Miguel de Cervantes Saavedra

El insigne escritor, gloria de las letras españolas, nació el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares (Madrid). Cuarto hijo del cirujano Rodrigo de Cervantes y de Leonor de Cortinas. Cuando contaba 4 años de edad se trasladó con su familia a Valladolid, ciudad donde estaba afincada la corte del rey de España, Felipe II. En el año 1561 la corte fue trasladada a Madrid, en donde la familia Cervantes se traslada también. Poco se sabe de los estudios que cursara Miguel en su infancia y adolescencia, pero no parece que fueran los que hoy llamamos universitarios. Se sabe que asistió a un colegio de jesuitas pero se ignora la ciudad, aunque se sospecha que fue durante su estancia en Valladolid. Ya en Madrid, parece ser que fue maestro suyo Juan López de Hoyos, destacado literato de la época. Con poco más de veinte años se fue a Roma al servicio del cardenal Acquaviva. Recorrió Italia, se enroló en la Armada Española y en 1571 participó con heroísmo en la batalla de Lepanto, "la más grande ocasión que vieron los siglos". En la batalla de Lepanto, que es donde comienza el declive del poderío turco en el Mediterráneo, formaban el frente cristiano: la marina española; el estado del Vaticano; y el estado de Venecia. Allí fue en donde Cervantes, a consecuencia de un disparo de arcabuz recibido en el pecho y en el brazo izquierdo, perdió gran parte de la movilidad de éste, por lo que fue llamado el Manco de Lepanto.

El 26 de septiembre de 1575, cuando regresaba a España, los corsarios asaltaron su barco en la desembocadura del río Ródano, le apresaron y llevaron a Argel, donde sufrió cinco años de cautiverio. Cervantes quedó libre después de que unos frailes trinitarios pagaran por él un rescate, el 19 de septiembre de 1580. A su regreso a Madrid encontró a su familia en la ruina. Cuando contaba 37 años de edad se casa en Esquivias (Toledo) con Catalina de Salazar y Palacios, de 19 años; arruinada también su carrera militar, intenta sobresalir en las letras. Y publica la novela "La Galatea" (1585) y lucha, sin éxito, por destacar en el teatro. Sin medios para vivir, es destinado a Andalucía como comisario de abastos y recaudador de impuestos para la Armada Invencible. Allí acaba en la cárcel, acusado de irregularidades en sus cuentas. También fue excomulgado por tres veces ante el intento de cobrar a la iglesia los impuestos que ésta estaba obligada a satisfacer.

En 1605 publica la primera parte del Quijote; el éxito dura poco. En 1606 regresa a Madrid, en donde vive con apuros económicos y se entrega a la creación literaria. En sus últimos años publica las "Novelas ejemplares" (1613), el "Viaje del Parnaso" (1614), "Ocho comedias y ocho entremeses" (1615) y la segunda parte del Quijote (1615). El triunfo literario no lo libró de sus penurias económicas. Dedicó sus últimos meses de vida a "Los trabajos de Persiles y Segismunda" (de publicación póstuma, en 1617). Murió en Madrid el 23 de abril de 1616 y fue enterrado de caridad.

Cervantes centró sus primeros afanes literarios en la poesía y el teatro, géneros que nunca abandonaría. Su obra poética abarca sonetos, canciones, églogas, romances, letrillas y otros poemas menores dispersos o incluidos en sus comedias y en sus novelas. También escribió dos poemas mayores: Canto de Calíope (incluido en "La Galatea") y "Viaje del Parnaso" (1614). La valoración de su poesía se ha visto perjudicada por ir incluida dentro de casi todas sus novelas, por la celebridad alcanzada como novelista en prosa e incluso por su propia confesión en este famoso terceto que figura en "Viaje del Parnaso":

Yo, que siempre trabajo y me desvelo
por parecer que tengo de poeta
la gracia que no quiso darme el cielo.

Aunque en otras ocasiones se enorgullece de sus versos, en su tiempo no logró ser reconocido como poeta.

Tampoco tuvo mejor suerte en el teatro, por el que se sintió atraído desde joven; al regreso del cautiverio llegó a estrenar con éxito varias comedias, pero tampoco sus contemporáneos lo aceptaron como dramaturgo. Cervantes, con una concepción clásica del teatro, tuvo que soportar el triunfo arrollador de Lope de Vega (su eterno rival) en la escena española.

De la primera época (1580-1587), anterior al triunfo de Lope de Vega, se conservan dos tragedias: "El trato de Argel" y "La destrucción de Numancia". A la segunda época pertenecen las "Ocho comedias y ocho entremeses" (1615). Las comedias son "El gallardo español"; "La casa de los celos y selvas de Ardenia"; "Los baños de Argel"; "El rufián dichoso"; "La gran Sultana doña Catalina de Oviedo"; "El laberinto de amor"; "La entretenida y Pedro de Urdemalas".. Y los entremeses: "El juez de los divorcios"; " El rufián viudo"; " La elección de los alcaldes de Daganzo"; " La guarda cuidadosa"; " El vizcaíno fingido"; " El retablo de las maravillas"; " La cueva de Salamanca"; "El viejo celoso".

En la prosa narrativa Cervantes empezó escribiendo una novela pastoril que fue su primer libro publicado, con el título de "Primera parte de La Galatea" (1585) aunque nunca hubo una segunda parte. Entre 1590 y 1612 Cervantes fue escribiendo una serie de novelas cortas que, después del reconocimiento obtenido con la primera parte del Quijote en 1605, acabaría reuniendo en 1613 en la colección de "Novelas ejemplares".

Es posible que Cervantes empezara a escribir el Quijote en alguno de sus varios periodos de encarcelamiento a finales del siglo XVI, pero casi nada se sabe con certeza. En el verano de 1604 estaba terminada la edición de la primera parte, que se publicó a comienzos de 1605 con el título de "El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha"; el éxito fue inmediato. Luego en Tarragona, en el año 1614 aparecía la publicación apócrifa escrita por alguien oculto en el seudónimo de Alonso Fernández de Avellaneda, quien acumuló en el prólogo insultos contra Cervantes. Alguno de sus biógrafos apunta a su eterno rival y enemigo Lope de Vega, como la persona que se ocultaba tras el seudónimo de Alonso Fernández de Avellaneda. Cervantes llevaba muy avanzada la segunda parte de su inmortal novela, pero acuciado por el robo literario y por las injurias recibidas, hubo de darse prisa para la publicación de su segunda parte que tituló "El ingenioso caballero don Quijote de la Mancha" y apareció en 1615; por ello, a partir del capítulo LIX, no perdió ocasión de ridiculizar al falso Quijote y de asegurar la autenticidad de los verdaderos don Quijote y Sancho. En 1617 las dos partes se publicaron juntas en Barcelona. Y desde entonces el Quijote se convirtió en uno de los libros más editados del mundo y, con el tiempo, traducido a todas las lenguas con tradición literaria.

http://www.los-poetas.com/d/biocerva.htm

El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha
http://www.donquijote.org/spanishlanguage/literature/library/quijote/quijote1.pdf

Don Quijote de la Mancha (película completa sub español)
http://www.youtube.com/watch?v=VuIUnw1_8X0

Historia del Mariachi

El mariachi no es un invento de una sola persona, sino el producto de una cultura mestiza, religión y música que surgió desde los años 1500. Los historiadores aseguran que en 1533, Fray Juan de Padilla enseñó a la gente nativa de Cocula la doctrina cristiana usando la música española. Los indígenas hicieron rápidamente el esfuerzo por incluir el violín y la guitarra en sus grupos y demostraron tanto talento para copiar los instrumentos que, tiempo después, el indígena Justo Rodríguez Nixen inventó la vihuela usando un caparazón de armadillo. Más tarde el guitarrón fue introducido usando tripas de animales como cuerdas. A lo largo de los siglos XVI y XVII, la música española comenzó a florecer en todo México y junto con la música nativa, dio paso a una mezcla de percusión mestiza y melodía que originó el mariachi.

En algún momento se creyó que la palabra mariachi venía de la palabra francesa "mariage" ("para la boda o la unión"), relacionando al grupo musical con las fiestas durante la ocupación francesa en el occidente de México. Ésta fue una versión muy conocida y la que más duró, incluso aparece en algunos libros de texto; sin embargo fue rechazada en 1981, cuando en los archivos de una iglesia, fue descubierta una carta escrita por el padre Cosme Santa Ana al arzobispo, en donde se queja del ruido de los "mariachis" y fechada en 1848, mucho antes de la ocupación francesa, lo que desmiente el origen francés de la palabra. La versión más acertada y sencilla es que el término mariachi se creó en Cocula, Jalisco en el siglo XVI por los indios "cocas", descendientes de los chimalhuacanos para referirse a "músico o ejecutante de algún instrumento". Sin embargo, no hay una versión oficial del origen de la palabra, pero parece ser mucho más antigua de lo que se pensaba.

Aunque gozaron de una tradición de varios centenares de años, la música del mariachi era sobre todo una forma de arte de la gente del campo usada como acompañamiento para bailar y era aprendida y enseñada "de oído" solamente. No fue sino hasta principios del siglo pasado en que el mariachi se fue estandarizando con la llegada masiva a la Ciudad de México, después de la Revolución, de grupos que interpretaban este género como el Mariachi de José y Cirilo Marmolejo, llegado al Distrito Federal en 1927. El mariachi, hasta entonces, consistía en un conjunto de instrumentos de cuerdas exclusivamente: guitarra, guitarrón, vihuela y algunas veces arpa, aunque en la parte sureste de México, también se incluyó la flauta para interpretar el huapango.

Ya entrados los años treintas, el futuro Presidente Lázaro Cárdenas, en un esfuerzo por unificar la tradición cultural y musical de México, invitó al Marichi Vargas de Tecalitlan (creado por Gaspar Vargas en 1898) a acompañarlo a su campaña en 1936, otorgándole a la música del mariachi gran popularidad y convirtiéndola en un referente de México. Vargas incluyó entonces a un músico entrenado: Rubén Fuentes para dirigir al grupo, estandarizando éste los arreglos de los sones e insistiendo en el uso de la música escrita y no fue sino hasta los años cincuentas en que fue incluida la trompeta y se adoptó el traje de charro como vestimenta del mariachi, tal y como hoy lo conocemos

http://aztecacharrua.webcindario.com/lahistoriadelmariachi.htm

México entiende su historia con música de mariachi

EL TORO APIS

Nombre egipcio: Hap, Hepu.

Nombre griego: Apis (Απις), Epafos.

Toro u hombre con cabeza de toro, con el disco solar, uraeus, entre sus cuernos, hijo de Isis, como vaca, fecundada por un rayo del Sol.

Fue objeto de culto desde tiempos predinásticos, en Menfis y debe considerarse como un dios de la fertilidad y la monarquía, es decir estrechamente vinculado al dogma real.

 A diferencia de los cultos de la mayoría de las otras deidades de Egipto, la veneración al toro Apis fue adoptada por los griegos, después, por los romanos, perdurando hasta casi el siglo IV.

Basándose en una mancha en la frente y otros rasgos especiales, entre los rebaños de ganado se seleccionaba el correspondiente toro sagrado. Tras su muerte, los toros eran momificados y desde el imperio nuevo enterrados en el Serapeum de Saqqara.

 Desde el Imperio Nuevo se le consideraba el heraldo de Ptah, su Ka, luego de Osiris, y más tarde de Sokar. Por esto último, llego a considerarse una de los integrantes del panteón de dioses egipcios asociados con la muerte.

Apis no fue el único toro adorado en Egipto, aunque menos conocidos, al menos hubo tres tipos más de toros sagrados:

Mnevis o Merur, el toro sagrado relacionado con Atum-Ra, llamado "La renovación de la Vida", y con Osiris como Mnevis-Osiris o Mnevis-Uenen-Nofer; fue venerado en Heliópolis.

Bujis o Baj, el toro sagrado de Montu, venerado en Hermontis, el "Toro de las montañas y el ocaso".

El toro del dios Min, venerado en Coptos y Jemnis; mencionado con relación al dios Min.

Auguste Mariette excavó el Serapeum de Saqqara hallando los sarcófagos de más de sesenta bueyes, aunque vacíos, que iban desde la época de Amenofis III a la de Ptolomeo X Alejandro.

Al principio, cada animal era enterrado en una tumba con una capilla construida sobre él. El sacerdote Jaemuaset, hijo de Ramsés II(siglo XIII adC), excavó una gran galería con cámaras laterales donde se alojaban sus tumbas (también fue enterrado allí); otra galería similar fue añadida por Psamético I.

 Estelas funerarias con la declaración de la edad de los animales, las fechas de nacimiento y su muerte, con referencias a los reyes coetáneos, han arrojado mucha luz sobre la cronología de la vigésima Segunda dinastía en adelante. El nombre de la madre-vaca y el lugar de nacimiento se registraba a menudo. Los sarcófagos son de gran tamaño, y el entierro debió haber originado enormes gastos. Además, es loable que los sacerdotes lograran enterrar a uno de los animales en el cuarto año de Cambises II.

Con Ptolomeo I Apis se fusionó con Osiris dando vida a Serapis su representación fue la de un hombre joven barbudo (la barba era similar a la de Zeus), se le vinculaba con Apis, Osiris y Apolo.

http://egiptologia-denegre.blogspot.com.ar/2008/07/el-toro-apis.html

Historia de los toros, bueyes y vacas en el Antiguo Egipto

http://www.historiacocina.com/historia/articulos/vaca/egiptovaca.htm

¿Quién quiere vivir para siempre?

No hay tiempo para nosotros.
No hay lugar para nosotros.
¿De qué están hechos nuestros sueños, que se nos escapan?.

¿Quién quiere vivir para siempre?,
¿Quién quiere vivir para siempre…?.
No tenemos ninguna oportunidad,
todo está decidido por nosotros.
Este mundo tiene un solo dulce momento determinado para nosotros.

¿Quién quiere vivir para siempre?,
¿Quién quiere vivir para siempre
cuando el amor debe morir?

Pero acaricia mis lágrimas con tus labios,
siente mi mundo con la yema de tus dedos,
y lo tenemos tener para siempre,
y podemos amar para siempre.

Para siempre es nuestro hoy.
¿Quién quiere vivir para siempre?.
¿Quién quiere vivir para siempre?.
Para siempre es nuestro hoy.
¿Quién, de todas formas, espera para siempre?.

A UNA URNA GRIEGA – John Keats (Traducción de Juan Peña)
I
Amada inmaculada de la calma,
viviendo en la quietud y en el silencio,
inmutable rapsoda que nos narras
bucólicas historias más dulces que los versos.
Orlada de unas hojas, qué leyendas nos traes
de dioses o mortales, o de ambos a un tiempo,
en los valles del Tempe o de la Arcadia.
Qué hombres o deidades fueron estos.
De qué escapan riendo las muchachas.
Qué es esta agitación: ¿danzan, persiguen, huyen?
Qué música es esta de flautas y tambores.
Qué exaltación nos cuentas.
II
Si dulce es la melodía oída,
más dulce habrá de ser la nunca oída.
Continuad así, dulces caramillos,
sonando sin sonido para el alma.
Bello muchacho, nunca
dejará de sonar tu leve música
bajo las inmortales hojas de estos árboles.
Y tú, enamorado, que ya casi la alcanzas
para tomar el beso que nunca tomarás,
no te lamentes: nada te impedirá jamás
vivir enardecido en ese gesto,
siempre intacto tu amor, intacta su belleza para siempre.
III
Vosotras, tersas y fragantes ramas,
aureoladas de hojas,
donde siempre será la Primavera.
Y tú, incansable músico,
que nos dejas callados
sonidos deliciosos que no acaban.
Y el más dichoso amor, el más feliz,
amor siempre encendido, que nunca te consumas,
amor apasionado y siempre joven,
más allá, por encima,
de las breves y frágiles pasiones de los hombres,
pasiones que, cumplidas,
traen hastío y tristeza al corazón,
pasiones que nos queman
y nos dejan la herida de una sed insaciable.
IV
Quiénes son los que van al sacrificio,
hacia qué verde altar, misterioso oficiante,
lleváis a esta novilla con guirnaldas de flores,
que eleva sus mugidos hasta el cielo.
Qué extraña esta pequeña ciudad amurallada,
junto a un río o al mar,
levantada en un monte,
deshabitada en esta beatífica mañana.
Para siempre, ciudad,
se quedarán tus calles en silencio,
y nadie volverá para contar
por qué quedaste así: vacía y desolada.
V
Tú, de belleza dura, fría e inmortal,
esculpido tu mármol
de delicados cuerpos,
esplendorosa hierba
y florecidas ramas,
misteriosa como la eternidad,
cuando el tiempo consuma nuestro tiempo,
seguirás confortando el dolor de otras gentes.
Dirás entonces, muda, como ahora:
"La belleza es verdad, la verdad es belleza".
Y eso habrá de ser todo cuanto os baste saber.

Concierto para piano en sol Mayor. Maurice Ravel.

Joseph Maurice Ravel (7 Marzo de 1875. Ciboure. Labort- 28 Diciembre de 1937. París), compositor francés.

“Ravel era llamado ‘el relojero suizo’ “por su amigo”, entre comillas, Stravinsky, porque era muy bueno trabajando los pequeños detalles teniendo al mismo tiempo una actitud bastante distante. Por supuesto que no puedes tocar de una manera “fría”, pero si puedes añadir una especie de “capa de hielo” a la misma, lo cuál es apropiado para Ravel, y creo que a él eso le habría gustado. Ravel es a menudo considerado como un compositor romántico, pero en mi opinión ese “ingrediente empalagoso” no existe en la música de Ravel”. [Stefano Bollani (n. 5 Diciembre de 1972)]

“Con la excepción del 2º movimiento, la pieza tiene mucha energía, está llena de acentos y de pequeños detalles, que es lo que , yo creo, constituye el pensamiento ‘jazz’ de Ravel. No es tanto el aspecto de la improvisación, sino más bien todos esos detalles irregulares que hacen que suene como un ‘big band’ estadounidense.Y no es casualidad que este concierto fuera escrito tras haber viajado a los Estados Unidos y haber escuchado personalmente tocar jazz”. [Stefano Bollani (n. 5 Diciembre de 1972)]

“Cuando se habla de este concierto todo el mundo se refiere al segundo movimiento, que sin duda es el menos llamativo de los tres, pero es el más dificil de interpretar para un pianista; no es algo que se vea cuando nos fijamos en la partitura, pero es muy difícil de mantener ese tipo de tensión todo el tiempo; ahí es exactamente donde me gustaría añadir mi “capa de hielo”, porque es como una obra de Mozart, pero a la vez lírica y tranquila. Como la música es tan hermosa se corre el riesgo de dejarse llevar e interpretarla toda al estilo ‘cantabile’…pero, como dura más de ocho minutos, si la interpretas a la manera cantabile, no sonará cantabile para nada. Es por eso que tienes que elegir precisamente cuando quieres emocionar al público y cuando quieres emocionarte tú mismo”. [Stefano Bollani (n. 5 Diciembre de 1972)]

Cuando Bollani encontró a Ravel

http://es.euronews.com/2012/07/11/cuando-bollani-encontro-a-ravel/#.UAVZig1Lbhl.wordpress

Vespro della beata Virgine - Claudio Monteverdi

Las Vísperas de la beata Vírgen (Vespro della beata Virgine) es una composición sacra de Claudio Monteverdi, publicada en Venecia en el año 1610. Se trata de una de las más célebres obras del compositor, y uno de las trabajos religiosos más ambiciosos y monumentales antes de los de Bach.

Estructura de la obra

·                    Responsorio (Salmo 69:1):

·                                V: Deus in adjutorium meum intende

·                                R: Domine ad adjuvandum me festina. Este movimiento hace uso de elementos musicales provenientes de la obertura de la ópera Orfeo

·                    Salmo: Dixit Dominus (Salmo 110): Seis voces, coro e instrumentos

·                    Motete: Nigra sum (del Cantar de los cantares): Solo tenor con coro

·                    Salmo: Laudate pueri (Salmo 113): Coro a ocho voces y órgano

·                    Motete: Pulchra es (del Cantar de los cantares): Dúo vocal

·                    Salmo: Laetatus sum (Salmo 122): Coro a seis voces

·                    Motete: Duo Seraphim (Isaias 6:2-3): Dúo vocal, luego trío

·                    Salmo: Nisi Dominus (Salmo 127): Coro a diez voces

·                    Motete: Audi coelum (Poema litúrgico anónimo): Dos tenores solistas

·                    Salmo: Lauda Jerusalem (Salmo 147): Dos coros de tres voces y tenor

·                    Sonata sopra: Sancta Maria, ora pro nobis: Soprano e instrumentos

·                    Himno: Ave maris stella Coro y solistas

·                    Magnificat

Texto completo en latín y español

http://www.kareol.es/obras/cancionesmonteverdi/vespro.htm

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