lunes, 13 de octubre de 2014

Margot Fonteyn

Inglaterra, 18 de mayo de 1919 - Panamá, 21 de febrero de 1991.

Nombre artístico de Margaret Hookham. De niña estudió danza en Hong Kong y luego en Londres con Serafina Astafieva y en la escuela de ballet del Sadler's Wells.

Cuando tenía 14 años audicionó en el Vic-Wells Ballet, donde hizo su debut en 1934 bailando unos de los copos de nieve de El Cascanueces. Para 1939 ya había interpretado muchos de los roles principales de los ballets clásicos: Aurora en La bella durmiente, Giselle en Giselle y el difícil rol Odette - Odile de El lago de los cisnes. El coreógrafo inglés Sir Frederic Ashton creo varios balllet especialmente para ella, la consideró una de sus musas y su relación duró 25 años.

La carrera de Fonteyn continuó en ascenso y ya hacia el final de 1950 había interpretado casi todos los roles principales de los ballets clásicos. En su autobiografía Fonteyn dejó un precioso retrato de sobre Ninette de Valois, la mayor impulsora del ballet británico:

"Mi vida como bailarina estuvo regida por Ninette de Valois, una maravillosa e impredecible mujer. En aquellos días ella bailaba, coreografiaba y dirigía la escuela y la compañía. Después de ensayar durante todo el día con nosotros y de ocuparse de los asuntos administrativos en su oficina, se ponía la ropa de práctica y hacía su propia barra para prepararse para la función de la noche. De Valois sobresalía en roles como la Swanilda de Coppelia, roles para los que contaba con un fuerte sentido del humor y de la caracterización. Tenía bellas piernas y una hermosa cabeza que llevaba con gran distinción. Sus movimientos eran rápidos, igual que su temperamento. Una vez me contó que tomaba dos aspirinas, un baño caliente y una copita de cherry para relajarse antes de la función. Aun así yo la recuerdo en el escenario haciendo brisés que parecían más veloces que la luz."

En 1956 se casa con Roberto de Arias, diplomático panameño, y su vida se dividió entre bailar y cumplir los roles de la esposa de un embajador. Cuando Rudolf Nureyev escapa de Rusia en 1961, la coreógrafo Ninette de Valois lo invita a bailar en Londres con Fonteyn.

Nureyev recibió una invitación que sería crucial para su futuro: Margot Fonteyn, consagrada estrella del Royal Ballet de Londres, le proponía unirse a ella como partenaire.
 Esta alianza, que parecía llamada a no perdurar, ya que Fonteyn tenía cuarenta y tres años y estaba a punto de retirarse, persistió sin embargo a lo largo de casi tres lustros.
La poderosa atracción que Fonteyn y Nureyev llegaron a ejercer sobre el público internacional, determinó que durante las presentaciones del Royal Ballet en el exterior la pareja debiera bailar en todas las funciones.
Se cuenta que generaciones enteras de bailarinas del Royal languidecían entre bastidores y que muchos bailarines se entregaban a la bebida por la certeza de que su oportunidad nunca llegaría. Verdad o leyenda, la realidad indica que pocas esperanzas podían guardar respecto de hacer papeles protagónicos. La pareja de Fonteyn y Nureyev llegó al record, durante una función en Viena, de ochenta y nueve llamadas a escena para saludar al público.

En el Royal Ballet de Londres, Nureyev fue el "partner" por excelencia de la famosísima Margot Fonteyn, 19 años mayor que él. La apasionada virtuosidad de Nureyev demostró ser el perfecto complemento de la madurez y elegancia de Fonteyn; de esta manera, la relación de pareja artística que ellos extendieron por largo tiempo, rejuveneció la carrera de ella y estableció la de él.

Fonteyne hizo interpretaciones personalísimas de la Aurora de La bella durmiente de Chaikóvski, y destacó en los ballets Horoscope, Variaciones sinfónicas, Dafnis y Cloe y Ondine del coreógrafo Frederick Ashton. Su impecable estilo alcanzó un relieve inusitado cuando actuó como pareja con el bailarín soviético Nuréyev, tras exiliarse éste en París en 1961. En 1954 fue nombrada presidenta de la Academia Real de Danza y en 1956 proclamada dama de la Orden del Imperio Británico. La Reina Madre de Inglaterra la nombró Dama Comandante del Imperio Británico, cuando la gran bailarina decide en el año de 1964, abandonar su país para vivir hasta su último día de vida en Panamá.

Fonteyn se retiró hacia 1970 y se radicó en Panamá con su esposo.

Azotada por una enfermedad terminal y desgarrada por la muerte de su amado esposo, Roberto "Tito" Arias Guardia, quien fue sorprendido por una bala en 1964, (dejándolo postrado de por vida en una silla de ruedas), la reconocida bailarina afirmó a Hola que: "Miedo a la muerte no tengo. Pero sí tengo miedo a vivir demasiado, porque eso, ¿sabe?, es peor que morir. Muerto mi esposo, que es lo único que me quedaba de todo cuanto tenía, sólo trato de buscar vida".
Sus últimos días vivió en la Finca La Quinta Pata, Panamá, sitio al que llamó su paraíso.

http://www.ciudaddeladanza.com/bibliodanza/biografias/margot-fonteyn.html






ESCUCHÉ UN RUMOR - BANANARAMA

QUIEN NECESITA AMIGOS QUE NUNCA APARECEN ?
TE DIRE LO QUE QUIERES SABER
PODRIA HABER SALVADO UN CORAZON ROTO
SI LO HUBIERA AVERIGUADO ANTES

SOLO PIENSO EN
ESAS SOLITARIAS NOCHES
CUANDO ESPERABA TU LLAMDA
HASTA QUE SUPE
QUE TODOS MIS AMIGOS ESTABAN
EN LO CORRECTO, OOH OOH
NO TE CONOCIA PARA NADA

ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, ESCUCHE UN RUMOR
DICEN QUE TIENES UN CORAZON ROTO
ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, LO ESCUCHE, CHICO
ESCUCHE UN RUMOR, OOH

AHORA ME DICEN
QUE HAS CAMBIADO TUS MANERAS RARAS
PERO, DEBERIA DARTE OTRA OPORTUNIDAD ?
CARIÑO, TENGO MUCHO MIEDO

ASI QUE, TE DAS CUENTA DEL DAÑO QUE HICISTE
Y EL AMOR QUE DESPERDICIASTE ?
COMO PUEDO PERDONAR O OLVIDAR ?
NUNCA SERA LO MISMO

ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, ESCUCHE UN RUMOR
DICEN QUE TIENES UN CORAZON ROTO
ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, LO ESCUCHE, CHICO
ESCUCHE UN RUMOR, OOH

ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, ESCUCHE UN RUMOR
DICEN QUE TIENES UN CORAZON ROTO
ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, LO ESCUCHE, CHICO
ESCUCHE UN RUMOR, OOH

SOLO PIENSO EN
ESAS SOLITARIAS NOCHES
CUANDO ESPERABA TU LLAMDA
HASTA QUE SUPE
QUE TODOS MIS AMIGOS ESTABAN
EN LO CORRECTO, OOH OOH
NO TE CONOCIA PARA NADA

ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, ESCUCHE UN RUMOR
DICEN QUE TIENES UN CORAZON ROTO
ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, LO ESCUCHE, CHICO
ESCUCHE UN RUMOR, OOH

ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, ESCUCHE UN RUMOR
DICEN QUE TIENES UN CORAZON ROTO
ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, LO ESCUCHE, CHICO
ESCUCHE UN RUMOR, OOH

ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, ESCUCHE UN RUMOR
DICEN QUE TIENES UN CORAZON ROTO
ESCUCHE UN RUMOR
OOH, OOH, LO ESCUCHE, CHICO
ESCUCHE UN RUMOR, OOH...

 La Mujer - Rabindranath Tagore


Mujer, no eres sólo obra de Dios;
los hombres te están creando eternamente
con la hermosura de sus corazones,
y sus ansias han vestido
de gloria tu juventud.

Por ti labra el poeta
su tela de oro imaginario;
el pintor regala a tu forma,
día tras día, nueva inmortalidad.

Por adornarte, por vestirte,
para hacerte más preciosa,
el mar da sus perlas,
la tierra su oro,
su flor los jardínes del estío.

Mujer, eres mitad

mujer y mitad sueño.




Alcestes (Gluck)

Alcestes (título original en italiano, Alceste) es una ópera en tres actos con música de Christoph Willibald Gluck y libreto en italiano de Ranieri de Calzabigi, estrenada en Viena en 1767. Una segunda versión, revisada, más conocida hoy en día, fue estrenada en París en 1776.

Historia

Se estrenó en el Burgtheater de Viena el 26 de diciembre de 1767. La presentación de Alceste en París, en 1774, supuso una total remodelación de la ópera, hasta el punto de que casi son dos óperas distintas: los personajes no son exactamente los mismos y las escenas se ordenan de forma diferente. La versión parisina es considerada superior a la italiana y es esta versión, a menudo traducida al alemán, al italiano o al inglés, que se representó en el siglo XX en los principales teatros de ópera.
Se conocen algunos de los cantantes del estreno en Viena (1767) y en París
Admeto, tenor, en Viena, Giuseppe Tibaldi; en París, Admète fue Joseph Le Gros.
Alceste, soprano, Antonia Bernasconi / Rosalie Levasseur.
Sumo sacerdote, barítono, Laschi / Gélin.
Hércules, en París, barítono Henri Larrivée.
Apolo, en París, barítono Moreau.
Evandro, tenor Pilloni / Tirot.
Eumelio y Aspasia, los hijos de Alceste, en Viena, niños cantores.
Esta ópera forma parte del repertorio, a pesar de que plantea tres problemas: “la falta de garra para el espectador actual del tratamiento hierático de la trama, el anticlímax musical que es todo el acto III, y la dificultad de encontrar una auténtica soprano dramática que además cuente con la verdadera técnica belcantista que exige el papel principal” (J. M.ª Martín Triana).
Maria Callas protagonizó Alceste en La Scala en 1954.
La Metropolitan Opera ha presentado Alceste en tres temporadas diferentes, con cuatro sopranos interpretando un total de dieciocho representaciones. El estreno en el Met fue el 24 de enero de 1941, con Marjorie Lawrence. Hubo otras cuatro representaciones esa temporada, dos con Lawrence y dos con Rose Bampton. En la temporada de 1951-52, Kirsten Flagstad canto Alceste en cinco representaciones, incluyendo su despedida de la compañía el 1 de abril de 1952. El 6 de diciembre de 1960, Eileen Farrell debutó en el Metropolitan cantando Alceste; lo cantó un total de ocho veces esa temporada. Su última representación del papel fue el 11 de febrero de 1961.
La Ópera Lírica de Chicago abrió la temporada de 1990 con una representación de Alceste cantada por Jessye Norman.
De enero a marzo de 2006, Catherine Naglestad apareció en diez interpretaciones de Alceste con la Ópera Estatal de Stuttgart. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 6 representaciones para el período 2005-2010.

Argumento

La historia tiene lugar en Tesalia, en época mítica.

Acto I

El rey Admeto se halla gravemente enfermo y próximamente morirá. Su mujer Alceste se dirige al templo para consultar a los dioses. El Oráculo dice que el rey morirá salvo que alguien acepte reemplazarlo. Alcestes acepta morir en lugar de su amado esposo.

Acto II

El pueblo celebra la salvación de su soberano. El rey se entera de que, para ello, otro ha aceptado morir en su lugar, pero no averigua quién es hasta que llega su esposa y el talante entristecido de esta se lo da a entender. Entonces se niega a seguir viviendo si ella tiene que morir, y decide seguirla.

Acto III

El pueblo se lamenta de la suerte de Alcestes. Llega Hércules, amigo de los esposos, y al enterarse de lo que ocurre, jura que los salvará. Alcestes se dirige a las puertas del hades. Detrás de ella viene su esposo Admeto, para morir en su lugar. Ambos discuten, pretendiendo morir uno en lugar del otro. Llega incluso Hércules, amenazando a los dioses del Averno. Los dioses del Olimpo, conmovidos por el amor conyugal, deciden perdonar a ambos. Al final, Admeto, Alcestes y Hércules cantan en el atrio del palacio elogios a Apolo. El pueblo lo celebra.

Análisis musical

Libreto

El libreto de la versión italiana es de Ranieri de' Calzabigi. Para la presentación en París Gluck se basó en un texto nuevo de Le Blanc du Roullet. Se basa en la obra Alcestis de Eurípides.

Piezas destacadas

La obertura es famosa, introduce al ambiente y tono de la obra.
El aria más famosa es la “Ombre, larve” (“Divinités du Styx” en la versión francesa), de Alcestes; es un aria poderosa para una cantante fuerte, que se ve acompañada por el sonido típico de tres trombones. Este personaje tiene otras dos arias de gran belleza en el Acto II: O dieux! Soutenez, de gran dificultad vocal, pues debe cantarse las notas altas en pianissimo; yAh! Malgré moi.
La instrumentación con tres trombones destaca en otros momentos de la obra, con su carácter siniestro y fúnebre.
En esta obra destacan los coros, como elemento de origen griego que busca la revitalización del género.

Valoración

Es la segunda ópera “de reforma”, después de Orfeo ed Euridice, en la que el compositor y libretista pretendían introducir cambios en el género, en busca de una ópera más dramática y menos sometida a los caprichos de los cantantes.
“La ópera llamó la atención por su poderosa envergadura, mucho mayor que la de su precursora Orfeo ed Euridice y, aunque ha tenido menos difusión que ésta, sigue siendo una obra que se emprende con sumo respeto por su calidad y su severa grandeza vocal, orquestal y teatral” (R. Alier). Esta obra no ha conocido el mismo éxito que Orfeo ed Euridice por la debilidad de su acción dramática.
Con ocasión de la publicación del libreto en 1769, Calzabigi añadió un prefacio firmado por Gluck, en el que definió las características de su reforma de la ópera, limitar la música a su verdadera función, que era servir a la poesía, evitando ornamentos superfluos. “Era la primera vez en la historia de la música en la que un compositor explicaba al público el sentido de su obra y sus propósitos al realizarla” (R. Alier):
Cuando me dispuse a escribir la música de Alceste me propuse desnudarla enteramente de todos esos abusos que, introducidos por la vanidad mal entendida de los cantantes, o por una complacencia exagerada de los maestros, desfiguran desde hace tiempo la ópera italiana, y que la convierten, del más pomposo y bello de los espectáculos, en el más ridículo y aburrido.
Christoph Willibald Gluck, citado en La discoteca ideal de la ópera
La opera, en particular en su versión parisina, reúne los rasgos expuestos en su manifiesto, en particular:
· Arias da capo: muy pocas o ninguna.
· Ninguna oportunidad para improvisaciones vocales o muestras de virtuosismo vocal.
· Nada de largos melismas.
· Palabras más inteligibles.
· Menos repeticiones del texto dentro de un aria.
· Era menos clara la distinción entre recitativo y aria, entre pasajes líricos y declamatorios, con menos recitativos en total.
· Recitativos acompañados, en lugar de secos.
· Líneas melódicas más simples y fluidas.
· Una obertura unida por su tema o carácter a la acción posterior.
· Mayor preeminencia del coro, dándole, a imitación del drama griego clásico, una papel importante comentando los sucesos que se desarrollaban en la escena.
Es la más “griega” de todas sus óperas de reforma.
Otro de sus rasgos novedosos es que no tiene ningún papel para voz de castrato, aunque Gluck volvería a usar un castrato en su siguiente ópera, Paride ed Elena.
Pese a toda su pasión e intensidad, está narrada con melodías que fluyen calmadamente y armonías serenas que parecen, paradójicamente, aumentar en vez de disimular la fuerza emocional. Su espíritu se acerca a las tragedias clásicas francesas de Corneille y Racine. (McLeish)


Wikipedia


Réquiem - Berlioz
El texto del Réquiem, atribuido a un franciscano llamado Tomás de Celano, habla del reposo de las almas de los muertos junto a Dios. Pero antes pasa por el terror de los días de ira y de la trompeta divina llegando con su devastador sonido a las regiones más oscuras. Utilizado musicalmente por primera vez en la Edad Media, el Réquiem gregoriano fue citado, entre otros, por Héctor Berlioz, en su Sinfonía Fantástica. Allí, la vida de un artista y sus enfrentamientos con la sociedad burguesa, contados en clave delirante, atravesaba también el horror y daba al compositor un motivo para experimentar con el género del espanto desde el sonido mismo. Y su Grand Messe des morts, escrita en 1837 a pedido del ministro del Interior de Francia para recordar a los soldados fallecidos en la Revolución de julio de 1830, llevaba esa experimentación hasta el verdadero abismo.
La relación entre el dolor y la redención; el pasaje por el apocalipsis antes del descanso final, hace que el Réquiem se preste como ningún otro texto eclesiástico a la conmemoración de la guerra. Más allá de las razones, hay allí sufrimientos insondables que no oculta ni el más feliz de los finales.. Eventualmente, el desafío que implica su complejísimo montaje, dado el gigantismo de un instrumental digno del apocalipsis y el juicio final al que refieren sus palabras, se convierte, también, en una gesta.. Y, también, para vivir una experiencia estética trascendente. Sin golpes bajos ni demagogia alguna, apenas con la formidable escritura de una de las obras más geniales de la historia musical, se unió sentido a belleza con las armas más genuinas.
Las fuerzas demandadas por Berlioz son inmensas: cuatro flautas, dos oboes y dos cornos ingleses (oboes graves), cuatro clarinetes y ocho fagots; doce cornos, cuatro cornetas a pistones y cuatro tubas, dieciséis timbales y diez pares de platillos; cuerdas completas (y con no menos de 25 primeros y 25 segundos violines) más un coro de más de 200 cantantes y cuatro grupos de bronces que debían situarse en las cuatro esquinas del interior de la iglesia. El efecto de tamaño dispositivo es paralizante. El compositor sabía con precisión lo que hacía y su manejo de la instrumentación como un drama, lleno de suspensos y, también, de clímax inimaginables, es magistral.
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-24785-2012-04-03.html

Requiem – Berlioz Análisis


http://www.musicalisis.es/musicalisis.es/Berlioz.html



domingo, 12 de octubre de 2014

Yo misma fui mi ruta - Julia de Burgos
Yo quise ser como los hombres quisieron que yo fuese:
un intento de vida;
un juego al escondite con mi ser.
Pero yo estaba hecha de presentes,
y mis pies planos sobre la tierra promisoria
no resistían caminar hacia atrás,
y seguían adelante, adelante,
burlando las cenizas para alcanzar el beso
de los senderos nuevos.

A cada paso adelantado en mi ruta hacia el frente
rasgaba mis espaldas el aleteo desesperado
de los troncos viejos.

Pero la rama estaba desprendida para siempre,
y a cada nuevo azote la mirada mía
se separaba más y más y más de los lejanos
horizontes aprendidos:
y mi rostro iba tomando la expresión que le venía de adentro,
la expresión definida que asomaba un sentimiento
de liberación íntima;
un sentimiento que surgía
del equilibrio sostenido entre mi vida
y la verdad del beso de los senderos nuevos.

Ya definido mi rumbo en el presente,
me sentí brote de todos los suelos de la tierra,
de los suelos sin historia,
de los suelos sin porvenir,
del suelo siempre suelo sin orillas
de todos los hombres y de todas las épocas.

Y fui toda en mí como fue en mí la vida…

Yo quise ser como los hombres quisieron que yo fuese:
un intento de vida;
un juego al escondite con mi ser.
Pero yo estaba hecha de presentes;
cuando ya los heraldos me anunciaban
en el regio desfile de los troncos viejos,
se me torció el deseo de seguir a los hombres,
y el homenaje se quedó esperándome.

                                                      Yo misma fui mi ruta - Julia de Burgos

Canciones con historia: I JUST CALLED TO SAY I LOVE YOU / STEVIE WONDER



"I Just Called to Say I Love You" es un cancion escrita e interpretada por el famoso musico estadounidense Stevie Wonder y fue editada para el soundtrack de la peliculaThe Woman in Red en 1984.

Esta hermosa balada trata simplemente de una llamada a alguien para decirle que el amor puede hacer que la vida sea magica incluso en los dias mas extraños.
Esta maravillosa y sentimental cancion tiene la escencia musical que imperaba en los ochenta, el uso de sintetizadores y cajas de ritmo, lo cual estaba muy lejos del Stevie Wonder más orgánico y experimental de los setentas.
Por estas razones el single tuvo muchas criticas que con el paso de los dias y el exito de la balada se fueron apagando.

La canción llegó al número uno en el Billboard Hot 100 y estuvo en ese puesto durante tres semanas a partir del 13 de octubre de 1984 y también se convirtió en el single mas vendido en el Reino Unido por un cantante solista y estuvo en la cima de los rankings britanicos por casi seis semanas. Además, la canción ganó un Globo de Oro y un Oscar por Mejor Canción Original de la pelicula en la cual forma parte de la banda sonora.

Tambien existe una controersia en torno a los derechos de autor del tema. Esta tiene que ver con Wonder y su ex socio Lee Garrett. Todo se debe a que Garrett afirma haber escrito la canción antes que esta fuera publicada. Pero todo quedo en palabras y acusaciones...

Con respecto a la estructura de la canción podemos decir que tiene dos versos y un coro.
El protagonista de la canción refuerza el mensaje del título (y estribillo) para negar todos los grandes momentos del año.
La canción termina con un triple acorde, tambien conocido como cha-cha-cha.

Les dejamos esta balada que con el paso de los años siegue atrayendo esa nostalgia y ha sido versionada por diversas banda y cantantes que se han declarado fanaticos de esta pieza musical hecha por el gran Stevie Wonder.

SOLO LLAMÉ PARA DECIRTE QUE TE AMO

No es Año Nuevo que celebrar
No hay corazones de dulce cubiertos de chocolate
para regalar
No es comienzo de primavera,
ni canción para cantar
De hecho, éste es solo otro día común

Coro:
Sólo llamé para decirte que te amo
Sólo llamé para decir lo mucho que importas
Sólo llamé para decirte que te amo
Y lo digo desde el fondo de mi corazón

No hay lluvia de Abril, ni botones de flor
Tampoco sábado de bodas
en el mes de Junio
Pero esto qué es, es algo verdadero
Hecho de esas tres palabras
que debo decirte

No hay buenos veranos, ni Julios calurosos
No es luna llena que ilumine
una tierna noche de Agosto
Sin brisa de otoño, sin hojas cayendo
No es tiempo en que los pájaros
vuelan hacia cielos del sur

No hay sol de Libra, ni Halloween,
Ne es dar las gracias el júbilo navideño
que transmites
Pero esto qué es, aunque viejo, tan nuevo
Llenar tu corazón
como tres palabras no podrían hacer.


http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2009/03/i-just-called-to-say-i-love-you-stevie.html