viernes, 3 de octubre de 2014

Ozymandias

Ozymandias es un soneto de Percy Bysshe Shelley, publicado el 11 de enero de 1818, y es probablemente el poema más famoso del poeta romántico, y quizás uno de los más claros ejemplos de la tendencia política de su movimiento literario. Además de la potencia de sus temas e imágenes, el poema es notable por su virtuosa dicción. El esquema de la rima del soneto es inusual y crea un efecto sinuoso y entrelazado.

Origen
Ozymandias era un alias de Ramsés el Grande, faraón de la decimonovena dinastía del antiguo Egipto. El apodo viene de una transliteración griega de Ramsés hecha durante su reinado (User-maat-re Setep-en-re). El soneto parafrasea la inscripción en la base de una estatua, dado por Diodoro Sículo en su Bibliotheca historica, como "Rey de reyes soy yo, Osymandias. Si alguien quiere saber cuán grande soy y donde yazco, que supere alguna de mis obras"

El tema central de "Ozymandias" es la inevitable decadencia de todos los líderes y de los imperios que estos construyen sin importar cuan poderosos fueron en su tiempo.

A menudo se dice que el poema de Shelley fue inspirado por la llegada de una estatua colosal de Ramsés II a Londres en 1821, adquirido por el Museo Británico de las manos del aventurero italiano Giovanni Belzoni en 1816. Rodenbeck y Chaney, sin embargo, señalan que el poema fue escrito y publicado antes de que la estatua llegara a Gran Bretaña, y por lo tanto que Shelley no podría haberla visto.

Su reputación en Europa Occidental precedió a su llegada real a Inglaterra (por ejemplo, Napoleón había intentado previamente adquirirla para Francia sin conseguirlo), por lo que pudo haber sido su reputación o la noticia de su inminente llegada, en lugar de la visión de la estatua, lo que proporcionó la inspiración.

Poema

Conocí a un viajero de una tierra antigua
que dijo: «dos enormes piernas pétreas, sin su tronco
se yerguen en el desierto. A su lado, en la arena,
semihundido, yace un rostro hecho pedazos, cuyo ceño
y mueca en la boca, y desdén de frío dominio,
cuentan que su escultor comprendió bien esas pasiones
las cuales aún sobreviven, grabadas en estos inertes objetos,
a las manos que las tallaron y al corazón que las alimentó.
Y en el pedestal se leen estas palabras:
"Mi nombre es Ozymandias, rey de reyes:
¡Contemplad mis obras, poderosos, y perded la esperanza!"
Nada queda a su lado. Alrededor de la decadencia
de estas colosales ruinas, infinitas y desnudas
se extienden, a lo lejos, las solitarias y llanas arenas»

Ozymandias

I met a traveller from an antique land,
Who said—“Two vast and trunkless legs of stone
Stand in the desert. . . . Near them, on the sand,
Half sunk a shattered visage lies, whose frown,
And wrinkled lip, and sneer of cold command,
Tell that its sculptor well those passions read
Which yet survive, stamped on these lifeless things,
The hand that mocked them, and the heart that fed;
And on the pedestal, these words appear:
My name is Ozymandias, King of Kings;
Look on my Works, ye Mighty, and despair!
Nothing beside remains. Round the decay
Of that colossal Wreck, boundless and bare
The lone and level sands stretch far away.”

Influencia cultural

Ozymandias es el seudónimo de Adrian Alexander Veidt, uno de los personajes principales de la afamada historietaWatchmen también representado en la película homónima. En el capítulo dedicado al personaje, tras llevar a cabo hechos terribles, se muestra al lector el fragmento del poema que dice "My name is Ozymandias, king of kings: Look on my works, ye Mighty, and despair!", dándole al texto una versión diferente a la pretendida en el poema.

El episodio 14 de la quinta y última temporada de la serie de televisión estadounidense Breaking Bad fue titulado "Ozymandias" y mostró a su protagonista Walter White colapsando en la arena como se dice que ocurrió con el monumento de Ozymandias. Su fortuna e imperio rápidamente decaen. En julio de 2013, Breaking Bad lanzó un corto promocional en el que Bryan Cranston leía el poema completo.

Wikipedia





Colecciones Británicas sobre Antiguo Egipto


Desde el siglo XVIII el coleccionismo ha tenido una gran importancia en Gran Bretaña. En principio sólo era una mera acumulación de objetos de arte que interesaban por su belleza o por su rareza. Una vez estudiadas las llamadas culturas clásicas, Grecia y Roma, y en especial después del descubrimiento de la piedra Rossetta por las tropas de Napoleón, Egipto comenzó a interesar en Europa.

Con el desarrollo de la arqueología, ya en el siglo XIX, las campañas arqueológicas en Egipto se multiplicaron. Aunque comenzaron sin un excesivo rigor científico, el interés por el arte y la cultura del Antiguo Egipto fue en aumento, como demuestran las numerosas referencias literarias, sobre todo tras el gran descubrimiento de la tumba de Tutankamon por el arqueólogo británico Howard Carter en 1922, en que Egipto proclamó su independencia.

La frecuencia de las campañas arqueológicas británicas en Egipto se debieron principalmente a que el país estaba vinculado desde la construcción del canal de Suez (1859-69) al imperio británico hasta el movimiento nacionalista surgido al final de los años 50 de este siglo, en que se hicieron duras críticas sobre la expoliación del patrimonio cultural egipcio. Las disputas por la mayoría de las obras que actualmente se encuentran en colecciones y museos brtánicos siguen existiendo en la actualidad.




La Colección Egipcia del Museo Británico

 

El origen del Museo Británico se remonta a 1753, y se formó a partir de una colección privada.  Sir Hans Sloane era el dueño de esta colección, aunque no existe evidencia de que este señor tuviera el más mínimo interés en la egiptología. 

A su muerte dejó su colección para que se fundara un museo.  Este museo se instaló en Montague House, un edificio que se encontraba donde más adelante se edificaría el museo actual. 

El museo fue incrementando su colección gracias a la aportación de colecciones particulares, y consigue que una asociación llamada Sociedad de Egipto les regale una momia.

Por el conocido Tratado de Alejandría se trae a Londres la piedra Rosetta, e igualmente se requisa a los franceses una estatua de Sekhmet.  Ambas piezas pasaron a formar parte de la colección de Montague House.

Luego, gracias a la intervención de Salt, Bruckhardt y Belzoni se consiguió el gran coloso de Ramsés II que se exhibe en la sala central.  Para entonces (1816) existe una ley egipcia que permite la salida de Egipto de objetos faraónicos, siempre que éstos no se dañen.

El éxito que tuvo por entonces la exposición de Belzoni en Londres hace que el museo pida a Salt la colección.  Pero como sus objetos no son considerados obras de arte, sólo le ofrecen 2.000 LE.  Por esta mísera cantidad vende solo una parte, quedándose con la tapa del sarcófago de Seti I, que ahora se encuentra en el Soane’s Museum.  Sólo por esta pieza cobra lo mismo que por el resto de la colección vendida al Montague House.

La construcción del actual edificio es obra de Robert Sammit.  En origen no tuvo el aspecto actual, sino que fue ampliándose a medida que las obras fueron incrementándose. 

La primera construcción es la actual galería de estatuaria de 1843.  En el piso superior aloja las piezas menores, así como los sarcófagos y momias.

Samuel Birch organizó el material por fichas y códigos numéricos:

ES = esculturas egipcias del 1 al 1000
ER = no esculturas del  10.000 al 10.999
pero esta numeración pronto resulta insuficiente con la llegada de manuscritos y papiros, donados sobre todo por Anthony Harris.

En 1870 nace una nueva numeración (JE) seguida del número correlativo de llegada.  La numeración sigue a cargo de Birch.  En 1955 se separan en dos departamentos el Próximo Oriente Asiático y Egipto, y se cambia la numeración a la actual EA (Egyptian Antiquities).

Bajo la dirección de Wallis Budge llegan distintos papiros, entre ellos el famoso Papiro de Ani. 
 Por aquel entonces se crea igualmente la Egypt Exploration Society.

El Museo Británico cuenta en la actualidad con unas 75.000 piezas egipcias.


·                         Principales piezas de la Colección
·                         1.- Estatua-bloque de Sennefer
·                         2.- Pareja sin identificar
·                         3.- Busto colosal de caliza de Amenhotep III
·                         4.- Evidencia de la persecución oficial de la historia de un faraón
·                         5.- Estatua de granito de Sesostris III
·                         6.- Estatua de Jaemuaset en conglomerado de arenisca
·                         7.- León de granito rojo de Amenhotep III
·                         8.- Estatua de caliza pintada de Nenkheftka
·                         9.- Hombre Predinástico
·                         10.- Sarcófago interior de Henutmehyt
·                         11.- Sarcófago exterior de Bakenmut
·                         12.- Sarcófago dorado de Henutmehyt (exterior)
·                         13.- Placa de momia de Henutmehyt
·                         14.- Historia de la conservación de la Piedra Rosetta
·                         15.- La Piedra de Shabako
·                         16.- Barca de granodiorita con una estatua de Mutemuia como diosa Mut
·                         17.- Página del Libro de los Muertos de Hunefer
·                         18.- Maqueta mostrando la fabricación del vino, del pan y una carnicería
·                         19.- Busto Colosal de Ramsés II, el joven Memnón



http://www.egiptologia.com/museos-y-exposiciones/77-museos-del-mundo/1036-la-coleccion-egipcia-del-museo-britanico-de-londres.html?start=3





















PADRE – Joan Manuel Serrat

Padre
decidme qué
le han hecho al río
que ya no canta.
Resbala
como un barbo
muerto bajo un palmo
de espuma blanca.
Padre
que el río ya no es el río.
Padre
antes de que llegue el verano
esconded todo lo que esté vivo.
Padre
decidme qué
le han hecho al bosque
que ya no hay árboles.
En invierno
no tendremos fuego
ni en verano sitio
donde resguardarnos.
Padre
que el bosque ya no es el bosque.
Padre
antes de que oscurezca
llenad de vida la despensa.
Sin leña y sin peces, padre
tendremos que quemar la barca,
labrar el trigo entre las ruinas, padre,
y cerrar con tres cerrojos la casa
y decía usted…
Padre
si no hay pinos
no habrá piñones,
ni gusanos, ni pájaros.
Padre
donde no hay flores
no se dan las abejas,
ni la cera, ni la miel.
Padre
que el campo ya no es el campo.
Padre
mañana del cielo lloverá sangre.
El viento lo canta llorando.
Padre
ya están aquí…
Monstruos de carne
con gusanos de hierro.
Padre
no, no tengáis miedo,
y decid que no,
que yo os espero.

Padre
que están matando la tierra.
Padre
dejad de llorar
que nos han declarado la guerra.

                                          Padre - Joan Manuel Serrat



Madre luz – José Pedroni


Oh luz, principio claro, causa eterna del hombre:
santificado sea tu milagroso nombre.

Oh luz, gracia absoluta, lleno simple y fecundo
dulce estado de amor alrededor del mundo:

Te debo la dulzura de mis días serenos
y el estupor azul de mis dos ojos buenos.

Te debo la alegría de ser hombre, y de amar,
y de tocar la tierra _que es pura_, y de soñar.

Oh luz, bendita seas por todo lo cumplido:
por el pan, por el agua, por la flor, por el nido. . .

Por la madre que canta, por el niño que llora,
por lo que he sido antes, por lo que soy ahora.


Oraciones Panteístas 

Capricho español, op. 34, de Nikolai Rimski-Korsakov


Seguramente resulta injusto que la figura de Anfrei Nikolaievich Rimski-Korsakov nos sea familiar casi exclusivamente en base a este Capricho español y a lasuite Scherezade. Ambas obras datan del mismo año (1885), época en la que Rimski trabajaba como director adjunto de Balakirev en la capilla imperial de San Petersburgo. Para entonces ya había completado y estrenado tres óperas propias: Iván el Terrible, Una noche de mayo y Snegurochka (además, se había ocupado de completar y editar diversas composiciones de Glinka y Mussorgski y pronto lo haría con las que Borodin había dejado inconclusas). En el terreno sinfónico, Rimski llevaba compuestas tres grandes sinfonías, una Sinfonietta, el Concierto para piano, la Fantasía sobre temas rusos y también se había estrenado con fortuna en la música de cámara.
Es harto conocido el motivo de inspiración que tuvo Rimski para componer el Capricho español. Cuando en 1862 finalizó sus estudios navales permaneció embarcado en un buque escuela durante tres años, visitando las costas de Escandinavia, Inglaterra, América y el Mediterráneo. En el transcurso de aquellos viajes el músico escuchó y anotó gran cantidad decanciones populares. La elaboración de este material no se hizo, por supuesto, según unos postulados de investigación científica, sino que más bien podemos decir que Rimski se sirvió del “aroma” exótico de ritmos y giros populares para, a partir de una cita muy localizada, construir fantásticos monumentos de orfebrería sonora. Hay en esta música, por otra parte, una considerable carga de refinada sofisticación en el manejo de los timbres, que para algún comentarista llega incluso a prefigurar el futuro impresionismo. No es fácil, sin embargo, extraer de una partitura como la del Capricho español una imagen trascendente de las considerables aportaciones que hizo Rimski al desarrollo de la armonía: por ejemplo, en la Snegurochka emplea la superposición de dos acordes de quinta aumentada, lo que le lleva a establecer las seis notas de la escala de tonos incluso antes de que lo hiciera Debussy. Por no hablar de las modulaciones que anuncian ya a Shostakovich, en la obertura de La ciudad invisible de Kiteg, o del empleo de múltiples acordes aumentados, en El inmortal Katschei. Todo ello no se hace presente en la colorista paleta sonora del Capricho español, un excelente ejemplo de aquello que Kant denominara “artes del bello juego de las sensaciones”.
Artículo extraído del libro de Gonzalo Badenes “Programa en Mano” editado por Rivera Editores.


http://www.riveramusica.com/blog/partituras/capricho-espanol-rimski-korsakov



Nikolai Rimski-Korsakov: El marino que quiso ser músico


* Nacido el 18 de marzo de 1844 en Tijvin, Novgorod
* Fallecido el 21 de junio de 1908 en Liubensk
 Nikolai nació 22 años después que su único hermano, Voin, y cuando su padre, Andrei, ya se encontraba jubilado de su cargo oficial. En la familia todos eran aficionados a la música, especialmente su tío Piotr, y el padre sabía tocar algunas viejas melodías al piano. Con seis años recién cumplidos, Nikolai recibió sus primeras nociones musicales de parte de una vecina anciana y luego de una institutriz que le puso en contacto por primera vez con las obras de Beethoven. El pequeño demostró poca aptitud para el piano aunque un excelente oído para la composición. Pero a los doce años, y siguiendo la tradición de su familia, Nikolai ingresó en la Armada Rusa pese a los consejos contrarios de su hermano mayor. De esta manera, en julio de 1856, Nikolai llegó por primera vez a San Petersburgo para ingresar en la Escuela de Cadetes Navales.
 Aunque el adolescente Nikolai fue un cadete de atenta e intachable conducta, no por ello abandonó la música. Durante dos años aprovechó los fines de semana para estudiar piano y composición en casa de un amigo de su hermano Voin. Además, en San Petersburgo pudo asistir a numerosas representaciones operísticas, mostrando siempre un enorme interés por las obras de Glinka. Por otra parte, en 1859 Nikolai asistió también a numerosos conciertos sinfónicos y descubrió a Beethoven y a Mendelssohn. Pero era Glinka quien realmente seguía fascinándole hasta el punto de que intentó orquestar algunas obras que tenía de dicho compositor para piano. Durante ese mismo año, Nikolai fue admitido como alumno en las clases de Théodore Canille, un extraordinario pianista que además era un apasionado admirador de Glinka. Canille realizó un soberbio trabajo con el joven Nikolai, dándole a conocer a casi todos los compositores centroeuropeos románticos e iniciándole en el mundo de las formas musicales. Fue en la propia casa de Canille donde Rimski conoció a Balakirev, un compositor dotado ya de cierto prestigio. Balakirev animó al muchacho a continuar con sus bocetos compositivos a pesar de que su formación musical cojeaba ostensiblemente. A estas reuniones pronto se sumaron un tal Mussorgski, cuyos fundamentos musicales eran muy similares a los de Rimski, y César Cui. Aquellos jóvenes coincidieron en algo: Glinka era su modelo de música y adoraban también a Schumann. Por contra, Liszt y Wagner les producían la mayor de las indiferencias.
 En 1862, Rimski salió de la Escuela Naval y fue destinado a la fragataAlmas, que se preparaba para un largo crucero. El barco estuvo cuatro meses fondeado en Inglaterra y Rimski no dejó de componer a bordo pese a que el buque no disponía de piano (en ocasiones tocaba el piano en algún café londinense). De Inglaterra el buque partió rumbo a los EEUU y Brasil, primeramente, para abordar la vuelta a Europa por España, Francia e Italia. Hemos de señalar que Rimski era por entonces un profesional del mar y que la música sólo constituía un simple entretenimiento para él. Ya de vuelta en San Petersburgo, Rimski se puso de nuevo en contacto con el grupo, al que se había sumado Alexander Borodin. Fue entonces cuando Rimski estrenó su Sinfonía en mi bemol menor en el marco de la Escuela Libre de Música que había fundado Balakirev. La gente se quedó alucinada al ver a un joven con uniforme de marino saliendo a recibir los calurosos aplausos. De esa misma época es su Obertura sobre temas rusos. Rimski trató de mejorar su técnica al piano — que en absoluto consiguió — aunque ya empezaba a despuntar como un extraordinario orquestador. En 1867 compone una Fantasía sobre temas serbios y el cuadro musical Sadko, inspirado en Berlioz, quien había visitado Rusia recientemente. Ambas obras, estrenadas por Balakirev ahora como flamante director de la Sociedad Musical Rusa, lograron unánimes elogios. Un año después, y en casa de Dargominski en donde se reunían los miembros del Grupo de los Cinco Rusos (Rimski, Balakirev, Cui, Borodin y Mussorgski) Rimski conoció a Nadieschda Purgold, una bellísima pianista con la que se casó cuatro años más tarde. Antes de acabar 1868, Rimski compuso Antar, un poema en cuatro movimientos también conocido como Segunda Sinfonía.
 En 1871, Rimski recibió la visita del nuevo director del Conservatorio de San Petersburgo, quien le propuso una interesante oferta: La cátedra de composición e instrumentación, y la clase de orquestación con un sueldo de 1.000 rublos. El compositor, pese a sus escasos conocimientos de armonía y de numerosa terminología básica, aceptó el insólito ofrecimiento. A pesar de que al principio pasó algunos apuros, poco a poco se fue consagrando como el mejor profesor de composición que nunca haya dado Rusia. También en 1871 Rimski pasó a ocuparse del cargo de Inspector de las Bandas Navales, propio de sus todavía obligaciones militares. El compositor se mostró tan comprometido con el trabajo que incluso llegó a estudiar algunos instrumentos de viento. Sin embargo, durante esta época Rimski se volvió más academicista y por ello recibió el reproche de algunos de sus compañeros, especialmente de Balakirev, con quien mantuvo una fuerte discusión que terminó por romper para siempre la amistad entre ambos.
 En 1880 Rimski estrenó la ópera Noche de mayo, con escaso éxito, pese a lo cual se enfrascó en otra titulada La doncella de nieve. Luego de orquestar Khovanchina de Mussorgski, Rimski acometió su Concierto para piano. En 1882 abandona la dirección de la Escuela Libre, cargo que también había asumido junto con la cátedra de composición en el conservatorio, y comenzó a colaborar con la Capilla Imperial. Un año después Rimski fue apartado de su trabajo de Inspector de Bandas Navales al suprimirse dicho cargo. Mientras, el Grupo de los Cinco Rusos se disolvió inexorablemente: Mussorgski había fallecido; Cui mostraba escaso interés y Balakirev no se hablaba con Rimski. Sólo Borodin, acompañado de Stasov, acudía a las tertulias que organizaban sus ex-alumnos. Por entonces, un aficionado adinerado, Mitrofan Belayev, comenzó a asistir a dichas reuniones y consiguió que algunas obras musicales fuesen editadas en Leipzig, además de fundar él mismo su propia editorial. En 1885 Belayev organizó los Conciertos Sinfónicos Rusos y puso a Rimski como director. Este fue el origen de sus grandes obras sinfónicas: Capricho español, La gran Pascua rusa y Sheherezade, compuestas entre 1887 y 1888. En 1887 murió Borodin y Rimski también orquestó algunas de sus obras, como El príncipe Igor (con la ayuda de Glazunov).
 En el verano de 1889, Rimski visitó París para participar en unos conciertos de música rusa patrocinados por Belayev. La relación con los músicos franceses de la época — Delibes, Massenet — no fue en absoluto cordial. Un año antes Rimski había conocido La Tetralogía de Wagner en San Petersburgo y se quedó del todo admirado por esa magna obra. En 1890 el compositor sufrió el duro golpe de la muerte de sus dos hijos y ello conllevó que prácticamente no escribiese nada hasta 1894, en donde terminó su ópera Nochebuena y arregló su cuadro Sadko para presentarlo también en forma de ópera. La producción operística siguió en 1897 con el estreno de Mozart y Salieri. En 1903 Belayev murió y encargó a Rimski, Glazunov y Liadov la administración de su fortuna, enteramente dedicada a la música. Dos años después, en 1905, Rimski fue expulsado del conservatorio al protestar contra el autoritarismo de su director. En 1906 Rimski terminó sus memorias y acometió su última ópera, El gallo de oro, censurada por sus críticas a los zares y a la aristocracia, y que sólo se representó a la muerte del compositor. Por esta misma época rechazó el nombramiento de doctorhonoris causa por la Universidad de Oxford. El 21 de junio de 1908, una repentina angina de pecho terminó con la vida de Rimski en su residencia veraniega de Liubensk. Dos días después su cuerpo fue enterrado en San Petersburgo.
 La música de Rimski-Korsakov, en gran parte basada en temas del folklore ruso, es célebre por su brillante y colorida orquestación. Rimski compensó siempre sus lagunas académicas con un extraordinario talento musical que le hacía absorber las nuevas técnicas con suma facilidad. Su dominio de la orquesta fue extraordinario y su teórico Tratado de orquestación se ha convertido en la obra de referencia de dicha materia. Con apenas 30 años, sin título académico previo, fue el profesor más versado de Rusia y un maestro al que deseaban tener todos los jóvenes compositores. Siempre evitó la aridez y el aburrimiento, haciendo gala de una enorme brillantez y de un contrastado dominio técnico. Entre sus alumnos más distinguidos se encontraron Stravinski y Prokofiev.


http://leitersblues.com/2011/01/nikolai-rimski-korsakov-el-marino-que-quiso-ser-musico/


jueves, 2 de octubre de 2014

Antes de amarte - Pablo Neruda




Antes de amarte, amor, nada era mío,
vacilé por las calles y las cosas,
nada contaba ni tenía nombre,
el mundo era del aire que esperaba.

Yo conocí salones cenicientos,
túneles habitados por la luna,
hangares crueles que se despedían,
preguntas que insistían en la arena.

Todo estaba vacío, muerto y mudo,
caído, abandonado y decaído,
todo era inalienablemente ajeno,

todo era de los otros y de nadie,
hasta que tu belleza y tu pobreza
llenaron el otoño de regalos.





                                                                    Antes de amarte - Pablo Neruda