CANCIONES CON HISTORIA: MONEY / PINK FLOYD

"Money" es una canción de la banda Pink Floyd que forma parte de uno de sus discos mas vendidos, el famoso The Dark Side of the Moon editado en 1973. Fue la unica canción del album que llego al top 20 en los Estados Unidos. Fue escrita por Roger Waters.

Uno de los detalles mas llamativos de "Money" es que fue compuesta en 7/4 (segun palabras de Waters y David Gilmour), mientras la mayoría de las canciones del rock están compuestas en 4/4 y on algunas excepciones que son en 3/4.
Durante el solo de guitarra la canción cambia a 4/4, luego vuelve a 7/4 y termina en 4/4 nuevamente. Esto se hizo por que David Gilmour pensó que sería muy complicado escribir el solo en 7/4.
Estos cambios de tiempo le dan a la canción un dinamismo muy atractivo. La progresión de acordes está dada en un twelve bar blues, en La menor. Dos versos en twelve bar son seguidos es de una sección instrumental en twelve bar conjuntamente con un saxofón tenor estilo funk, teclados, bajo y batería.

Roger Waters había hecho una versión demo en su casa, que él mismo describía como "correcta y muy inglesa", en The Making Of The Dark Side Of The Moon, muy distinta a la blusera y editada en el disco.
Aunque está acreditada a Roger Waters, ya que escribió la composición y las letras, es realmente una pieza de todo el grupo: los cambios de tiempo que logró David Gilmour, Dick Parry con su solo de saxofón y Richard Wright y Nick Mason improvisando sus partes en el estudio. Con respecto a Dick Parry,este era un gran amigo de David Gilmour, el cual fue compañero de su anterior banda Jokers Wild.

La apertura fue compuesta en una base a 7/4 y fue armada luego de grabar cada sonido por separado (eso que se escucha en el intro), una hoja de papel rompiéndose, la apertura de una caja registradora y una bolsa de monedas cayendo. Se grabó cada sonido en una cinta distinta y se fueron superponiendo unos con otros, y grabándose hasta lograr completar el collage de sonidos.
Con respecto a la letra, esta trata sobre el dinero, el consumismo y sus propiedades para corromper los ideales de las personas,todo bajo un tono irónico que se mantiene en toda la canción. En el fondo, refleja la visión socialista sobre el dinero que tiene Roger Waters.

De 1972 hasta 1975 "Money" fue la canción principal de los shows para promocionar el album en vivo y fue tocada varias veces al termino de los shows durante la gira 1977. En esas últimas actuaciones la banda llegaba a tocar el tema con 12 minutos de duración.
Una versión mas larga de la canción se realizó durante la gira en solitario de David Gilmour por EE.UU. en 1994 promocionando su disco About Face.
Roger Waters también ha incluido esta canción regularmente en sus giras.

En 1981, Money fue regrabada para el álbum recopilatorio A Collection of Great Dance Songs, porque Capitol se negó a cederle los derechos a Columbia Records en Estados Unidos.
David Gilmour se encargó de tocar cada uno de los instrumentos, salvo el saxofón para el cual llamó a Dick Parry nuevamente, y la canción se grabó en New Roydonia Studios.

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2009/03/money-pink-floyd.html

HAPI

Nombre egipcio: Hep   Nombre  griego: Hapi
Representación: Humano, con barriga, pechos que cuelgan o humano con 2 dos cabezas de oca.

Personificación de la crecida del Nilo y de los beneficios que aporta. Su nombre antiguo, Hep, pudo ser el nombre que en tiempos predinásticos se le dio al Nilo.

Los egipcios creían que el Nilo emergía entre dos montañas, llamadas Qer-Hapi y Mu-Hapi, llamadas Qer-Hapi y Mu-Hapi, que hay entre las islas de Elefantina y Filé o de una gruta en las proximidades de Asuan, pero no tenían idea de cómo se producía la inundación; por ello era venerado como "Padre de los dioses" y "Vivificador"; era también el dios que presidía la estación de Ajet.
Se pensaba que residía cerca de las cataratas, en una cueva de Bigeh, con su séquito de dioses y su harén de diosas rana.
En el aspecto de creador del universo fue identificado con Osiris y con Nun.
Era la idealización de la fecundidad y la fertilidad; llevaba una bandeja o una mesa de ofrendas, que representaba los bienes que la crecida anual aportaba a Egipto; también podía llevar dos vasos que simbolizaban a los dos Nilos.
Su importancia fue tal que se le dedicó uno de los himnos más bellos, el "Himno a Hapi", creado durante el Reino Medio.

Se representa como un hombre barbudo y barrigón, con la piel verde o azul y con pechos de mujer caídos, llevando como única ropa el ceñidor de los barqueros; a veces, en vez de cabeza humana tenía dos cabezas de oca contrapuestas, como aparece en el templo de Sethy I en Abydos, muro Oeste.
Como dios del Nilo Norte llevaba una planta de papiro en la cabeza siendo conocido como Hap-Meht;y así era esposo de Uadyet.
Como dios del Alto Egipto llevaba una planta de loto sobre la cabeza y era conocido como Hap-Reset, haciéndosele esposo de Nejbet.
Cuando representaba en Nilo en su totalidad incluía tanto el papiro como el loto.
A veces llevaba en el pelo y en la mano una rama de palmera para llevar el cómputo de los años, ya que la inundación de Nilo, que podía ser la vida o la muerte de los egipcios, se producía anualmente.
También aparece con dos cabezas de oca contrapuestas, como en el templo de Sethy I en Abydos.
Se le adoraba especialmente en Elefantina y en las capillas que marcaban las fases de la navegación, unas cien a lo largo del río.
Los antiguos egipcios asociaban a Hapi con la zona de Dyebel Silsilah, donde hay capillas rupestres dedicadas a este dios.
Aunque no tuvo templos dedicados a su culto, aparece en la mayoría de los relieves de templos dedicados a otras deidades.

En la leyenda de Osiris se encargó de arrastrar el cofre que contenía el cuerpo de Osiris hacia el mar. No obstante Hapi no era un dios más sino que localmente se le dió el papel de creador del Universo y estaba asociado a Osiris y a Nun.

http://www.egiptologia.org/mitologia/panteon/hapi.htm

HIMNO AL NILO

¡Salud oh Nilo, a ti que murmurando,
la tierra ciñes a tu amor rendida,
y en paz te acercas sosegado y blando
a dar a Egipto bendición y vida!
¡Eres buen Dios y el valle refrigeras
donde Osiris los cármenes inflama
y tan copioso, que del sol pudieras
entre tus ondas apagar la llama!
¡Del cielo bajas por oculta vía
y al prado, hierba y flores renuevas,
donde el ganado innumero se cría,
que en tu corriente deliciosa abrevas!
¡Eres Dios Seb, amigo de los panes,
del hombre suaves y sabrosos dones,
y dios Nepra, que colma los afanes
y es propicio a piadosas oblaciones!
¡Dios Ptah, todos los sitos iluminas
y rey de peces de brillante escama,
cuando cubres llanuras y colinas
huyendo el ave tu poder proclama!
Nutre él la tierra de fecundo grano
Y en rubia mies se adorna la llanura,
Y altares dando al bienestar humano,
Duración a los templos asegura.
Da reposo a las manos; si decrecen
Sus aguas, gimen cuantos de él esperan;
En el cielo los dioses se estremecen
En el suelo los hombres desesperan.
Toda la tierra ha abierto y dilatado,
Y, por sustento, da prados risueños
A la ágil cabra y tardo buey cansado,
Y reparan los grandes y pequeños.
Si se retarda, invócalo; aparece
Entonces como Khnum, creador del mundo,
Y la vida se esparce y se adormece,
Toda la tierra en bienestar profundo.
Pasa, y en pos en el Egipto deja
La semilla de espléndidos manjares,
Y retoña la vid tostada y vieja
Y florecen las palmas seculares.
Él, la ofrenda nos brinda generoso
Que lleva al sacrificio el pueblo inmenso;
Y es más puro, más grato y oloroso
Cuando él lo riega, el transparente incienso.
Ambas comarcas del Egipto inunda,
Y al dejar la llanura y el otero,
El rico fruto almacenado abunda
Y de trigo feraz se hincha el granero.
Germina, y de los pobres es trofeo;
El cauce ensancha y en su curso crece,
Y aún cuando colma universal deseo,
No se agota jamás, ni se empobrece.
¿Cómo representarlo? ¡Qué estatuario
un dios tan gigantesco esculpiría
¿ y cómo alzarle un templo? ¿Qué santuario
tanta grandeza contener podría?
¡Ah! Su origen se ignora, o si se agita
con las arenas del desierto en guerra,
o si su inmenso corazón palpita
en las hondas entrañas de la tierra.
¡Oh Nilo! Por ti se han perpetuado
de tus hijos las mil generaciones;
en el sur eres siempre venerado,
en el norte recibes bendiciones.
¡Tus lágrimas embebes sin enojos
por el dolor del hombre, en ti vertidas,
y las devuelves luego ante sus ojos
en abundancia y bienes convertidas!

http://www.egiptodreams.com/RHimnoNilo.htm

Los árboles mueren de pie (obra teatral)

Los árboles mueren de pie es una obra teatral del dramaturgo español Alejandro Casona y pertenece a la literatura contemporánea española.

Contexto

Estrenada en el Teatro Ateneo de Buenos Aires (Argentina), el 1 de abril de 1949, la obra podría fundamentarse en la misión de la propia institución que se representa: sembrar ilusión y que, según palabras del propio autor puestas en el protagonista, es:

«Una misión tan digna por lo menos como sembrar trigo.»

Mauricio

Sinopsis

El señor Balboa (abuelo) tenía un nieto desalmado al que, en su momento, tuvo que echar de casa (hecho que ocultó a su esposa). Desde entonces él mismo se hacía llegar cartas que en teoría se las mandaba su nieto a la abuela (su esposa). El nieto real decide volver a su hogar (en busca de dinero) pero el barco en el que venía naufraga. Balboa contrata a un imitador y hacedor de ilusiones benéficas (Mauricio) en conjunto con una linda muchacha (Isabel), para que finja ser el nieto perdido y «su feliz esposa» ante la abuela; los alecciona y logra que den el pego.

Pero... llega por sorpresa el malvado y verdadero nieto, que no ha muerto como se creía. Por fin, la abuela se entera del engaño, pero decide no comentarlo al imitador ni a la muchacha, como agradecimiento por los días felices que le han hecho vivir y, en definitiva, con el mismo objetivo que la pareja y la institución de Mauricio habían ido a realizar allí: hacer realidad ilusiones.

Personajes

Listado de personajes de la obra y los actores que los interpretaron en los estrenos de Argentina y España, respectivamente.

·                    Personajes principales:

·                                Isabel o Marta-Isabel: Luisa Vehil y Lola Cardona.

·                                Abuela: Amalia Sánchez Ariño y Milagros Leal.

·                                Mauricio: Esteban Serrador y Luis Prendes.

·                                Sr. Balboa: Francisco López Silva y Francisco Pierrá.

·                    Personajes secundarios: Helena (secretaria), Amelia (mecanógrafa), Genoveva, Felisa (doncella), el Otro.

·                    Personajes terciarios: El Pastor- noruego, el ilusionista, el cazador, el ladrón de ladrones y el otro.

Cito y tiempo

La mayor parte de la obra transcurre en la casa del abuelo Balboa, menos en el principio, donde comienza la primera escena en la oficina del imitador, siendo bien reproducida con grandes telones y muebles antiguos tanto la casa como la oficina, donde ambientan el tiempo hacia mediados del siglo XX.

Los árboles mueren de pie (película)

Los árboles mueren de pie es una película de Argentina realizada en1951, dirigida por Carlos Schlieper, con guion del dramaturgo Alejandro Casona basado en su obra teatral homónima. El filme, que combina larealidad y la fantasía. pertenece a la Época de Oro del Cine argentino. Una obra que pasa por la emoción, la risa, la ternura y el drama. Su rodaje original se encuentra en blanco y negro.

Wikipedia

Los Arboles Mueren De Pie (Libro)

El teatro impresionista y simbólico de Alejandro Casona (1903-1965) consigue, en Los árboles mueren de pie, una de las piezas más brillantes por el juego de dos mundos: el de los deseos y el de la realidad.
Si, en los protagonistas, hay un rechazo del realismo por su exceso de brutalidad, y una aceptación de la fantasía como sustituto, al final los personajes, con un gesto de energía humana, comprenderán que aceptar esa realidad, aunque dolorosa, es la forma más hermosa y digna de vivir la existencia. Los árboles mueren de pie es una de las piezas en que mejor se combina la realidad y la fantasía de Alejandro Casona, de quien en esta colección han aparecido La dama del Alba, La sirena varada y Nuestra Natacha (N° 135) y La barca sin pescador y Siete gritos en el mar (N°150).

EDAF

Los árboles mueren de pie – Alejandro Casona

http://img2.timg.co.il/CommunaFiles/17472436.pdf

Gracias por la música - Abba

Soy muy sencilla
y algo aburrida tal vez
las bromas que sé, me salen seguro al revés
pero hay un talento, en mí singular,
y es que la gente me escucha al cantar,
y me hace feliz,
orgullosa lo puedo anunciar, por eso:

Quiero dar las gracias
a las canciones
que transmiten emociones
quiero dar las gracias
por lo que me hacen sentir, debo admitir
que con la música vale vivir
por eso quiero dar las gracias,
por este don en mí 

Todos decían que fuí una niña precoz
bailé y canté, sobresalí por mi voz
y hoy me pregunto cual es la razón
¿por que siempre gana la gran atención,
una simple canción?
si se hace con el corazón, por eso:

Quiero dar las gracias
a las canciones
que transmiten emociones
quiero dar las gracias
por lo que me hacen sentir, debo admitir
que con la música vale vivir

Por eso quiero dar las gracias,
por este don en mí 

¡que suerte tuve!
soy tan dichosa al cantar
quiero que todos disfrutemos juntos
¡que feliz! ¡que placer! Exclamar:

Quiero dar las gracias
a las canciones
que transmiten emociones
quiero dar las gracias
por lo que me hacen sentir, debo admitir
que con la música vale vivir
por eso quiero dar las gracias,
por este don en mí 

Por eso quiero dar las gracias,
por este don en mí

Jacques Offenbach I: Orphée aux Enfers

Culminamos nuestro ciclo de los Orfeos, claro que no agotamos la cantidad de obras ya sean ópera, ballet o música instrumental, sobre esta historia de amor truncado por la muerte. Con una Ópera Bufa, o sea una comedia. Offenbach puso música a una parodia sobre la historia de Orfeo, en esta parodia, Orfeo y Euridice se detestan, en realidad Euridice está enamorada de Aristeo ( otro pastor que en realidad es el mismo dios Plutón, quien la mata para raptarla ), Orfeo al encontrar a su mujer muerta salta de alegría, pero aparece la Opinión Pública ( el que dirán ) y esta obliga a Orfeo a ir primero al Olimpo para solicitar ayuda a los decadentes y aburridos Dioses.

Con su estreno de Orphée aux enfers el 21 de octubre de 1858 en el Théâtre des Bouffes-Parisien, por supuesto en París, Offenbach comenzó su exitosa carrera como compositor de óperas y -más importante aun- inició un nuevo género musical que seguiría dando deliciosos frutos hasta entrado el siglo XX, otra vez el tema de Orfeo comienza una nuevo capítulo en la historia de la música.

El propio tema de los dioses mitológicos 'desmitificados', los 'héroes en zapatillas', se convertirían en un recurso típico y tópico, que había sido relativamente popular en época greco-romana, pero que había desaparecido a favor de una visión heroica que llega hasta la actualidad

Sobre el tema de 'Orfeo', tan importante musicalmente, Offenbach hace una parodia del mito que se convierte al mismo tiempo en una sátira del régimen de Napoleón III a base sobre todo de 'travestir' a los personajes, lo que quiere decir vestir a los personajes con un vestuario que no es el suyo y les proporciona un rol distinto al original. Pero por supuesto esa parodia no tiene sentido si al mismo tiempo no es posible seguir siendo conscientes del rol primitivo o esperable. Así que la 'Opinión Pública' se convierte en una señora que va a la compra, que es una de las ocasiones aptas para escuchar a la opinión pública, aunque por supuesto habla como el coro griego al que está parodiando, con un vocabulario culto y términos latinos entreverados. Y 'travestida' está también la historia, de forma que aunque sigue siendo ella, también es al mismo tiempo la historia moderna, que transcurre en época napoleónica y con un argumento muy típico del siglo XIX, que tiene poco que ver con los intereses clásicos.

Claro que en el montaje de Wernicke esto se complica aun más, porque la historia pretende moverse en un triple espacio temporal y argumental: además de mantener reconocible el mundo de los dioses griegos, y el napoleónico, también se hace una obra de la actualidad. El 'travestismo' es doble, los personajes mezclan en sus ropas y comportamientos el siglo XIX con la actualidad, pero manteniendo reconocible también la historia clásica. ¡Menos mal que la ópera es una obra de 'arte total' y permite mezclar un telón de fondo de figuras clásicas, con una música decimonónica y un vestuario que podría ser de finales del siglo XX!. Y permite además que el telón de fondo no sea exactamente copia de uno romano o griego, sino un evidente pastiche estilo finales del XIX, aunque este tipo de murales aun se sigan usando en decoraciones actuales.

http://benditalamusica.blogspot.com.ar/2010/04/jacques-offenbach-i-orphee-aux-enfers.html

“Orfeo ed Euridice” de Christoph Willibald Gluck

Orfeo y Eurídice es una ópera en tres actos del compositor alemán Christoph Willibald von Gluck (Erasbach, 1714 – Viena 1787), con libreto de Raniero de Calzabigi basada en el mito de Orfeo, y fue estrenada en el Teatro de la Corte de Viena el 5 de octubre de 1762.

Tiene una estructura sencilla basada sólo en tres personajes, ballet y coro, siendo la primera pieza de la reforma operística planeada por Gluck.

La reforma gluckiana afectó a la estructura de la obra: no hay recitativos “secos”, sino sólo acompañados por la orquesta. Las arias son sencillas y sin la estructura tripartita de la ópera seria (aria da capo) excepto la última, Che faro senza Euridice, universalmente alabada por su belleza. Pese a su intento de eliminar a los cantantes “de exhibición”, Gluck se vio obligado a utilizar al castrato del teatro imperial vienés para el papel principal.

Años más tarde, al presentar esta ópera en París, con libreto francés de Pierre-Louis Moline basado en el de Calzabigi, completó la reforma, cambiando el castrato protagonista por un tenor. Esta versión es más completa, porque Gluck redondeó la escena de los Campos Elíseos. El estreno de esta versión, tuvo lugar en París el 2 de agosto de 1774.

Personajes

·                                 Orfeo — mezzosoprano, contralto o tenor (según la versión)

·                                 Eurídice — soprano

·                                 Cupido — soprano

·                                 Pastores y ninfas, furias y espectros del infierno, 
héroes y heroínas de los Campos Elíseos, seguidores de Orfeo — Coro

Argumento

La acción se desarrolla en la Grecia mitológica.

ACTO I

Montículo de la costa helénica en el cual está emplazado un túmulo funerario. El afligido Orfeo llora con desconsuelo sobre la marmórea losa que cubre los restos mortales de su amada Eurídice, fallecida recientemente. Coreado por los amigos que le han acompañado hasta el fúnebre lugar, canta una conmovedora aria (Chiamo il mio ben). Orfeo está dispuesto a realizar cualquier sacrificio, por enorme que sea, a afrontar el más espantoso peligro, con tal de rescatar de su tumba a su hermosa prometida. Así lo ofrece a los dioses en un heroico recitado en el cual les invoca suplicante y les increpa al mismo tiempo, por lo crueles que con él han sido. Como respuesta a sus palabras, se le aparece el dios Amor, que acude a su conjuro.

Éste informa al desesperado mancebo que el omnipotente Zeus ha oído sus lamentos e imprecaciones y enternecido por su dolor le permite llegar hasta el mundo lejano e invisible de los dioses y las furias, en donde podrá luchar para recobrar a su amada. Primeramente deberá vencer la resistencia de Plutón y los espíritus malvados que le rodean, quienes tratarán de impedirle la entrada a la mágica región; para luchar con ellos no debe emplear otra arma que el encanto de su voz y la seducción de sus canciones. Otra advertencia importante es la de que, una vez encuentre a Eurídice, debe tener en cuenta que para efectuar felizmente su rescate no puede en ningún caso volver la vista atrás para contemplarla, hasta que hayan atravesado las aguas pestilentes de la laguna Estigia; de no hacerlo así, su prometida moriría irremisiblemente. Orfeo acoge con gran júbilo el mensaje de los dioses, dándoles las gracias por haber atendido su ruego e implorando su ayuda para la arriesgada empresa que va a iniciar.

ACTO II

Cueva sombría que sirve de entrada al averno. Aparece Orfeo, el cual es amenazadoramente recibido por las Furias que habitan en la lobreguez del antro, condenadas a montar guardia eternamente. Ellas le insultan por su osadía de haber llegado hasta allí y tratado de penetrar en aquel infernal paraje cuyo paso está vedado a los mortales. Las amenazas son cada vez más inquietantes con repetidos gritos de ¡No!, el atemorizado Orfeo trata de calmarlas (Deh! placatevi), y recordando las palabras del dios Amor, recurre a su arma como cantante entonando una dulce canción en la que expresa su infinita pasión por Eurídice y la honda pena que le ha causado su muerte. Amansadas por el hechizo de la música y el son cristalino de la voz del cantante, las Furias se apiadan de sus pesares y finalmente ellos dejan paso a la nueva emoción que ahora sienten (Ah!, quale icognito affetto), y para que pueda encontrar a su amada, le permiten entrar en el terrible reino cuyo única puerta de acceso custodian. Se abren las puertas de los Campos Elíseos, valle paradisíaco, en donde los espíritus bienaventurados vagan libremente gozando por una eternidad de la paz y dicha que han merecido sus vidas ejemplares. Se escucha la Danza de los Espíritus Benditos, quienes, conducidos por uno de ellos, cantan su alegre existencia en este bello lugar (Questo asilo).

Aparece Orfeo, prosiguiendo su peregrinaje en busca de Eurídice. El coro de seres angelicales, le saludan dándole la bienvenida. Informados del deseo que le ha traído hasta allí, van en busca de su amada y se la presentan. Orfeo, al percibir la sombra adorada intenta abrazarla, loco de dicha, pero recordando la severa advertencia del dios Amor, se abstiene de ello y tomando a Eurídice de la mano se la lleva del grupo de espíritus, mirando en dirección opuesta y conduciéndola hacia los confines del valle en donde se encuentran la laguna Estigia y la salida del reino de las sombras, mientras los Espíritus Benditos los contemplan y animan a Eurídice a volver (Torna, o bella). Ella le sigue dócilmente, aunque muy extrañada de la inexplicable actitud de su amado, que en vez de demostrar su contento por el encuentro, la arrastra brutalmente sin prodigarle ni una sola mirada de afecto.

ACTO III

Interior de un espeso bosque. Orfeo, que ha soltado por un instante la mano de su prometida, continúa avanzando en su camino sin detenerse y llamando a Eurídice para que le siga, pues sabe que las pantanosas aguas de la fatídica laguna no están lejos y no quiere perder tiempo en atravesarlas y alejarse de una vez de aquellos parajes de maldición. Mas la intrigada doncella, que continúa sin comprender el porqué de aquel extraño comportamiento, está celosa por lo que juzga desdén en la aparente indiferencia de su amado (Che fiero momento).

Deteniéndose de pronto, se niega a dar un paso más si éste no la mira y le jura que la quiere, pues es preferible regresar a donde estaba que retornar al mundo de los vivos sin poseer su cariño. Orfeo trata en vano de resistir a este amoroso llamamiento. Olvidando la prohibición de los dioses y no obedeciendo más que al impulso de su corazón de enamorado, se vuelve repentinamente y estrecha a Eurídice entre sus brazos. Inmediatamente la bella muchacha desfallece sin vida.

http://www.fiorellaspadone.com.ar/operas/argumentos/orfeo-y-euridice.html

 

L'Orfeo de Claudio Monteverdi

L'Orfeo de Claudio Monteverdi se estrenó al comienzo del carnaval de 1607, el 24 de febrero de ese año, en el palacio de Mantua, y produjo una fuerte impresión. El comienzo de la fiesta indudablemente brillante en cuyo marco tuvo lugar el estreno lo constituyeron unas fanfarrias que el compositor creó para su señor, el duque Francesco Gonzaga. Esta fecha se ha establecido como el nacimiento de la ópera, Monteverdi con su favola in musica estableció para siempre las pautas del nuevo género con un revolucionario tratamiento dramático y musical.

Favola in música en un prólogo y cinco actos. Texto de Alessandro Striggio.

Personajes: La Música o la musa de la música (mezzosoprano o soprano); Orfeo (barítono o tenor); Eurídice (soprano); una mensajera (mezzosoprano o soprano); la Esperanza (mezzosoprano o soprano); Proserpina (mezzosoprano o soprano); Caronte (bajo); Plutón (bajo); Apolo (barítono); una ninfa (soprano); pastores, espíritus, sombras.

Lugar y época: Grecia y las regiones subterráneas del mundo de los espíritus, en una antigüedad mítica.

Argumento: El prólogo transcurre en la corte del duque de Mantua. Allí anuncia la duquesa, vestida como la Música (o la musa de la música), que contará a todos los presentes una fábula. Como tema elige la leyenda de Orfeo, el poeta mítico cuya música era capaz de conmover a los animales salvajes, a las piedras e incluso a los poderes del mundo subterráneo.

En el acto primero, Orfeo y Eurídice celebran sus bodas y las ninfas y pastores los rodean danzando con alegría. Antes de su unión definitiva los dos amantes deben separarse una vez más por un breve tiempo, a fin de pedir la bendición y el auxilio de los dioses.

En el acto segundo, Orfeo recorre Tracia cantando alegremente. Piensa en la época en que vivía triste allí, pues su amada Eurídice todavía no le había dicho que le correspondía. Aparece una mensajera y anuncia que Eurídice ha muerto mordida por una serpiente venenosa mientras recogía flores. Sin vacilar, Orfeo parte para rescatar del mundo subterráneo a su amada, sin la cual no habrá vida para él, o para quedarse junto a ella para siempre en el reino de las sombras. La Esperanza conduce a Orfeo por ese difícil camino.

En el acto tercero, Orfeo ha alcanzado las puertas del tenebroso reino. La Esperanza debe abandonarlo allí: así lo estipulan las leyes. Caronte se niega a transportar a Orfeo por el río de los muertos; sin embargo, no puede resistirse al canto de Orfeo y cae en un ligero sueño. Orfeo empuña los remos y se dirige hacia las regiones vedadas a los mortales.

En el acto cuarto, Orfeo se encuentra frente al soberano del mundo subterráneo. Proserpina, la esposa de Plutón, ruega a éste se le conceda lo que pide el poeta. Plutón consiente en el regreso de ambos amantes a la superficie. Solamente pone una condición: Orfeo no debe mirar a Eurídice en ningún momento durante el regreso. Su firmeza debe sufrir difíciles pruebas; las Furias rodean a la pareja y amenazan a Eurídice. Desesperado, Orfeo se vuelve para mirarla, entonces la figura de Eurídice desaparece en la niebla, se pierde para siempre.

El acto quinto nos muestra al consternado Orfeo, que vive otra vez en Tracia, cuyo espíritu recuerda incansablemente a Eurídice, en medio de un salvaje dolor. Por último, Apolo se apiada de él y lo convierte en una estrella que brilla para siempre en el cielo. Conmovidos, los pastores alaban su amor fiel y su arte inolvidable.

Fuente: La leyenda de Orfeo, cantada y expresada en imágenes infinidad de veces: supremo canto al amor, símbolo del poder de la música.

Libreto: El Renacimiento, y el origen de la ópera, estrechamente ligado a él, vieron en esta leyenda el tema ideal para un drama musical. Alessandro Striggio redactó la favola con bellos versos.

Historia: La ópera se estrenó al comienzo del carnaval de 1607, posiblemente el 22 de febrero de ese año, en el palacio de Mantua, y produjo una fuerte impresión. El comienzo de la fiesta indudablemente brillante en cuyo marco tuvo lugar el estreno lo constituyeron unas fanfarrias que Monteverdi compuso para su señor, el duque Francesco Gonzaga. Puesto que muchos de los instrumentos utilizados por el compositor fueron sustituidos poco después por otros “más modernos” y cayeron en el olvido, la obra fue interpretada en épocas posteriores con instrumentos que no hacían justicia a su belleza. Sólo en nuestra época, muy interesada por conocer las épocas lejanas de la historia de la música, se ha llegado a reconstruir con la mayor fidelidad posible los instrumentos antiguos. Hoy en día se vuelven a utilizar violines barrocos, que en vez de las modernas cuerdas de metal emplean cuerdas de tripa, violas tenor, violines piccoli, de gamba, violones, guitarrones, arpas antiguas, flautas dulces de diferentes registros, chirimías, cornetas, trombones barrocos, dulzainas y por supuesto también el clavicémbalo. De esa manera logramos una amplia aproximación a la sonoridad que creó Monteverdi y que parece haberse puesto en práctica por primera vez en esta ópera.

http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/pera/l-orfeo-de-claudio-monteverdi/