Leda y el Cisne

Leda y el Cisne es un motivo de la mitología griega, en que Zeus, bajó del Olimpo en forma de un cisne hacia Leda cuando esta doncella caminaba junto al río Eurotas. De acuerdo a la mitología griega más tarde, Leda dio a Helena y Dioscuros, hijos de Zeus mientras a la misma vez teniendo a Dioscuros y Clitemnestra, hijos de su esposo Tíndaro, el Rey de Esparta. Según la historia, Zeus tomó la forma de un cisne y violó o sedujo a Leda en la misma noche que ella se acostó con su esposo, el Rey Tíndaro. En algunas versiones, ella puso dos huevos de los que nacieron los niños. En otras versiones, Helena es una hija de Némesis, la diosa que personificaba el desastre que le esperaba a las personas que padecen el orgullo de Hibris.

El motivo fue visto rara vez en la escultura a gran escala de la antigüedad, aunque una representación de Leda en una escultura se ha atribuido en los tiempos modernos a Timoteo; esculturas de pequeño formato que muestra sobrevivir mostrando sus poses reclinables y de pie,2 en camafeos y piedras preciosas grabadas, y anillos. Gracias a las entregas literarios de Ovidio y Fabio Plancíades Fulgencio era un mito muy conocido a través de la Edad Media, pero surgió un lugar más destacado como tema clasicista, con tintes eróticos, en el Renacimiento italiano.

Erotismo
El tema, sin duda, se debe a su renombre del siglo XVI a la paradoja que se consideró más aceptable para describir a la mujer en el acto de la copulación con un cisne que con un hombre. Las primeras pinturas muestran la pareja haciendo el amor con algunas claridades—más que en cualquier imagen de una pareja humana hecha por artistas de alta calidad en el mismo período. El destino del álbum erótico I Modi, unos años después demostró por qué esto era así. El tema seguía siendo muy peligroso en el Renacimiento. Las primeras representaciones fueron todas en el medio más privado de una impresión vieja, sobre todo de Venecia. A menudo se basaron en la cuenta muy breve en Las metamorfosis de Ovidio (que no implica una violación), aunque Lorenzo de Médici tuvo un sarcófago romano y una antigua joya tallada del tema, ambos con Ledas inclinándose.
La antigua representación más conocida del Renacimiento es una de las ilustraciones grabadas de Sueño de Polífilo, un libro publicado en Venecia en 1499. Esto muestra a Leda y el Cisne haciendo el amor con gusto, a pesar de estar en la cima de un carro triunfal, siendo arrastrados y empujados por una multitud considerable. Un grabado que data de 1503 a más tardar, por Giovanni Battista Palumba, también muestra a la pareja teniendo relaciones sexuales, pero en el desierto. Otro grabado, de Venecia y atribuido por muchos a Giulio Campagnola, muestra una escena haciendo el amor, pero la actitud de Leda es muy antigua. Palumba hizo otro grabado alrededor de 1512, probablemente influenciado por los dibujos de Leonardo da Vinci, mostrando a Leda sentada en el suelo y jugando con sus hijos.
También hubo representaciones importantes en las artes decorativas más pequeñas, también en los medios de comunicación privados. Benvenuto Cellini hizo un medallón, ahora en Viena, a principios de su carrera, y Antonio Abondio hizo en el anverso de la medalla una celebración de una cortesana romana.

En la pintura
Leonardo da Vinci comenzó a hacer estudios en 1504 para una pintura, aparentemente nunca hecha, de Leda sentada en el suelo con sus hijos. En1508, pintó una composición diferente del tema, con Leda parada12desnuda acariciando al cisne, con los dos pares de gemelos, y sus enormes huevos rotos. El original se ha perdido, probablemente destruido deliberadamente, y fue registrado por última vez en el palacio real francés de Fonteainebleau en 1625 por Cassiano dal Pozzo. Sin embargo, es conocido de muchas copias, de las cuales las primeros son probablemente Spiridon Leda, quizás por un asistente de estudio y ahora en la Galería Uffizi, y en Wilton House en Inglaterra.
También perdida, y probablemente destruida deliberadamente, es la pintura de Miguel Ángel de la pareja haciendo el amor, encargado en 1529 por Alfonso I de Este para su palacio de Ferrara, y llevada a Francia para la colección real en 1532; estuvo en Fontainebleau en 1536. La caricatura de Miguel Ángel para el trabajo dado a su ayudante Antonio Mini, quien lo usó para varias copias para clientes franceses antes de su muerte en 1533 (que sobrevivió durante más de un siglo). Esta composición también es conocida por muchas copias, incluyendo un grabado de Cornelis Bos; la escultura demármol de Bartolomeo Ammanati en Bargello, Florencia; dos copias por el joven Rubens en su viaje italiano, y la pintura después de Miguel Ángel, en la National Gallery de Londres. La composición de Miguel Ángel, de alrededor de 1530, muestra las tendencias manieristas de elongación y poses retorcidas, que eran famosas en aquella época. Además, un grupo escultórico, similar al grupo de Prado Roman, se creía hasta el siglo XIX que era de Miguel Ángel.
La última pintura renacentista muy famosa del tema es, la composición elaborada por Correggio (Berlín); también estaba dañada en la colección de Felipe II, duque de Orleans, el regente de Francia en la minoría de Luis XV. Su hijo Luis, aunque era un gran amante de las pinturas, tuvo crisis periódicas de conciencia sobre su forma de vida, en que atacó la figura de Leda con un cuchillo. El daño ha sido reparado, aunque la restauración completa de su forma original no fue posible. Las pinturas de Leonardo y Miguel Ángel desaparecieron en la colección de la familia real francesa, y se cree que han sido destruidas por las viudas moralistas o por los sucesores de sus dueños.
Hubieron muchas otras representaciones en el Renacimiento, incluyendo los ciclos de ilustraciones de Ovidio, pero la mayoría fueron derivados a las composiciones mencionadas. El tema se mantuvo confinado en gran medida a Italia, y a veces a Francia (versiones del Norte de Europa son poco comunes. Después de una especie de hiato en los siglos XVIII y principios del XIX, Leda y el Cisne se convirtió en un motivo muy popular en los siglos XIX y XX, con muchos simbolismo y expresionismo.

En el arte moderno
Cy Twombly ejecutó una versión abstracta de Leda y el Cisne en 1962. Está en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
El cineasta vanguardista Kurt Kren junto con otros miembros del movimiento accionista vienés, incluyendo a Otto Muehl y Hermann Nitsch, hicieron una película llamada 7/64 Leda mit der Schwan en 1964. La película conserva el motivo clásico, la mayor parte de su duración, una mujer joven abraza un cisne.
El fotógrafo Charlie White, incluyó un retrato de Leda en su serie "And Jeopardize the Integrity of the Hull". Zeus, como el cisne, sólo aparece metafóricamente.
Hay una estatua de mármol de tamaño natural de Leda y el Cisne en el museo del Palacio Jai Vilas en Gwalior, en el norte de Madhya Pradesh, India.
El artista colombiano Fernando Botero también elaboró una versión de Leda y el Cisne, que se encuentra expuesta en una de las salas de exposición permanente del Museo Botero
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En poesía
Pierre de Ronsard escribió un poema en La Défloration de Lède, quizás inspirado en el de Miguel Ángel, que bien pudo haber conocido. Como muchos artistas, él imagina el pico penetrando la vagina de Leda.
"Leda and the Swan" es un soneto de William Butler Yeats que publicó por primera vez en 1924. Combinando una novela psicológica con una visión mística, describe la violación del cisne de Leda. El poema es regularmente elogiado como una de las mejores obras de Yeats. Camille Paglia, quién llamó el poema "el poema más grande del siglo veinte," y dijo, "todos los seres humanos, como Leda, están atrapados momento tras momento en la experiencia de un 'pico blanco'. Para Yeats, la única salvación es la esbeltez y la quietud del arte."
El poeta nicaragüense Rubén Darío con su poema de 1892, "Leda" contiene una descripción oblicua de la violación, vigilada por el dios Pan.

Wikipedia

Leda y el cisne - William Butler

"Una ráfaga súbita: las magnas alas desplegadas

sobre la doncella vacilante, los muslos acariciados por las negras palmas, en el cuello el pico preso;

indefensa y sujeta pecho contra pecho.

¿Cómo pueden esos frágiles dedos aterrados

defender los mansos muslos de la gloria alada?

Y ante ese blanco torrente, un cuerpo así tendido,

¿qué hace salvo sentir el palpitar desconocido?

Un espasmo en la entrepierna concibe

el muro caído, el techo y la torre ardiendo,

a Agamenón y su muerte.

Tan impotente,

tan rendida ante el brutal hijo del aire,

¿unió ella al recibirlos el saber y el poder

antes de que el indiferente pico la dejara caer?"

Leda y el cisne - Corregio

Leda - Rubén Darío

El cisne en la sombra parece de nieve;
su pico es de ámbar, del alba al trasluz;
el suave crepúsculo que pasa tan breve
las cándidas alas sonrosa de luz.

Y luego en las ondas del lago azulado,
después que la aurora perdió su arrebol,
las alas tendidas y el cuello enarcado,
el cisne es de plata bañado de sol.

Tal es, cuando esponja las plumas de seda,
olímpico pájaro herido de amor,
y viola en las linfas sonoras a Leda,
buscando su pico los labios en flor.

Suspira la bella desnuda y vencida,
y en tanto que al aire sus quejas se van,
del fondo verdoso de fronda tupida
chispean turbados los ojos de Pan.

Leda

Hija de Testio (rey de Etolia) y Eurítemis. Pertenece a la raza de Deucalión, hermana de Altea e Hipermestra (o Clitia y Melanipa, dependiendo de la tradición). Se contaba que era hija natural de Glauco (hijo de Sísifo) y Pantidía, casada luego con Testio, que adopta a Leda.

Se casó con Tindáreo cuando se refugió bajo el brazo de Testio, tras ser expulsado de Lacedemonia por Hipocoonte y sus hijos. Heracles devolvió el trono de Lacedemonia a Tindáreo, que volvió con Leda como su mujer.

Tuvo varios hijos, algunos con él y otros de Zeus: Timandra (mujer de Équemo), Clitemestra (esposa de Agamenón), Helena y los Dioscuros (Cástor y Pólux). Los trágicos añaden Febe a esta lista.

Sobre la posesión por Zeus en forma de Cisne, hay varias versiones: en una se cuenta que Helena era realmente hija de Zeus y Némesis. Cuando Némesis se transformó en oca para escapar de Zeus, éste se metamorfoseó en Cisne y la violó, engendrando en ella un huevo, que Némesis abandona.

Un pastor lo encuentra y lo entrega a Leda, que lo guarda en un cofre hasta que de aquél nace la hermosa Helena, que Leda adopta.

La otra leyenda, la más corriente y adaptada al arte narra cómo Leda, fruto de sus relaciones con Zeus en forma de Cisne, pone uno o dos huevos de los que nacen los Dioscuros y Helena y Clitemnestra.

http://www.elolimpo.com/personaje/leda

La historia de Leda y el cisne es uno de los relatos más sensuales de la mitología griega que explica de manera alegórica las pasiones y debilidades humanas.

Leda era la esposa de Tindáreo, rey de Laconia en Esparta, quien se había

refugiado en el reino de Testio, padre de Leda, tras ser expulsado de Lacedemonia. Luego de casarse, y gracias a Hércules, Tindáreo recuperó su reino y ocupó su trono junto a su mujer.

La versión más popular de este mito cuenta que Leda era una mujer muy bella, tanto que el propio Zeus la deseaba. Un día, mientras caminaba junto al río Eurotas, se encontró con un hermoso cisne que escapaba del ataque de un águila. Lo protegió y se dejó seducir por éste, que no era otro que Zeus transformado. Esa misma noche Leda también se unió a su esposo. Como consecuencia, puso dos huevos, en uno de ellos estaban Helena y Pólux (hijos de Zeus y por tanto inmortales), y en el otro Cástor y Clitemnestra (mortales, hijos del rey espartano). Cástor y Pólux, gemelos, llegarán a ser los célebres Dioscuros (Διόσκουροι).

http://ledayelcisne.blogspot.com/

Amores extraños – Laura Pausini

Ya sabía que no llegaría, 
ya sabía que era una mentira, 
cuanto tiempo que por él perdí, 
que promesa rota sin cumplir. 
son amores problemáticos, 
como tú, como yo. 
es la espera en un teléfono, 
la aventura de lo ilógico, 
la locura de lo mágico, 
un veneno sin antídoto, 
la amargura de lo efímero, 
porque él se marchó. 
Amores, tan extraños que te hacen cínica, 
te hacen sonreír entre lágrimas. 
cuántas páginas hipotéticas, para no escribir las 
auténticas. 
son amores que sólo a nuestra edad 
se confunden en nuestros espíritus, 
te interrogan y nunca te dejan ver 
si serán amor o placer. 
Y cuantas noches lloraré por él, 
cuantas veces volveré a leer 
aquellas cartas que yo recibía 
cuando mis penas eran alegrías. 
son amores esporádicos, 
pero en ti quedarán. 
Amores, tan extraños que vienen y se van, 
que en tu corazón sobrevivirán, 
son historias que siempre contarás 
sin saber si son de verdad. 
Son amores frágiles, 
prisioneros, cómplices, 
son amores problemáticos, 
como tú, como yo. 
son amores frágiles, 
prisioneros, cómplices, 
tan extraños que viven negándose 
escondiéndose de los dos. 
Son amores que sólo a nuestra edad 
se confunden en nuestro espíritu, 
son amores problemáticos 
que se esconderán de los dos. 
son amores que vienen y se van, 
son historias que siempre contarás. 
Ya sabía que no llegaría, 
esta vez me lo prometeré, 
tengo ganas de un amor sincero, ya sin él.

MARTE - POEMA DE VERANO BRISAS

No te dejes invadir por los humanos
que ciegos quieren saquearlo todo;
son sujetos nada sabios ni confiables,
salvo unas pocas excepciones vagas
que apenas logran confirmar la regla.

Aunque eres parecido a nuestra Tierra
y podemos observarte por las noches
cuando pasas muy cerca de nosotros
en algunas ocasiones especiales,
nos deslumbran tu color rojizo,
tus manchas negras y tus blancos polos.

Tus cráteres australes y volcanes árticos
nos hacen suponer cosas violentas
en tu larga y guerrera trayectoria.
Tus dos pequeños hijos
no producen el terror que dan sus nombres,
porque son contrahechos y alejados
del concepto de belleza humano.

El caso es advertirte --ya lo sabes--
quiénes serán tus visitantes próximos
en un futuro para nada bueno,
y que luego no llores ni te quejes
cuando sientas el látigo en tu dorso
de la infecciosa estupidez del hombre.

Paul Hindemith fue uno de los compositores alemanes más exitosos de siglo XX. Su relación con el Partido Nazi estaba plagada de contradicciones y paradojas. Si bien en 1934 Goebbels admitió que “indudablemente es uno de los talentos más importantes de la generación de compositores jóvenes”, dos años después sus composiciones fueron prohibidas. Aunque era un modernista comprometido que colaboraba tanto con músicos izquierdistas como con judíos, la actitud apolítica de Hindemith, su predisposición a transigir y su reputación internacional, le permitieron tener una carrera sorprendentemente larga en la Alemania nazi y disfrutar del apoyo periódico de altos funcionarios nazis. A pesar de, o quizás a causa de, la censura nazi a la que estaba expuesto, Hindemith permaneció como el máximo ejemplo del compositor alemán moderno y su nombre se convirtió en sinónimo de la relación tortuosa del nazismo con la modernidad.

Hindemith nació en Hanau en 1895. De niño estudió violín, viola, piano y percusión. Ya de adolescente ingresó en el conservatorio de música de Frankfurt del Meno, donde estudió dirección de orquesta, composición y violín. Cuando su padre murió en la Primera Guerra Mundial, la situación financiera de la familia empeoró y Hindemith tomó varios trabajos para mantenerlos. En 1915 fue designado primer violín de la orquesta Ópera de Frankfurt y se desempeñó como director de orquesta allí hasta 1923, con una interrupción de dos años cuando fue reclutado en 1917.

A principios de 1920, ya era un reconocido violinista, viola y especialmente compositor. Sus óperas expresionistas mostraban la influencia de las armonías atonales y en especial del jazz, pero sus composiciones cubrían toda la gama del género: escribió canciones para niños, música de cámara, música experimental de teatro y Lieder. Su variedad de intereses provocó que la derecha política lo condenara; ya en los años veinte fue condenado por estar 'en casa, en todos lados, menos en el alma del pueblo alemán'. A pesar de esta prensa negativa, su carrera floreció. En 1927, le ofrecieron ser profesor de composición en la Academia de Música de Berlín y, dos años más tarde, fundó el Cuarteto Amar.

Hindemith tuvo relación con muchos de los músicos más importantes de su época. Al principio, su relación con el expansivo movimiento nazi fue compleja. A menudo sus óperas eran denunciadas en la prensa nazi. Su casamiento con una mujer judía y sus amistades con izquierdistas empeoraron las cosas. Un crítico escribió que la música de Hindemith “es extraña para el estilo alemán, ya que no es arte en el sentido más elevado, sino más bien seudo arte pretencioso con simples juegos vacíos de tonos.”

Sin embargo, su talento impresionó a algunos nazis amantes de la música y se volvió más complaciente con el nuevo régimen. Comenzó a marcar su apariencia "germánica" y se focalizó en su antiguo interés por la música popular alemana. En junio de 1933, un crítico musical nazi elogió su cambio en cuestiones políticas y artísticas:

Luego de buscar incesantemente y de pasar de un género a otro durante los años de desarrollo, los nuevos trabajos instrumentales compuestos por Hindemith, fieles al clasicismo y con sentido de claridad y firmeza, transmiten la esencia de la música alemana a través del uso mínimo de notas, ritmos y formas.

En marzo de 1934, estalló lo que se conoció como "el caso Hindemith". El director de orquesta Wilhelm Furtwängler planificó el estreno de la ópera Mathis del Maler (“Mathis, el pintor”) de Hindemith para la temporada 1934-35. Sin embargo, el funcionario nazi Göring prohibió la presentación. La continua colaboración de Hindemith con artistas judíos, sus conexiones familiares y sus trabajos previos con artistas como Kurt Weill y Bertolt Brecht pesaba mucho en su contra. Furtwängler amenazó con renunciar a menos que se levantara el boicot contra Hindemith y escribió cartas abiertas a la prensa donde defendía al compositor. A pesar de ello, procuraba evitar conflictos con el partido nazi y esquivaba las críticas de las autoridades. Finalmente se estableció el poder del régimen nazi sobre la expresión artística. Bajo la presión de Goebbels, Hindemith solicitó una licencia indefinida de su puesto en la Academia de Berlín y aceptó la invitación del gobierno turco para fundar una escuela de música en Estambul.

Sin embargo, éste no fue el fin de la relación de Hindemith con la Alemania nazi. El 17 de enero de 1936 firmó un juramento de lealtad a Hitler y empezó un lento proceso de integración. Le encomendaron escribir una pieza musical para la Luftwaffe y sus trabajos fueron presentados en salas de conciertos alemanas. Sin embargo, esta vez no logró superar su reputación: la tensión por el compromiso del estado de eliminar la "influencia degenerada" de la música alemana marcó el fin de su carrera dentro de la Alemania nazi. En octubre sus trabajos fueron prohibidos (aunque, como solía pasar con la política nazi, con algunas excepciones) y él y su mujer judía fueron incluidos en la exposición de música "degenerada" de 1938. Cuando finalmente se convenció de que no podía trabajar de manera productiva en la Alemania nazi, el compositor se dirigió a Suiza y luego emigró a los Estados Unidos en 1940.

A pesar de intentar conciliarse con el nazismo por años, Hindemith continuó construyendo su exitosa carrera en los Estados Unidos, donde su música había estado presente desde los años veinte. Consiguió una cátedra en Yale en 1941. Inmediatamente después de la guerra, se consideró que su música estaba entre los pocos trabajos contemporáneos alemanes libres de la influencia nazi. Su popularidad estalló repentinamente y sus obras frecuentemente se presentaban en los escenarios de las zonas ocupadas.

En 1953 regresó a Europa y se instaló en Zurich, donde enseñó composición en la universidad y comenzó gradualmente a dirigir orquestas con más frecuencia. Murió en Frankfurt del Meno en diciembre de 1963.

http://holocaustmusic.ort.org/es/politics-and-propaganda/third-reich/hindemith-paul/

Los Planetas, de Gustav Holst

Los Planetas es una obra compuesta por Gustav Holst entre 1914 y 1916, y dedicada a los planetas del Sistema Solar entonces conocidos, excluyendo a la Tierra… y a Plutón, que por entonces no había sido siquiera descubierto (lo fue en 1930, aún en vida del compositor, que en cualquier caso no le agregó a la Suite, dejándola finalmente como quedó en 1916).

Durante varias décadas se ha tenido la obra como incompleta, debido a la ausencia en ella de una parte, de un movimiento dedicado al noveno planeta… Tanto es así que en fecha tan reciente como en el año 1999 la Orquesta de Halle encargó al músico Colin Matthews, gran estudioso de la obra de Holst, que compusiera una pieza para el pobre Plutón, cosa que hizo, siendo estrenada el año 2000. Plutón, allá en lo profundo del Sistema Solar, quedó por fin contento… pero por poco tiempo: en agosto de 2006 cambió el status de Plutón, que dejó de ser un planeta con toda la barba y fue relegado a la categoría de “planeta enano” por la Unión Astronómica Internacional. Vaya: ahora que Plutón tiene por fin su parte en la obra… ha dejado de ser un planeta. Triste destino musical, el de esa pobre roca helada que responde al nombre de Plutón.

Nació Gustavus Theodore von Holst en Cheltenham, en Gloucestershire, en pleno corazón de Inglaterra, en 1874, inglés de pura cepa a pesar de su rimbombante nombre germano… y es que la familia de Holst procedía de Suecia vía Lituania, aunque llevaban ya tres generaciones asentados en suelo inglés. En 1914, una vez comenzada la Gran Guerra (pocos podían imaginar en 1918 que pocos años después habría otra Recojo-Gran-Guerra que dejaría a ésta en pañales), nuestro protagonista de hoy se cambiaría de nombre para evitar que le confundieran con alemán en su propia patria, eliminando el aristocrático “von” y el germano “Gustavus”, y se quedó en Gustav Holst, que es como es conocido universalmente.

Como tantos otros en la época, su afición por la música fue temprana, aunque lo tuvo fácil, pues su padre era profesor de piano, y a los 18 años de edad ya había compuesto diversas obras para piano, canciones, incluso una Sinfonía en do menor (se ve que ya desde pequeño sabía la diferencia entre los modos menor y mayor, no como algunos ignorantes como yo, que la desconocían hasta que Gustavo publicó su magno artículo al respecto), y se ganaba unas libras (o unos chelines, quien sabe) como organista y director del coro de Wyck Rissington.

En el Royal College of Music de Londres, en el que estudió armonía, composición y todas estas cosas que hacen que un músico sea un músico, conoció a Ralph Vaughan Williams, alumno como él, aunque un par de años mayor, con quien trabó una amistad que duraría toda su vida, por más que los estilos compositivos de ambos sean muy distintos.

Hubiera querido nuestro buen Gustavus ganarse la vida como pianista, como su padre, pero desde pequeño padecía de neuritis, que le afectaba a un brazo, de tal modo que le dificultaba la ejecución de las piezas al piano, incluso cuando tenía algún episodio especialmente fuerte apenas podía sostener un lápiz en su mano derecha, así que se pasó al trombón de varas, y como trombonista se ganó la vida una temporada, hasta que consiguió ser nombrado director musical de la Escuela Femenina de Saint Paul, en Hammersmith, Londres, donde estuvo dando clases a señoritas durante más de treinta años, hasta su misma muerte. Este trabajo estable le permitió dedicar los fines de semana y las vacaciones escolares para componer, y así surgieron sus obras más renombradas. Fue, definitivamente, un compositor dominical.^[2]

Y así pasaron los años hasta que, durante un viaje por España en 1912, el también compositor inglés Clifford Bax le introdujo en el mundo de la astrología, que le cautivó durante el resto de su vida. Se convirtió en un experto astrólogo, llegando incluso a realizar horóscopos y cartas astrales y estas cosas (aunque sólo para sus amigos) hasta su muerte, en 1934.

Y precisamente es con la astrología con lo que tiene que ver la composición de la obra de hoy: Los Planetas. No con los dioses romanos de los que toman sus nombres, o al menos no mucho, y todavía menos con sus características físicas, que, de todos modos, en la época de su composición (1914-1916) eran prácticamente desconocidas… y además aún faltaban algunos años para que Pedro nos contara estas planetarias características en su admirable serie.

Por lo tanto, aquí Holst no hace realmente música programática, o al menos no demasiado, pues no intenta describir ni al planeta en sí ni al dios romano que le presta su nombre, sino más bien la significación astrológica que cada planeta tiene (o que le sugería a él, al menos), es decir, en la influencia que sobre la vida de cada cual tiene un planeta dependiendo de en qué casa estaba cuando nació el interfecto, o si está alineado o no con no sé qué otro planeta o estrella, o lo que sea. No me preguntéis, que si de música sé poco, aun menos sé de astrología. El caso es que ése es el motivo de que en la suite no exista una pieza dedicada a la Tierra, puesto que su influencia astrológica es inexistente (eso he leído en algún sitio), a pesar de que es bastante evidente que el planeta que más influye en la vida de los humanos es el nuestro, y posiblemente también puede ser la causa de que ni siquiera se planteara escribir una pieza adicional para Plutón una vez descubierto, dado que la significación astrológica de Plutón es (o al menos lo era entonces, ignoro cuál será ahora) igualmente inexistente.

En cierto modo, Los Planetas son una rareza en la obra de Holst, debido a que su neuritis le imposibilitaba de tal modo para la escritura que componer una gran obra sinfónica como ésta, de cincuenta minutos largos de duración y, por lo tanto, con muchísimas líneas de pentagrama que rellenar, debió ser para él una tortura. Inicialmente escrita para dos pianos (excepto Neptuno, para órgano solo), fue adaptada para gran orquesta por el mismo Holst… pero tuvo que contratar amanuenses versados en música para que escribieran las partituras bajo sus indicaciones, puesto que él no era físicamente capaz de hacerlo.

La obra tuvo un gran éxito desde su mismo estreno, y ciertamente muy merecido, pero curiosamente Holst siempre estuvo quejoso porque la gran popularidad de la obra “tapaba” otras obras suyas que él consideraba de mayor calidad. En cualquier caso, es sin duda su obra más conocida, y probablemente, junto con “Pompa y Circunstancia” de Edward Elgar, la obra de un compositor inglés más conocida fuera de las islas.^[3]

Los Planetas es una Suite estructurada, pues, en siete movimientos, dedicado cada uno de ellos a un planeta, desde el punto de vista de su significación astrológica, con su influencia en la mente de las personas, como hemos visto. Cada movimiento es titulado con el nombre del planeta en sí, más una coletilla descriptora (supongo que para los incultos como yo que no saben qué papel tiene cada planeta en la carta astrológica).

Aunque lo normal es que se ejecute la Suite completa, en ocasiones se representan sólo cuatro o cinco movimientos, generalmente terminando con el movimiento dedicado a Júpiter… el propio Holst abominaba de esta práctica, debida en su época a que la música era tan “rompedora” que muchos directores preferían no someter a los espectadores a tan sorprendente música durante mucho tiempo.^[4] Holst decía que terminar la suite con el movimiento dedicado a Júpiter dejaría una impresión de “final feliz” en la obra, cuando en el mundo real el fin nunca es feliz en absoluto…

Los movimientos de la obra son, pues, los siguientes:

1 – Marte, el que trae la guerra.

2 – Venus, el que trae la paz (o… ¿será la que trae la paz? No lo sabemos, pues en su título inglés original, “the bringer of peace”, es tanto masculino como femenino).

3 – Mercurio, el mensajero alado.

4 – Júpiter, el que trae la alegría.

5 – Saturno, el que trae la vejez.

6 – Urano, el mago.

7 – Neptuno, el místico.

Bueno, por los títulos ya veis que sí, que Holst define a los planetas de forma astrológica, pero no sé si ésta está íntimamente unida al carácter del dios romano correspondiente (o del griego en que se basa), pero el caso es que Marte (Ares) era el dios romano de la guerra, que Venus (Afrodita) era la diosa del amor (y por lo tanto, de la paz), que Mercurio (Hermes) era efectivamente un mensajero alado, y Júpiter (Zeus) era el Jefe de los dioses y por lo tanto podía aportar alegría, o dolor o lo que fuera…

Hay muchas especulaciones acerca de por qué ese orden concreto de movimientos, y no hacerlo en el orden “normal” según su distancia al Sol que todos nos sabemos de memoria por haberlo recitado en el colegio cuando éramos niños… probablemente, porque ése fue el orden en que los escribió, a excepción de Mercurio, que de hecho fue el último movimiento en ser escrito. Además, los cuatro primeros movimientos corresponden por sus tempos con precisión a los movimientos de una Sinfonía clásica (Allegro-Adagio-Scherzo-Allegro), pero… vaya Vd. a saber la razón final de Holst para hacerlo así.

http://eltamiz.com/elcedazo/2013/10/20/historia-de-un-ignorante-ma-non-troppo-los-planetas-de-gustav-holst/