jueves, 9 de octubre de 2014

Bruckner. Sinfonía nº 8. Sergiu Celibidache. Orquesta FBruckner. Sinfonía nº 8. Sergiu Munich. 1990. Tokio.

Poco voy a comentar de la excepcional e increíble interpretación recogida en el cideo. Sinceramente de lo más bello que ha realizado Celibidache con Bruckner, excepcional. Manifiesto también de entrada que mi preferida sigue siendo la de Jochum con la Sinfónica de Bamberg (la antigua Orquesta Filarmónica Alemana de Praga) que me resulta insuperable, pero dicho esto, ya saben que es cosa de gustos y manías, la interpretación de Celibidache recogida en este disco es algo excepcional, único, soberbio y que resulta realmente difícil de entender que pueda lograrse tal maravilla.

Y es maravilla en todo. En su concepción global, en su fraseo, en su construcción, en el detalladísimo análisis y exposición de temas, en la ejecución vibrante y emocional de los muniqueses, en la elasticidad inacabable de Celibidache, en su manejo del concepto sonido-tiempo, en su "imposible" manejo de la orquesta en unos ritmos y tempos que harían que en manos de cualquier otro se desmoronase todo y resultara un verdadero bodrio infumable (perdonen la expresión).

Comenzada en 1884, después de terminar su Séptima Sinfonía y tras la euforia de su éxito, la Sinfonía nº 8 tiene un devenir más complicado que su predecesora. Terminada en un principio en 1887, fue rechazada por Hermann Levi, quien tuvo un papel determinante en el triunfo de la Séptima y que al no comprender la nueva obra estuvo a punto de llevar a Bruckner, que raras veces estaba satisfecho consigo mismo y que entendía su nueva obra como un verdadero logro musical, a un estado anímico realmente pésimo. Bruckner realizza una larga revisión que dura dos años, tras la que la obra conoce un gran éxito en su estreno en Viena el 18 de diciembre de 1892 en los atriles de la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la batuta de Hans Richter. Es ampliamente conocido que se la calificó como de sinfonía de las sinfonías o cumbre de la sinfonía romántica. Y merecido era.

La versión de 1887 inicial es algo más larga en duración que las demás. Su carácter es más austero al reducir de tres a dos las maderas. El estreno de esta versión lo dirigió Hans-Hubert  Schönzeler en la BBC en 1973 y está basada en la Edición de Nowak de 1972.

Posteriormente se conserva también un trabajo intermedio de Bruckner que afecta al movimiento lento exclusivamente y se fecha en 1888.

La versión que más frecuentemente se interpreta es la de 1890 en la que Bruckner realiza cambios que para muchos estudios o bien no son propios o se realizan por las presiones de amigos y colaboradores (Schalk sale a relucir) en un intento de hacerla más al gusto brahmsiano. Sin embargo otros estudiosos como Nowak consideran que no hay una mano diferente a la de Bruckner en las anotaciones de la partitura. La obra en esta versión de 1890 es mucho más plena y grandilocuente que la de la versión original, de mayor contundencia y monumentalidad sin dejar de lado la elaboración de unas armonías y texturas sutiles y claras, particularmente en los instrumentos de madera. Leopold Nowak publicó esta edición en 1955.

Una edición posterior de 1892 realizada en gran parte por Schalk es la que sirve para el estreno en Viena de la obra teniendo cortes y añadidos bastante numerosos en el final. Bruckner parece que autorizó su publicación.

Posteriormente existe otra edición en este caso de la mano de Haas que toma la versión de 1890 y añade numerosos pasajes de la de 1887 al considerar que habían sido alterados o eliminados por las sugerencias  y presiones de Schalk, Levi y otros. Esta Edición Haas se publicó en 1939 y compite en preferencia con la de Nowak de 1890. Muchos la acusan de tener demasiado trabajo propio de Haas, escribiendo muchas partes, acotando otras y reelaborando muchas secciones.

En el caso concreto de la interpretación de Celibidache este elige la versión de 1890 en la Edición Nowak de 1955. Y los resultados son realmente poderosos, espectaculares, brillantes, sin excesos de grandilocuencia pero si de marcado e intenso poder musical. La ejecución no tiene desperdicio. Todo está en su lugar. Los temas son fraseados de manera prodigiosa, expuestos con una claridad meridiana a un tempo imposible pero que te permite seguir todo el desarrollo, los metales resultan impactantes, la percusión sorprendente, las cuerdas excepcionales (¿quién dijo que la Filarmónica de Munich era una orquesta de medio nivel?), de una tersura, empaste, sedosidad y energía realmente sorprendentes.

Y por encima de todo ello está la figura mágica de Celibidache. Un maestro que paladea esta música y la hace propia, la asume como suya y la reelabora a su sabio entender, con sus conceptos de tiempo, espacio, momento y sonoridad; con su habilidad para deshacer la música mientras la compone como si deshojara una margarita a la que volviera a colocar sus bellas hojas blancas reconstruyéndola. Me quiere ahora, no me quiere luego, la coloco aquí, la traslado allá de forma que al final tiene la misma margarita pero aún más bella que al inicio. Ha pasado por las manos de un artista, de un florista de las notas que hace ramos maravillosos en su conjunto final.

Indescriptible, impresionante, irrepetible (nunca mejor dicho, jamás tenderemos otra visión así), demoledora, contundente, conmovedora e impactante. Con cotas de inspiración y de grandeza que quizá nadie haya logrado. Realiza un meticuloso desmenuzamiento de la partitura, sin perder en absoluto la visión del conjunto por otro lado elaborado con una solidez aplastante.

El sonido bruckneriano de Celibidache emerge de forma natural,  es organístico, robusto, profundo gracias a unas cuerdas e instrumentos graves siempre muy presentes, de empaste primoroso. No resulta ampuloso, es contundente, fuerte, de impresionante marcha dinámica a tempos lentísimos. Estamos ante una traducción no fatalista del todo pero si profundamente arraigada en el ser humano y en el más allá de Bruckner, una visión casi cósmica del mundo, donde hay acatamiento de la desesperanza sin rebeldía enmarcada en una angustia demoledora pasada por el tamiz del conocimiento y la experiencia vital del propio Celibidache. Sensacional.

http://juliosbv.blogspot.com.ar/2012/11/bruckner-sinfonia-n-8-sergiu.html


Concierto para violín de Schumann


Una obra prácticamente desconocida del compositor Robert Schumann es su Concierto para violín en re menor. Fue compuesto en 1853, poco antes de la crisis nerviosa que llevaría a Schumann a perder la razón, a su intento de suicidio, al encierro en un hospital para enfermos mentales... y finalmente a la muerte en 1856, tras pasar sus últimos años en tan horrible situación.

Estamos entonces ante una postrera obra de Schuman... el punto es: tiene la calidad de sus mejores composiciones? Definitivamente no, si bien guarda méritos suficientes. Schumann divaga a veces sin razón en su música en este concierto; el pobre llegó a decir que el espíritu de Félix Mendelssohn acudió para dictarle los temas. Joseph Joachim, virtuoso del violín (luego colaborador de Brahms), no se decidió a publicar el concierto que le fue dedicado, precisamente por su relativa calidad musical. De hecho, no se estrenaría hasta 1937.

A pesar de estos vaivenes, es interesante conocer esta obra de Schumann, que si bien no se encontraba ya en su mejor momento, nos regala todavía bella música, con muchos toques de inquietud.

 


http://carlosb1975.blogspot.com.ar/2006/11/concierto-para-violn-de-schumann.html




miércoles, 8 de octubre de 2014

Dime - (Atribuido a J.L.Borges) 


Dime por favor donde no estás 
en qué lugar puedo no ser tu ausencia
 
dónde puedo vivir sin recordarte,
 
y dónde recordar, sin que me duela.
 

Dime por favor en que vacío,
 
no está tu sombra llenando los centros;
 
dónde mi soledad es ella misma,
 
y no el sentir que tú te encuentras lejos.
 

Dime por favor por qué camino,
 
podré yo caminar, sin ser tu huella;
 
dónde podré correr no por buscarte,
 
y dónde descanzar de mi tristeza.
 

Dime por favor cuál es la noche,
 
que no tiene el color de tu mirada;
 
cuál es el sol, que tiene luz tan solo,
 
y no la sensación de que me llamas.
 

Dime por favor donde hay un mar,
 
que no susurre a mis oídos tus palabras.
 

Dime por favor en qué rincón,
 
nadie podrá ver mi tristeza;
 
dime cuál es el hueco de mi almohada,
 
que no tiene apoyada tu cabeza.
 

Dime por favor cuál es la noche,
 
en que vendrás, para velar tu sueño;
 
que no puedo vivir, porque te extraño;
 
y que no puedo morir, porque te quiero.




Canciones con historia: THE POWER OF LOVE / HUEY LEWIS AND THE NEWS

"The Power of Love" es una canción de la banda estadounidense Huey Lewis and the News, que fue lanzada como single en Junio del año 1985 y que además forma parte de la banda sonora de la famosa película "Back to the Future".
Esta banda californiana, que no sólo debe ser reconocida por formar parte de esa gran cinta, empezó su camino por el año 1979, cuando lanzando uno que otro Ep de escasa popularidad y poca promoción en los medios. Pero con la llegada de la nueva década las cosas empezaron a cambiar, y su mezcla de Rock, Pop y algo de Jazz empezó a tomar fuerza fuerza hasta que llegaron a la cresta de la ola gracias al disco "Sports", considerado como su "joya" musical allá en el año 1983. Con ese disco la fama empezó a estar de su lado y dejaron los bares y la incomodidad de andar siempre en autobus para pasar a tocar en escenarios gigantes, recorrer el país y sonar en las radios. "Sports" llega a la casilla #6 del Billboard, y canciones como "Heart and Soul", "I Want a New Drug"  y "If this is it"quedan en la retina musical de los 80's tanto por su calidad musical como por sus divertidos videoclips que pasaban constantemente en la cadena MTV.

Eran esos días en que la banda disfrutaba de gran popularidad, y los medios de comunicación se rendían a sus pies ante cada single y actuación en vivo. Todo eso llevó a que apareciera en escena Bones Howes, quien estaba trabajando como supervisor musical para una nueva cinta, y donde estaba compartiendo créditos junto a Stephen Spielberg, Robert Zemeckis y Bob Gale. La película en cuestión era "Back to the Future", y en esos días ya estaba en la etapa final de producción.
Howe llegó a la casa de Lewis con el fin de proponerle participar en la banda sonora y hacer, incluso, un cameo en alguna escena que aún estaban sin grabar. Tras una larga conversación, Lewis aceptó la oferta  y le enseñó una canción que tenía lista y que podría ser útil para la cinta: Se trataba de "Nick Of Time".

La canción dejó muy satisfechos a Howes y a Zemeckis, y cuando ya estaban a punto de incluirla en la cinta, aparecieron unas trabas legales que tenía Lewis con otra productora, a la cuál también había cedido esta canción y tuvieron que dejarla de lado. Finalmente la canción fue usada en los créditos finales de la cinta Brewsters Millions y con la brillante interpretación de Patti LaBelle. Todo este enredo provocó el enojo de los productores de "BTTF", quienes se quejaron personalmente con Lewis. Pero el músico y cantante, que no quería perder esta oportunidad,  les aseguró que tenía otra canción en carpeta, y que incluso era mucho mejor que esa que ya les había enseñado: Se llamaba "The Power Of Love".

La historia de esta canción empieza en el año 1984, cuando Lewis viajó a Los Ángeles a visitar a su amigo Alex Call, con quien había participado en la banda Clover. Durante esa visita, Lewis le comentó a su amigo que estaba escribiendo una especie de balada llamada "Power of Love" pero cuya parte musical aún estaba inconclusa, y por ello ambos músicos empezaron a trabajarla por unas cuantas horas logrando un resultado más que decente.  Años después Call comentaría que la canción tenía cierto parecido con una pieza que estaba escribiendo en ese entonces y que se la había enseñado a Lewis y que llevaba. Si bien no lo acusa de plagio, si se ríe al recordar que por ultimo lo hubiesen incluido en la tajada monetaria de los créditos, aunque recibe un 10% de ganancia por ser, supuestamente, el creador de título (aunque no aparece en los créditos en el single ni mucho menos en el album). "Meses después me di cuenta que estaba fuera del trato. Era muy parecida a una canción que tenía escrita. Huey y yo habíamos tocado esa pieza juntos, siempre la interpretábamos en mi estudio. Esa canción realmente podría ser mia, aunque parezca una locura, ya que la música la escribieron dos brillantes compositores como Johnny Colla y Chris Hayes quienes realmente hicieron la música, según los créditos" comentaría Call en el año 2010.
Además, Call agregaría que " en las bandas de rock, en su mayoría, se decide por no colocar a todos dentro de los derechos de autor. En este caso, ellos no colocaron mi nombre debido a que yo estaba afuera de ese círculo. Creo que ellos sabían que esta canción iba  a ser un gran éxito y por esa razón no querían que alguien externo al grupo apareciera en los créditos. Si bien estuve muy molesto en los primeros meses, con el paso de los años ya me resigné a recibir solo ese pago. Eso si, si hubiera aparecido en los créditos probablemente seguiría viviendo en Los Angeles, y yo odio esa ciudad".

El 30 de Mayo del año 1985, cuando la cinta ya estaba en la etapa final en cuanto a producción, la canción fue grabada. Para asegurar las escenas donde esta canción iba a aparecer y darle confianza a los productores de que esta vez la canción iba a salir perfecta y sin ningún lío externo con otras empresas, la banda les cedió la canción  "I Want a New Drug " como una pista temporal (algo asi como un "seguro"). Finalmente esta canción también convencería a los productores y tendría su lugar en la película...

Esta canción cuenta con la participación especial de los Tower of Power, una banda de funk y Soul que tras su declive en cuanto a fama y éxitos a mediados de los setentas empezaron a trabajar como músicos de sesión y acompañamiento en vientos, donde destacan en trabajos con artistas de la talla de Santana, Heart, America, Elton John entre tanto otros.
Pero a mediados de los ochentas, esta banda liderada por Emilio Castillo pasaba por su peor momento. El trabajo se hacía escaso y los contratos les hacían mas de algun regateo hasta que apareció en escena Lewis, quien no sólo los invitó a participar en el disco Sport, sino que además los llevó de gira y además  les cedía cierto espacio entre los conciertos para que mostraran sus canciones y así le hicieran honor a la nostalgia.

"The Power of Love" llegó a la cima del Billboard Hot 100 el 29 de Junio del año 1985, siendo el primer "number one" de la banda. Mientras que en el Reino Unido esta canción llegó al puesto #9 del UK Singles Charts, y además fue incluida dentro del tracklist del cuarto disco de la banda, Fore!, en 1986. Por si fuera poco, y tras el rotundo éxito de la cinta, la canción se ganó a una nominación al Oscar como mejor canción original.

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2014/01/the-power-of-love-huey-lewis-and-news.html




La historia desconocida tras la película “Volver al futuro”

¿Sabía que la cinta estuvo a punto de titularse “el hombre venido de Plutón” y que el mejor amigo de "Doc" Brown era un chimpancé?

La película “Volver al futuro”, película de culto donde las haya, no necesita mayor presentación y su argumento es conocido por todos: Marty Mc Fly, un joven adolescente de 17 años vive en el pueblito americano de Hill Valley, junto a su familia, encabezada por su padre George, un fracasado y tímido hombre de poco carácter con un empleo mal pagado que debe soportar los constantes abuso de su jefe Biff Tannen, quien desde la secundaria le ha hecho la vida imposible. En sus ratos libres Marty ayuda en sus experimentos al estrafalario profesor Emmet L. Brown, quien ha creado una máquina del tiempo en un auto deportivo DeLorean.
Durante un experimento con el auto y en medio de un incidente con unos terroristas libios que quieren apoderarse del plutonio del carro para fabricar una bomba nuclear, Marty se refugia en el auto, lo enciende y viaja accidentalmente hacia el pasado, en 1955. Allí, de nuevo en Hill Valley, se encontrará con su padre, un adolescente perdedor que siente timidez frente a las mujeres y que es víctima de bullyng escolar por parte de algunos abusivos compañeros, encabezados por el insoportable Biff Tannen. El problema es que también conocerá a su madre, quien empieza a acosarlo románticamente, lo que empieza a cambiar el presente y el futuro de Marty, pues si sus dos padres no se enamoran y se casan, él nunca existirá. Así que Marty debe acudir al mismo “doc” Brown, 30 años más joven, para que no sólo lo ayude a juntar a sus padres sino que también le permita volver al futuro.

La historia de esta película nació de una curiosa ocurrencia de Bob Gale, su creativo guionista. Gale se reponía en su hogar del fracaso comercial de su película “Autos usados” (1980), que había escrito con su amigo y socio, el director Robert Zemeckis. Aburrido, se puso a revisar los objetos antiguos de su familia. “Allí cayó en mis manos el anuario escolar del colegio de mi padre. De repente me enteré que había sido el delegado de clase y empecé a preguntarme cómo me habría llevado con él si hubiéramos compartido aula, porque yo siempre fui de los que habían odiado a ese tipo de mamones. Y ahí saltó la chispa”. Zemeckis relató que “cuando Bob me lo contó, lo primero que pensé fue en hacer un chiste fácil y picante ¿Y te imaginas que tu madre, que jura y perjura que jamás besó a un chico en la primera cita, fuera la chica fácil del colegio? Sólo había una manera de averiguarlo: hacer una película que tratara de viajar en el tiempo”.

A principios de 1981 Robert Zemeckis y Bob Gale ofrecieron a todas las productoras de Hollywood su flamante guión, ya por entonces llamado “Regreso al futuro”, pero nadie les hacía caso. Sólo Steven Spielberg, que había financiado las dos primeras películas de la dupla, parecía apoyarlos. Afortunadamente, Zemeckis tuvo un golpe de suerte: se anotó el primer éxito comercial de su carrera al dirigir “Dos bribones tras la esmeralda perdida”, una de las comedias de aventuras más exitosas de los años 80’ (el protagonista y productor, Michael Douglas, había visto “Autos usados” y había luchado por tener a Zemeckis en la dirección). Así que ahora las productoras se peleaban al novel director.

Con Spielberg en la producción y con el financiamiento parcialmente asegurado, el guión de la película tuvo una gran modificación: el viaje en el tiempo se haría en un automóvil deportivo DeLorean y no en un refrigerador, tal como estaba contemplado en el guión original. “Queríamos acabar la película con la máquina del tiempo aterrizando en el patio de la familia McFly, y era realmente difícil que un refrigerador aterrizara de una manera plástica. Además, había otro problema: Si la película tenía éxito, existía el peligro que nos niños comenzaran a meterse en los refrigeradores de sus casas, con el peligro que ello conlleva. Así que pensamos: Si vas a viajar al pasado, hazlo con estilo”.

El jefe de los estudios Universal, Sid Sheinberg, quien había ganado mucho dinero gracias a Steven Spielberg con la película “E.T. El extraterrestre”, accedió a financiar “Volver al futuro”, pero puso cuatro condiciones: que no llamaran al científico Emmet L. Brown “profesor”, que la madre de Marty Mc Fly se llamara Lorraine (como su esposa), que “Einstein”, la mascota del “Doc”, no fuera un chimpancé como aparecía en el guión original, y que la película se llamase “El hombre venido de Plutón”. Spielberg, Zemeckis y Gale accedieron a las dos primeras condiciones, se negaron de plano a la última y, con respecto a la tercera, le preguntaron a Sheinberg qué problema tenía con los chimpancés. “He hecho un estudio y jamás una película con un chimpancé ha tenido éxito”; respondió Sheinberg. “¿Y qué me dice de las películas de Clint Eastwood “Duro de pelar” y “La Gran pelea”, donde aparece un chimpancé?”, le preguntó Zemeckis. “Eso no es un chimpancé, es un orangután”, zanjó el productor, quien al final se salió con la suya. La mascota del profesor Brown sería un perro, llamado por cierto “Einstein”.

La llegada de Michael J. Fox
El siguiente problema fue encontrar al actor preciso para que encarnara a Marty McFly. Debía ser un actor gracioso, con carisma y ángel, que pudiera salir airoso de la famosa escena en que Marty es acosado románticamente por su propia madre: “Me daba escalofríos pensar en la escena en que la madre de Marty intenta besarlo en el estacionamiento. Pensamos que el único actor que nos servía era Michael J. Fox, pero lamentablemente él estaba atado contractualmente con la serie “Lazos Familiares”. Así que tuvimos que elegir un plan B”, relata Steven Spielberg.

El plan B se llamaba Eric Stoltz, un joven actor que acababa de protagonizar la película “Máscara”, de Peter Bogdanovich (y que nueve años más tarde personificaría al pelilargo Lance, el dealer que le vende heroína a John Travolta en la aclamada cinta “Pulp Fiction”). Steven Spielberg cuenta que la idea de elegir a Stolz parecía una buena idea, pero terminó siendo un fiasco: “Stoltz no era gracioso. Era un gran actor, pero no funcionaba en los gags. Vimos 45 minutos de la película y nos dimos cuenta que, si él seguía como protagonista, aquello sería un desastre. Ya habíamos gastado como cinco millones de dólares, así que decidimos retomar el plan inicial. Gary Goldberg, el creador de “Lazos Familiares”, era mi mejor amigo, así que le expliqué que necesitábamos a Michael J. Fox sí o sí, porque estábamos en una situación límite. Finalmente accedió a cedernos a Michael, siempre que no interfiriese con el rodaje de los capítulos de “lazos Familiares”. Esto significó que Michael tenía que llegar al plató a las seis de la tarde y rodar con nosotros hasta las dos de la madrugada. Sólo dormía tres horas. Todavía no sé cómo lo consiguió. Fue una locura”.

Michael J. Fox, pese a las escasas horas de sueño, entregaría una notable interpretación, en parte porque notó varias similitudes entre su personaje de Marty McFly y su propia etapa como estudiante: «Todo lo que hacía en la preparatoria era patinar, salir con chicas y tocar en bandas. Siempre soñé con convertirme en una estrella de rock», dijo el actor.
La película, una vez terminada, pasó por la siguiente etapa: las pruebas con público en el Hitchcock Theatre, algo que puso demasiado nervioso al guionista Bob Gale: “Se suponía que ese teatro estaba maldito, porque ninguna película que se pre estrenaba allí funcionaba. Cuando le manifesté mis temores a Sheinberg, este me dijo: “Patrañas, el problema es que esas películas eran malas, no como la nuestra, es que es graciosa y buena”. En efecto, “Volver al futuro” era tan graciosa y buena que Sheinberg decidió adelantar el estreno en un mes, para estrenarla a principios de julio, el fin de semana más importante de Estados Unidos.

Éxito mundial
El esfuerzo valió la pena. Después de cuatro semanas en cartelera, la película desbancó del primer lugar de la taquilla a “Mad Max II” y fue programándose en más y más cines. Al cabo, además de las excelentes críticas, fue la cinta más vista del año 1985 (recaudaría más de 380 millones de dólares en todo el mundo), y arrastró a la cinta “Teen wolf”, conocida en Chile como “Travesuras de un lobo quinceañero” y también protagonizada por Michael J. Fox, a ser la segunda más taquillera de ese año.
Las críticas de todo el mundo coincidieron en que “Volver al Futuro” era una gran película. Eric Henderson, de la revista Slant Magazine, por ejemplo, consideró que era “una película logísticamente hermosa y una confluencia casi inhumanamente perfecta de lógica interna y fuerzas externas [...] Probablemente el blockbuster mejor cuidado en su guion en toda la historia de Hollywood», mientras que la revista Variety elogió las actuaciones, centrándose especialmente en las de Fox y Lloyd cuyos personajes, Marty y “Doc” Brown, le recordaron la estrecha relación que guardaban el Rey Arturo y Merlín.
Para encumbrar todavía más la cinta, la canción central, “The Power of love”, interpretada por Huey Lewis and the news, alcanzó los primeros lugares de los rankings. El mismo Huey Lewis realizó un divertido cameo en el filme, como el serio maestro de la escuela que rechaza a la banda de Marty por tocar de forma demasiado ruidosa.
La cinta sorteó exitosamente el paso de los años. En el 2007, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la eligió para ser preservada en el National Film registry y en el 2008 el American Film Institute la catalogó como la décima mejor película de ciencia ficción de todos los tiempos en su listado AFI’s 100 Top 10.
A casi 30 años del estreno comercial de “Volver al futuro”, la película ha envejecido dignamente y sigue cautivando a grandes y chicos. Pero ¿Por qué triunfó en su momento “Volver al futuro” y hoy es considerada, por muchos, como una verdadera película de culto? Andrew Sheil y Robin Stoate, dos de los mayores estudiosos de la película, afirman que el encanto de la cinta radica en que hace del viaje en el tiempo una historia intergeneracional, que encandiló en su momento tanto a los fans de Michael J. Fox como a sus padres, nostálgicos de su juventud. Además, la película estaba ambientada en 1955, el último año antes de la revolución contracultural en Estados Unidos, cuando todavía se vivía feliz y en paz después de la guerra, cuando los blancos comienzan a bailar con la música de los negros y cuando Estados Unidos comenzó a ver a los jóvenes como objetos dignos de su atención, con actores emblemáticos como James Dean y su película “Al este del paraíso”.

El impacto de “Volver al futuro” en la cultura pop de Norteamérica alcanzó incluso a la política. Un año después del estreno de la película, cuando la cinta ya triunfaba en el mundo entero, el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan, mientras hablaba en el Congreso sobre el estado de la nación en 1986, decía que “Nunca ha existido un tiempo mejor para estar vivo, para alcanzar cotas de heroicidad y maravilla. Como dicen en la película “Volver al futuro”: “A donde vamos, no necesitamos carreteras”.
Lo irónico es que en la misma película aparece un gracioso gag sobre el mismo Ronald Reagan quien, antes de ser presidente de los Estados unidos, en su juventud, tuvo una conocida carrera como actor. Cuando Marty Mc Fly viaja accidentalmente desde 1985 a 1955 a bordo del deportivo DeLorean, lo primero que hace es tratar de ubicar en su pueblo natal de Hill Valley al “Doc” Brown, su mejor amigo y creador de la máquina del tiempo, para que lo ayude a volver al presente.

El “Doc”, 30 años más joven, tras ver por primera vez a Marty, lo toma por un chiflado y se resiste a creer que venga del futuro. Así que, para probar que dice la verdad, le pregunta quién es el presidente de Estados Unidos en 1985. Marty, bastante confiado, le responde de inmediato: “Ronald Reagan”.
“¿Qué? ¿Qué el presidente es Ronald Reagan? -responde airado el “doc”- ¿El actor? ¿Y quién es el vicepresidente? ¿Jerry Lewis?”.

http://www.guioteca.com/los-80/la-historia-desconocida-tras-la-pelicula-volver-al-futuro/

Volver al futuro - Banda sonora
http://www.youtube.com/watch?v=qOLBOIYEZWM&list=PL13E0FA400B5A4FC2


Canciones con historia: Argentina  - DE MÚSICA LIGERA / SODA STEREO

"De música ligera" es una famosa canción de la mítica banda argentina Soda Stereo. Esta canción fue publicada como single para promocionar el "discazo" Canción Animal que fue publicado un 20 de Diciembre de 1990.

Considerada por muchos fanáticos como una de las mejores canciones de esta banda trasandina, Fue escrita por su lider creativo y guitarrista, Gustavo Cerati con la idea principal de homenajear a la música y su creación durante los sueños y pensamientos simplemente...con buena música.

En una entrevista sobre las mejores canciones del rock argentino, para el portal"Rock.com.ar", Cerati menciona que "De Musica Ligera es una de las canciones mas instantáneas que que escrito" y además señala: "Lo primero que siempre escribo es el estribillo, que aquí fue: “de aquel amor de música ligera”. Después habla de la música en sí: “ella durmió al calor de las masas y yo desperté queriendo soñarla”. ¡Es eso, es la música hablando! Entre nosotros sentíamos y sabíamos que ese tema iba a reventar. A veces lo sentís eso. Y por la forma tan instantánea en que salió fue como si la hubieran tocado diez mil grupos antes. Quizás no fue así... ¡la tocaron diez mil grupos después!"

El concepto de "Musica ligera" tuvo su origen cuando Cerati encontró una colección de discos llamados "Clásicos ligeros de todos los tiempos" que estaba en un estante de la casa de sus padres. De ahi en adelante empezó a pensar la canción, hasta llegar a la idea de componer una canción cuya música fuera simple, común y a la vez tenga tintes clásicos todo esto bajo un espiritu muy ligero. De esa forma Cerati creó un riff, y a partir de ese riff empezó a trabajar ocn la banda en el estudio de grabación.

Musicalmente esta canción suena similar a varias canciones del rock europeo y norteamericano, debido a que sus acordes son típicos del rock y el jazz. La influencia de esta canción, al parecer, nace principalmente de "Michelle" del grupo holandés Clan of Xymox.

El baterista Charly Alberti mencionó en una entrevista: "De música ligera es una de las canciones mas emblemáticas e importantes de Soda. Surgió en un momento en el que nosotros estábamos como a la vanguardia. Cuando grabamos Canción Animal, no existía la música alternativa. Estábamos haciendo algo nuevo, se podría decir que no sólo a nivel nacional, sino que también competíamos con la música de afuera. Antes de ese disco, la música de Soda era otra cosa. Apareció Canción Animal con ese sonido de guitarras, y fue un antes y un después".

Esta canción pasó a la historia del rock latino y del rock argentino como una canción emblemática y casi un himno continental. Ademas, con esta canción se dejó en claro que Soda Stereo no se quedaria pegado en los sonidos y peinados ochenteros y que eran capaz de adaptar su música al cambio de década, logrando asi alargar su gran leyenda ritmica...

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2009/12/de-musica-ligera-soda-stereo.html


SOMBRA - Vicente Huidobro  

La sombra es un pedazo que se aleja
Camino de otras playas
En mi memoria un ruiseñor se queja
                    Ruiseñor de las batallas
                    Que canta sobre todas las balas
             HASTA CUANDO SANGRARÁN LA VIDA
La misma luna herida
No tiene sino una ala
                              El corazón hizo su nido
                              En medio del vacío
Sin embargo
           Al borde del mundo florecen las encinas
Y LA PRIMAVERA VIENE SOBRE LAS GOLONDRINAS

De Poemas árticos, 1918