamiento fue lanzado como un DVD.

La expansión hacia otros negocios

Casinos y hoteles
En 1995, Peter Morton gastó $ 80 millones para abrir el Hard Rock Hotel cerca del Las Vegas Strip en Las Vegas, Nevada. Un posterior expansión de $ 100 millones en 1999 casi se duplicó la capacidad del hotel.
En mayo de 2006, Morton vendió el Hard Rock Hotel y Casino, Las Vegas al Morgans Hotel Group por $ 770 millones, incluyendo los derechos de la marca Hard Rock Hotel al oeste del Mississippi, incluyendo Texas, California, Australia y Vancouver, Columbia Británica. El hotel comenzó una nueva expansión en 2007 a un costo de $ 750 millones. El proyecto añadirá 875 habitaciones en dos torres y el espacio de reunión ampliada. En marzo de 2011, Morgan se entregó el control de la propiedad de asociarse Brookfield Asset Management citando el alto nivel de deuda en la propiedad frente a la recesión económica.
Hoy en día, la Tribu Seminole de la Florida posee y opera todas las unidades, excepto la propiedad de Las Vegas. En 2004, Hard Rock International y Sol Meliá Hotels and Resorts lanzó Lifestar Hoteles Espaa SL, una empresa conjunta que administra primero Hard Rock Hotel de Europa en Madrid. Los otros hoteles son empresas conjuntas en Chicago, Nueva York y San Diego. Hard Rock también opera hoteles y resorts en Orlando, Florida, en Bali, Indonesia, y Pattaya, Tailandia. Hard Rock International continúa su expansión internacional a través de varias empresas mixtas, incluyendo hoteles en Chicago, Bali, Orlando, Penang, San Diego, Singapur, y las aperturas en Abu Dhabi, Cancún, Dubai, Hungría, Panamá, Punta Cana y Vallart, así como hoteles-casinos en Hollywood, en Tampa, (Florida), Biloxi, (Mississippi), Las Vegas, (Nevada), Albuquerque (Nuevo Mexico), y Catoosa, (Oklahoma, cerca de Tulsa). El Hotel Zoso en Palm Springs, California se convirtió en un Hard Rock Hotel con 160 habitaciones. Un lugar en Atlantic City, New Jersey fue planeado pero cancelado.

Ubicaciones internacionales incluyen
• Hard Rock Casino, en Las Printworks en Manchester, Reino Unido.
• Hard Rock Hotel, en la ciudad de los sueños en Macao.
• Hard Rock Hotel, en el Resorts World Sentosa en Singapur.
• Hard Rock Hotel Penang

Hard Rock Parque
Hard Rock Cafe International anunció en marzo de 2006 que autorizó la "Hard Rock" nombre de HRP Myrtle Beach Operations, LLC, para diseñar, construir y operar un parque temático de 150 acres, $ 400.000.000 llamado Hard Rock Park. Hard Rock Parque abrió el 15 de abril de 2008 en Myrtle Beach, Carolina del Sur. Se esperaba que el parque para atraer a unos 30.000 visitantes por día, se comprometió a crear más de 3.000 puestos de trabajo, y fue anunciado como la mayor inversión en la historia de Carolina del Sur. Se prevé que cuentan con un gran escenario de conciertos y seis zonas con más de 40 atracciones. HRP Myrtle Beach Operaciones, LLC, se acogió al Capítulo 11 el 25 de septiembre de 2008 - La compañía espera abrir de nuevo en 2009 después de la reestructuración. El 2 de enero de 2009 después de no poder atraer a un comprador con un mínimo de oferta de US $ 35 millones para más de 2 meses, Hard Rock Park pidió a un Tribunal de Quiebras de Delaware para convertir la presentación al Capítulo 7 y el cierre del parque.
Los nuevos propietarios renombraron el lugar Freestyle Music Park y planearon reabrir reteniendo una  temática musical, pero, sin el nombre de Hard Rock por el Memorial Day de 2009 - El parque sólo operaba un año más, y nunca volvió a abrir debido a la falta de asistencia.

Adquisición por parte de la Tribu Seminole de la Florida
El 7 de diciembre de 2006, Posición vendió su negocio de Hard Rock de la Tribu Seminole de la Florida por $ 965 millones. Se incluyen en el acuerdo eran 124 Hard Rock Cafés, cuatro hoteles Hard Rock, dos Hard Rock Hotel y Casino Hoteles, dos Hard Rock Live! salas de conciertos y participaciones en tres hoteles sin marca. Rango retuvo el Hard Rock Casino en Londres, y marcó de nuevo que el G Casino Piccadilly. El Hard Rock Hotel and Casino en Las Vegas tampoco era parte del trato, ya que fue vendido por Peter Morton al Morgans Hotel Group en mayo de 2006. La toma final fue envuelta en polémica, debido a una cláusula de pago en un contrato con un desarrollador de casino, Power Plant entretenimiento. Power Plant y los Seminoles anunciaron un acuerdo en abril de 2007 que ambas partes llaman equitativa.
El 8 de enero de 2007, los accionistas aprobaron Rango $ 965.000.000 oferta de los Seminoles. La tribu anunció que finalizó el acuerdo el 11 de marzo de 2007. El Seminole Hard Rock Hotel y Casino en Hollywood, Florida ganó cierta notoriedad el 8 de febrero de 2007, cuando Anna Nicole Smith murió ocupando una habitación en el hotel.
El 22 de junio de 2008, el Seminole Hard Rock Hotel y Casino Hollywood comenzaron "al estilo Las Vegas" mesa de juego, además de las ranuras de la clase II que ya están en funcionamiento. Para obtener la aprobación de los juegos de mesa, que tenían prohibido bajo la ley de Florida, la Tribu Seminole pagó el Estado de la Florida $ 100 millones como parte de un pacto de 25 años firmado por el Gobernador Charlie Crist. El 3 de julio de 2008, la Corte Suprema de Florida dictaminó que el acuerdo del gobernador era inconstitucional, pero los juegos de mesa siguen funcionando porque el Departamento Federal del Interior aprobó el pacto ahora no válido con el Estado.

http://docsetools.com/revista-digital-educacion-tecnologia-educativa/contenido-11594.html

Hard Rock Café Cozumel, el mas pequeño del mundo

domingo, 15 de febrero de 2015

Canciones con historia: Bobby Brown - FRANK ZAPPA

‘Bobby Brown goes down’, canción que forma parte del disco “Sheik yerbouti” (1979)( uno de las creaciones más populares de Frank Zappa), es una devastadora deconstrucción del mito del “American way of life” a través de la presentación de un personaje que representa el “sueño americano” pero que, en el fondo, es un sujeto con serios problemas de identidad, especialmente de índole sexual.

Zappa criticaría, a lo largo de los años, la política conservadora de eliminar la educación sexual de los colegios: “Si a un niño se le suprimen los elementos de comparación racional, cuando ve algo aberrante, no lo percibe como una aberración”.
Y eso es lo que pasa con Bobby Brown, el personaje de la canción, fruto de un país que sublima la ignorancia en aras de un sometimiento absoluto de la población.

 Bobby Brown será el epítome de ese sueño americano pero no por ser un triunfador, sino porque esa concepción neoliberal del triunfo va asociada a la destrucción de la identidad del individuo.

En “Sheik yerbouti”, la crítica social de Zappa se hace totalmente sistemática, superada ya la etapa Warner y encaminándose hacia lo que, a finales de los setenta, se veía ya inminente: la ola ultrarreaccionaria que iba a dominar el escenario político nacional e internacional. Así, Zappa resume en el disco sus críticas a la industria cultural (en temas como ‘I have been in you’) y la ocultación del sexo en las canciones, sacándolo al primer plano en temas como ‘Jones Crusher’ o ‘Broken hearts are for assholes’. Al mismo tiempo, ridiculiza el discurso bobalicón de las canciones para adolescentes en temas como ‘I’m so cute’ o ‘Tryin’ to grow a chin’. En el terreno de la crónica política, ahí están sus retratos de los estereotipos sociales (con las niñas pijas judías en ‘Jewish princess’) y su feroz ataque al funcionamiento de los sindicatos estadounidenses en una canción, ‘Flakes’, en la que aprovecha para reírse de Bob Dylan y sus supuestos mensajes contestatarios. En este tema, la voz que imita a Dylan no habla de pacifismo ni de justicia, sino que se queja de que el fontanero no le arregla una cañería. Así queda clara la opinión de Zappa sobre las verdaderas inquietudes y la capacidad de alcance de la contracultura oficial.

http://www.efeeme.com/frank-zappa-la-apertura-de-un-iconoclasta-3-los-anos-setenta/


sábado, 14 de febrero de 2015

¡Feliz día del amor y LA AMISTAD!

Decir amigo – Joan Manuel Serrat


Decir amigo 
es decir juegos, 
escuela, calle y niñez. 
Gorriones presos 
de un mismo viento 
tras un olor de mujer. 

Decir amigo 
es decir vino, 
guitarra, trago y canción 
furcias y broncas. 
Y en Los Tres Pinos 
una novia pa' los dos. 

Decir amigo 
me trae del barrio 
luz de domingo 
y deja en los labios 
gusto a mistela 
y a natillas con canela. 

Decir amigo 
es decir aula, 
laboratorio y bedel. 
Billar y cine. 
Siesta en Las Ramblas 
y alemanas al clavel. 

Decir amigo 
es decir tienda, 
botas, charnaque y fusil. 
Y los domingos, 
a pelear hembras 
entre Salou y Cambrils. 

Decir amigo 
no se hace extraño 
cuando se tiene 
sed de veinte años 
y pocas "pelas". 
Y el alma sin mediasuelas. 

Decir amigo 
es decir lejos 
y antes fue decir adiós. 
Y ayer y siempre 
lo tuyo nuestro 
y lo mío de los dos. 

Decir amigo 
se me figura que 
decir amigo 
es decir ternura. 
Dios y mi canto 
saben a quien nombro tanto.



viernes, 13 de febrero de 2015

Canciones con historia: ‘Everybody Hurts’, la canción que dejó de pertenecer a R.E.M.

Rod Stewart, Joe Cocker, Mariah Carey, The Corrs, Mika, James Blunt, Jon Bon Jovi, Gary Barlow, Robbie Williams, Kylie Minogue y muchos artistas más han interpretado “Everybody Hurts” en algún momento.
No es para menos. Más allá de ser el cuarto sencillo deAutomatic For The People, el himno que compuso en su mayoría Bill Berry como una forma de hablarle a la juventud que se sentía desolada en aquel entonces, se ha convertido en un estandarte de la melancolía y en un auténtico patrimonio de la comunidad musical de 1992 a la fecha. Sin fronteras, sin límites.
“Apenas compusimos y grabamos la canción, dejó de pertenecernos y empezó a formar parte de todo mundo. Es una pieza universal y puede significar algo para casi cualquier persona con la cual te relaciones, sin importar su lugar de origen o la lengua que hable”, reflexionó en 2011 el bajista Mike Mills durante una plática con la televisión noruega, justo después de anunciar el fin de R.E.M. como banda.
Independientemente del entrañable video filmado en una autopista de San Antonio, “Everybody Hurts” tiene dos particularidades. Primeramente Bill Berry, entonces baterista de la banda de Georgia, escribió letras simples para que el mensaje a los adolescentes fuera directo, comprensible y carente de metáforas. Y después, Michael Stipe, conocido por interpretar ciertas estrofas casi de manera indescifrable, recitó como nunca antes cada palabra de la composición.
“Cada vez que la escucho me pregunto si mi voz alguna vez sonó con tal pureza en otras canciones y en estos 30 años de grabaciones. Era una composición realmente especial y ha sido usada en diferentes contextos para ayudar a la gente en tiempos muy, muy complejos. Un tema que puede hablar de una pérdida a ese nivel me lleva a sentirme orgulloso. Por eso no pertenece a nosotros, sino al mundo”, confesó Stipe en la misma entrevista.
En 1995 una agrupación conocida como The Samaritans, dedicada desde 1952 a brindar soporte emocional a personas depresivas, buscó combatir el alto número de suicidios entre adolescentes y jóvenes en Reino Unido e Irlanda, lanzando una campaña basada en algunos versos de “Everybody Hurts”.
Seis años después, asambleístas de Nevada, uno de los estados con mayor índice de suicidios, reconocieron la labor de la banda por sus mensajes alentadores y dirigidos a la prevención de esta clase de tragedias.
Bien lo dijo Mills: un tema lejano a una mera producción noventera y cercano a una realidad social que no puede causar indiferencia.
Porque todos, en algún momento, hemos sido heridos.




jueves, 12 de febrero de 2015

Música con historia: In the Mood - Glenn Miller.

In the Mood (estar de humor para..., tener ganas de...) es un tema orquestal grabado por el director de orquesta estadounidense Glenn Miller en 1939.

In the Mood fue uno de los grandes exitos de la época y encabezó en 1940 las listas estadounidenses un año más tarde apareció en la película Tú serás mi marido.

En 1999 la Radio Nacional estadounidense incluyó el 1939 Miller en la lista de "Los 100 más importantes obras musicales estadounidenses del siglo 20".

Es una de las canciones Big Band más reconocidas y populares de todos los tiempos, aunque pocos saben como se titula. Cuando Billboard publicó su primera lista de ventas en julio de 1940, 3 de los temas de Miller aparecían en el top 10 y In the Mood fue n.º 1 durante 13 semanas seguidas conviertiéndose en el mayor éxito de Glenn Miller.

In The Mood el los '40 expresaba un deseo de tener relaciones sexuales, ahora la expresión, bastante picante en aquel momento, cambió su significado.

La canción, basada en los ritmos de Tar Paper Stomp un tema de Joseph "Wingy" Manone grabado en 1930, fue escrita por Joe Garland y Andy Razaf y ofrecida a Artie Shaw que la rechazó para acabar finalmente en las manos de Miller que la convirtió en oro.

 Antes de acabar en las manos de Miller el propio Garland y su banda la grabaron y la hicieron medio popular. Y como In the Mood ya es leyenda, la leyenda nos cuenta que antes de que Garland la escribiera, en el Harlem, las bandas musicales ya la estaban tocando en los clubes nocturnos.

Años mas tarde, en 1967, los acordes de In the Mood aparecían en el gran exito de los Beatles, All You Need is Love.

En 1951 un ordenador Ferranti de la Universidad de Manchester por primera vez en el mundo tocaba una canción, concretamente In the Mood y se convierte en la primera canción generada digitalmente.

El bluesman John Lee Hooker ha dicho que In the Mood, fue la inspiración para su n.º 1 I'm In the Mood.

¿Que mas se puede decir? Que es uno de los temas mas versionados de todos los tiempos por las Big Band internacionales y artistas consagrados, que aparece en una lista interminable de serie, programas y películas, que la gente de todo el mundo la tararea aunque no sepa ni una pizca de su historia ni siquiera el titulo, que es leyenda, que es historia, que es alegría, que es tristeza, que es amor, que es sexo, que es estado de animo. Habría tantas cosas que aun se podrían decir sobre este gran tema pero creo que lo mas importante ya se ha dicho, así que solo nos queda disfrutar, disfrutar de sus acordes, disfrutar de la música...

http://cancioneshistoria.blogspot.com.ar/


La madrugada cae - Enya

Cuando la madrugada cae
Y la luz del dia esta desvaneciendo
Desde adentro de mi llama
Podría ser que estoy durmiendo?
Por un momento me extravio
Entonces me sostiene completamente
Cerca de casa – no puedo estar

Mientras camino el cuarto
ahí esta ante mi una sombra
De otro mundo, donde nadie mas puede seguir
Cárgueme a mi propio, a donde puedo cruzar
Cerca de casa, no puedo estar
Cerca de casa sintiéndome lejos

Por siempre buscando, nunca bien
Estoy perdida en océanos de la noche
Por siempre esperando que
pueda encontrar recuerdos
Esos recuerdos que deje atras

Aunque me voy seguire creyendo
Que este tiempo es real,
estoy perdida en este sentimiento?

Como un niño pasando
Nunca sabiendo la razón
Estoy en casa, conozco el camino
Yo soy hogar, sintiendo, tan lejos