sábado, 23 de agosto de 2014

Concierto de la Orquesta Sinfónica de Santa Fe - Viernes 22/08/2014



El amor brujo de Manuel de Falla

El ballet "El amor brujo" fue compuesto por Manuel de Falla, entre noviembre de 1914 y abril de 1915. Moreno Ballesteros dirigió el estreno en Madrid, el 15 de abril de 1915. Posteriormente Falla revisó bastante la obra. La primera presentación en forma de concierto de la versión definitiva fue interpretada el 28 de marzo de 1916 por la Orquesta Filarmónica de Madrid, dirigida por Bartolomé Pérez-Casas.

En 1907, Falla emprendió lo que se suponía iban a ser vacaciones de una semana en París, pero se quedó tan encantado con la capital de Francia que terminó permaneciendo allí siete años. La primera obra que escribió a su regreso a España fue el ballet El amor brujo, compuesto en el momento en que estaba terminando Noches en los Jardines de España. De hecho, el movimiento de tango del ballet fue originalmente concebido como parte de Noches.

El incentivo de El amor provino de Pastora Imperio, una cantante y bailarina que deseaba una pieza en la que pudiera expresarse en ambas especialidades. Ella se dirigió a Falla y al dramaturgo Gregorio Martínez Sierra. Los dos hombres se interesaron en el proyecto. Sierra proporcionó un escenario basado en una historia folclórica auténtica. La Imperio pertenecía a una familia de gitanos, varios de los cuales tuvieron participación en el estreno. La madre de la artista instruyó a Falla con respecto a las canciones folclóricas y las leyendas gitanas, su hermano bailó el papel de Carmelo y su cuñada e hija también aparecían en la producción.

Como inicialmente la obra fue un fracaso, tiempo más tarde el compositor volvió a escribirla, combinó sus dos escenas en una sola, amplió su conjunto de cámara a una orquesta y eliminó varias canciones y recitados. La nueva versión se escuchó en concierto en 1916, pero debió esperar para una producción escénica hasta 1925, cuando fue interpretada en París por la célebre bailarina La Argentina. Falla extrajo una suite orquestal del ballet omitiendo los números vocales.

A través de sus canciones y danzas populares, El amor brujo refleja el misticismo de la cultura gitana. Particularmente española es la manera en la que las "fuerzas brutas de naturaleza incorregible", como el biógrafo de Falla, Burnett James, explica el simbolismo del Espectro, son aplastadas por "la firmeza de la mente y del espíritu humano", que están representados por el amor de Carmelo y Candelas. Como lo explica James:
La música surgió de las raíces y de las canciones y de las danzas de los gitanos andaluces y lleva en ella la mayor parte del tiempo una cualidad extrañamente primitiva; o más bien, un tipo de elementalismo emocional y espiritual contenido dentro de un envase técnico y estilístico altamente sofisticado. Hay también un sabor oriental frecuente, que no debe sorprender en vista de los muchos aspectos del flamenco que se sabe y se reconoce que derivan de lo oriental... Falla comprendió, aunque todavía no había estado allí, las diferencias significativas entre Andalucía y la Andalucía gitana y compuso de acuerdo con ello. Pero el compositor no utilizó ni una sola tonada tradicional, andaluza o gitana, aunque empleó con gran habilidad y comprensión varios de los ritmos de la danza popular. En cuanto al material temático, se mantuvo fiel a su propia creencia de que la música folclórica es más valiosa para el músico cultivado que no usa tonadas folclóricas auténticas, sino que llega a "sentir" su espíritu y esencia y de este modo les permite inspirar sus propias composiciones, pero no apoderarse de ellas... El carácter místico, misterioso y modal de El amor brujo imprimió un sello particular en esta música, pues derivaba del propio corazón de la materia que fue su objeto.
El título El amor brujo recibe habitualmente en inglés el nombre de "Amor, el Mago", pues de hecho el español es intraducible. La ambientación es probablemente la costa sur de España, cerca de Cádiz. Tanto en su título "La historia del pescador" como el tango de Cádiz de siete tiempos en el movimiento "Pantomima" sugieren fuertemente esta ubicación. El siguiente resumen aparece en la partitura publicada de El amor:

Candelas, una joven muy bella y apasionada, ha amado a un gitano malvado, celoso y disoluto, pero fascinante y lisonjero. Aunque ha llevado con él una vida infeliz, le amó intensamente y lamentó su pérdida, incapaz de olvidarle. El recuerdo que guarda de él es como un sueño hipnótico, un hechizo mórbido, horroroso y enloquecedor. Está aterrada por el pensamiento de que el muerto quizá no se haya ido del todo, de que puede regresar y que continúa amándola a su modo feroz, sombrío, infiel y acariciante. Se vuelve víctima de sus pensamientos del pasado, como si estuviera bajo la influencia de un Espectro; sin embargo ella es joven, fuerte y vivaz. La primavera vuelve y con ella el amor, en la figura de Carmelo. Carmelo, un galán apuesto, joven y enamorado, trata de seducirla. Candelas no es reacia a ser conquistada y casi inconscientemente responde al amor, pero la obsesión de su pasado pesa contra su actual inclinación. Cuando Carmelo se acerca a ella y trata de hacerla compartir su pasión, el Espectro regresa y aterroriza a Candelas, a la que separa de su amante. Los amantes no pueden intercambiar el beso del amor perfecto.

Carmelo se va y Candelas languidece y se marchita. Se siente como embrujada y su amor pasado parece revolotear pesadamente a su alrededor en la forma de murciélagos malévolos y agoreros. Pero este hechizo malvado debe ser roto y Carmelo cree haber encontrado un remedio. En otro tiempo él fue camarada del gitano cuyo Espectro ronda a Candelas. Sabe que el amante muerto era el típico galanteador andaluz infiel y celoso. Como parece conservar, aun después de muerto, su gusto por las mujeres bellas, debe ser sorprendido en su lado flaco y de este modo apartado de sus celos póstumos, con el fin de que Carmelo pueda intercambiar con Candelas el beso perfecto contra el cual no tiene poder la brujería en contra del amor.

Carmelo persuade a Lucía, una joven gitana encantadoramente bella, amiga de Candelas, que simule aceptar los avances del Espectro. Lucía, por cariño a Candelas y por curiosidad femenina, acepta. La idea de flirtear con un fantasma le resulta atrayente y novedosa. ¡Y además, en vida el muerto había sido tan jovial! Lucía ocupa el puesto del centinela. Carmelo regresa a seducir a Candelas y el Espectro interviene -pero se encuentra con la encantadora gitanilla y no puede ni quiere resistirse a la tentación-, pues él no sabe decir que no a la atracción de una cara bonita. Comienza a seducir a Lucía, engatusándola e implorándole, y la coqueta joven gitana le lleva casi a la desesperación. Mientras tanto, Carmelo logra convencer a Candela de su amor y la vida triunfa sobre la muerte y sobre el pasado. Los amantes por último intercambian el beso que derrota la influencia maligna del Espectro, el cual perece, definitivamente conquistado por el amor.

http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/obras-maestras/el-amor-brujo-de-manuel-de-falla/


Concierto de la Orquesta Sinfónica de Santa Fe - Viernes 22/08/2014

Arturo Márquez

Compositor mexicano, nacido en Álamos, Sonora en 1950. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música. Sus maestros principales han sido Federico Ibarra y Morton Subotnick.

Ha recibido numerosas becas y premios de los gobiernos mexicano y francés. La música de Arturo Márquez ha sido tocada y grabada en todo el mundo por una gran variedad de conjuntos de cámara, orquestas sinfónicas y solistas. Ha compuesto numerosas partituras para el cine y la danza.

Márquez se caracteriza por emplear en sus composiciones, diferentes formas y estilos musicales mexicanos.

Su obra:
1983 Mutismo para dos pianos
1985 Concierto interdisciplinario con músicos y fotógrafos
1987 Segundo lugar en el Concurso Nacional de Composición Felipe Villanueva
1988-1990 En Clave para piano
1990-1992 Composición de Tierra, La Nao y Cristal del Tiempo, Danzón
1992 Son a Tamayo para arpa y percusiones
1993 Paisajes Bajo el Signo de Cosmos, Homenaje a Gismonti
1994 Danzón 2, Danzón 3
1995 Zarabandeo
1996 Danzón 4, Octeto Malandro, Danza de Mediodía
1997 Danzón 5 (Portales de Madrugada)(para cuarteto de saxofones)
1998 Máscaras (Máscara Flor, Máscara Son, La Pasión según San Juan de Letrán, La Pasión según Marcos)
2000 Espejos en la arena (Son de tierra candente, Lluvia en la arena, Polca derecha-izquierda)
2001 Danzón 6 (Puerto Calvario), Danzón 7
2004 Danzón 8
2006 La Cantata los Sueños
2008 Marchas de duelo y de ira

Entre enero y febrero de 1994, la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), le pide que escriba una obra, y es aquí cuando nace: Danzón no. 2, en plena efervescencia zapatista en el México contemporáneo. Dicho acontecimiento habría de inquietar el ánimo del compositor hacia una nueva justicia para los pueblos indígenas.

En la actualidad trabaja en la Universidad Nacional Autónoma de México, en la Escuela Superior de Música y El Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la música mexicana.

Ensayo concierto para arpa y orquesta
Concierto de la Orquesta Sinfónica de Santa Fe - Viernes 22/08/2014

Arturo Rodríguez - Mosaico Mexicano

 El compositor y director mexicano Arturo Rodríguez ha resultado  ganador de la Medalla Mozart (1996) otorgada por el Instituto Cultural Domecq y la Embajada de Austria en México.

Arturo Rodríguez se ha establecido como compositor primordialmente de música sinfónica y es invitado frecuentemente como director huésped por orquestas alrededor del mundo.

La obra Gate of Creation fue compuesta para la inauguración del Centro Roberto Garza Sada la cual fue la parte sonora del video-mapping del día de su apertura.

Por otra parte y tomando como referencia al malogrado imperio del siglo XIX, Arturo Rodríguez ha hecho su propia contribución musical a la leyenda de Maximiliano y Carlota.

La versión sinfónica intenta adentrarse a la mente loca y enamorada de Carlota quien, encerrada en su habitación del Castillo de Miramar en Italia, cree estar 50 años más joven bailando una pieza romántica con su adorado Maximiliano en el Castillo de Chapultepec en México.

Se escucha al final de la obra una cita de La paloma, canción favorita de la emperatriz que escuchara por primera vez en Cuba, cuando viajaba  rumbo al puerto de Veracruz.

Su obra orquestal Mosaico mexicano ha sido interpretada exitosamente en México y en el extranjero, y se ha convertido en la más conocida y difundida de sus partituras.

Gate of Creation

Música - Rainer Maria Rilke

¿Qué, tocas tú, muchacho? Iba por los jardines
igual que muchos pasos, que órdenes susurradas.
¿Qué tocas tú, muchacho? Mira, tu alma
se ha enredado en los tubos de la flauta.

¿Por qué la atraes? Es el son como una cárcel,
en que se desperdicia y se equivoca;
fuerte es tu vida, pero tu canción es más fuerte.
reclinada en tu anhelo sollozando.

Dale un silencio, que, callada, el alma
regrese en tu fluyente y en lo mucho,
en que vivió, creciendo, sabia y lejos,
antes que le metieras en tu suave tocar.

Cómo mueve sus alas ya más lánguida;
así disiparás su vuelo, soñador,
hasta que su ala, por el cántico hechizada.
no la lleve más sobre mis paredes,
cuando la llame yo para gozar.

El libro de las imágenes (1902-1906)


Rainer Maria Rilke: Zur Musik (German)

''Musik: Atmung der Statuen. Möglicherweise: Ruhe der Anstriche. Sie
Sprache, wo alle Sprache beendet. Sie setzen Zeit Stellung vertikal
auf der Bewegung der Todherzen fest.

Gefühle für wem? O Sie die Umwandlung von Gefühlen in was? - -: in
hörbare Landschaft. Sie Fremder: Musik. Sie Herz-Raum gewachsen aus
uns heraus. Der Weltraum in uns, der, steigend über uns, seinen
Ausweg zwingt, - - heilige Abfahrt: wenn der innerste Punkt in uns
Standplätze draußen, als der geübte Abstand, als die andere Seite
der Luft: rein, grenzenlos, nicht mehr bewohnbar. ''

Rainer Maria Rilke: To Music (English)

''Music: breathing of statues. Perhaps: silence of paintings.
You language where all language ends. You time standing vertically on
the motion of mortal hearts.

Feelings for whom? O you the transformation of feelings into what?--:
into audible landscape. You stranger: music. You heart-space
grown out of us. The deepest space in us,
which, rising above us, forces its way out,-- holy departure:
when the innermost point in us stands
outside, as the most practiced distance, as the other.
side of the air: pure, boundless, no longer habitable. ''


Rainer Maria Rilke: A la Música (Spanish)

''Música: respiración de estatuas. Quizás: silencio de pinturas.
Usted lengua donde toda la lengua termina. Usted mide el tiempo de la
situación verticalmente en el movimiento de corazones mortales.

¿Sensaciones para quién? O usted la transformación de sensaciones en
qué? - -: en paisaje audible. Usted extranjero: música. Usted
corazo'n-espacio crecido fuera de nosotros. El espacio más profundo
de nosotros, que, levantándose sobre nosotros, fuerza su salida, - -
salida santa: cuando el punto íntimo en nosotros soportes afuera,
como la distancia practicada, como el otro lado del aire: puro,
ilimitado, no más de largo habitable. ''

https://www.youtube.com/watch?v=d32fkKNMVyI



Canciones con historia: "Nothing compares 2 U" - Sinéad O’Connor

El 8 de Enero de 1990 salía a la venta el single más exitoso de toda la trayectoria de la polémica intérprete irlandesa Sinéad O'Connor.

"Nothing compares 2 U" era un hit en potencia, un diamante en bruto, una fuente inacabable de petróleo. Escrita por Prince en 1985, la historia de la canción merece un artículo especial, porque aunque todo el mundo era consciente de los méritos del tema, no fue hasta la versión de Sinéad que se hizo realidad todo pronóstico.

The Family fue una banda creada por el pequeño genio de Minneapolis para su sello Paisley Park Records. Sólo publicaron un disco el cual, de las ocho canciones que contenían en un extraño estilo de funk-jazz, siete fueron escritas por Prince y toda la instrumentación (excepto las voces y el saxofón) corrían de su cuenta. Podría haberse tratado de otro album del creador de "Purple rain", visto el grado de involucración en el proyecto (podríamos decir que un 95%), pero quisieron ocultar la trampa dando créditos de autoría a la pareja que formaba The Family, excepto en un tema, "Nothing compares 2 U", canción que ni siquiera fue single de este singular proyecto.

Probablemente, siendo consciente de la grandiosidad de su creación, Prince no quiso quemarse más de lo que estaba y conservó su nombre en la firma del tema, por lo que ésa era su única reclamación artística dentro de The Family, aparte de la producción y la instrumentación, claro está.

Los demos originales de este disco, interpretados por Prince, son un tesoro codiciado por sus acérrimos seguidores, aunque en relación a "Nothing compares 2 U", el pequeño genio, posteriormente al éxito de Sinéad, hizo su propia versión del tema, la cual, para qué vamos a engañarnos, tampoco hacía justicia del gran dramatismo que la irlandesa supo impregnar en su adaptación.

En su planteamiento original por cuenta de The Family, "Nothing..." suena frío, vacío y con ningún carisma. Aunque la letra se mantenía, ese sintetizador que no cesa parece cobrar vida propia e ignorar la melodía principal. Sin olvidarnos de los absurdos "Au, au, au, au" de los coros que borran por completo cualquier atisbo de verismo y buen gusto. La voz masculina tiene un aire a la de Justin Timberlake, sobre todo en su era N'Sync, y el saxofón de la parte media también parece ir a su bola. Muy mala producción la de Prince en este tema, no conseguía captar el tema, lo quiso adornar, añadir melodía a la que ya estaba creada y acabó realizando un desaguisado que sonaba un tanto desuniforme.

 Había que ser un lince, tener muy buen oído y sobre todo mucha imaginación para que después de escuchar semejante pieza uno piense que aquí detrás, quitando los au au y el saxofón, se escondía el tesoro buscado.
El artífice de tal hazaña fue Fachtna O'Kelly, el manager de Sinéad O'Connor.

Sinéad había publicado en 1987 con el sello Ensign el disco "The lion and the cobra", disco que vendío dígnamente y que incluso la valió una nominación a los Grammy a la mejor actuación rock por una mujer. La discográfica Ensign fue creada por Nigel Grainge, que venía de Phonogram, en colaboración con Chris Hill, la primera persona del sello que pudo escuchar el tema.

Cuando el segundo disco se estaba materializando y Sinéad grabó su versión del tema de Prince, Fachtna se presentó en la casa discográfica con la canción grabada en un cassette. Chris Hill no pudo evitar llorar mientras escuchaba las sentidas lamentaciones que se profesaban en el tema. El manager llamó raudo a Sinéad y le dijo que Hill estaba llorando, ella asustada preguntó "¿Pero es que es tan malo?".

La modesta oficina de Ensign de repente acarició la idea de un éxito mundial, de dinero a expuertas y de reconocimiento por todo el planeta, pero eran conscientes de sus limitaciones. Ni siquiera tenían un retrete para mear, recuerda Grainge.
No podían ofrecerle a Sinéad un jugoso contrato, un acuerdo que la retuviera con el sello, sólo contaban con las buenas intenciones de la intérprete y esperaban que el tiempo en el que habían trabajado juntos fuera suficiente para que ella fuera leal a la empresa.
No hubo problema alguno. Aunque hubo buitres que se lanzaron a por ella (como Bono de U2, que también escuchó la cinta), Sinéad estaba segura de querer continuar con Ensign (compañía que editó discos para Eddy Grant, The Waterboys o World Party) y decidió dejar el futuro en sus manos.

El sencillo video rodado en Paris que acompañaba a la canción es uno de los videos musicales más recordados de la historia (ganador de un premio MTV). Una rapada Sinéad con aspecto monacal interpretaba el tema en un primer plano de su rostro. Según la pena se iba apoderando de ella, las lágrimas brotaban y corrían por sus mejillas, auténticas lágrimas (táctica que intentó repetir Duffy en "Warwick Avenue"). Estas imágenes se sucedían con las menos frecuentes de Sinéad paseando por lo que parece un palacio, ataviada en un austero traje negro hasta el cuello, donde sólo deja ver su cabeza y donde la bella intérprete recrea en gestos las palabras que la atormentan y unos enormes ojos preciosos acaban cediendo ante el dolor.

Cuando los ejecutivos de Ensign escucharon la canción y eran conocedores de que el tema era como tener un billete de lotería premiado, corría el mes de Octubre y hasta Diciembre no se publicó el disco. Imagínense los nervios en la compañía hasta que por fin vieron atado el proyecto y el disco en la calle.

Los resultados fueron asombrosos, cinco semanas número 1 en UK, cuatro en USA y otros tantos números 1 en 25 países... "Nothing compares 2 U" acabó conquistando el corazón de la gente por todos los lados.

Una Sinéad reconoce la libertad después de dejar su pareja. Ahora puede ir a restaurantes de moda, verse con quién quiera, salir todas las noches... pero no puede olvidarle. Nada puede quitarle esa tristeza y conocer a otros chicos sólo le hacen recordarle más, porque nada se le compara.

Cabe señalar la frase en la que dice "All the flowers that you planted, Mama, in the back yard, all died when you went away". Una referencia que Sinéad comentaba que era muy dura para ella y a la vez muy personal. La relación con su madre siempre fue difícil, según argumentaba, e incluso llegó a abusar de ella.

En resúmen, "Nothing compares 2 U", dieciocho años después, sigue siendo una gran canción de amor, una de las más grandes de la historia, y sigue creando dolor en los corazones como la primera vez. Tuvo una merecida segunda oportunidad en la voz de la O'Connor y con la producción de Nellee Hooper, gracias al buen ojo del manager de la irlandesa y a la discográfica Ensign. Merecía la pena recordarla de nuevo, saborearla una vez más, rememorar lo que en ella se relata, nada se puede comparar contigo.

http://musicinmouth.blogspot.com.ar/2008/12/nothing-compares-2-u-la-historia-detrs.html

Versión The family Nothing Compares 2 U

Apolo
Griego antiguo Ἀπόλλων
Equivalente romano Febo
Padre  Zeus
Madre  Leto
Tipo  Dios Olímpico

Apolo. Dios del vaticinio y de la música; dios pastoral, cuyos amores con las Ninfas y los mancebos lo unen íntimamente con la vegetación y la Naturaleza; pero tambíén es un dios guerrero capaz de enviar desde lejos una muerte rápida y dulce.

 Iconografía de Apolo

Se representaba a Apolo como un dios muy hermoso, alto, notable especialmente por sus largos bucles negros de reflejos azulados, como los pétalos del pensamiento (kouros). El arco es el arma por excelencia de Apolo.
Mitología de Apolo
Apolo es hijo de Zeus y Leto y hermano de la diosa Ártemis. Por tanto, es un dios de segunda generación. Hera, celosa de Leto, había perseguido a la joven por toda la Tierra. Cansada de escapar de la ira de la esposa de Zeus, Leto buscaba un sitio donde dar a luz a los hijos que llevaba en su seno, pero tenía el problema de que todo la tierra se negaba a acogerla, temiendo la cólera de Hera. Sólo una isla flotante y estéril, llamada Ortigia, o tal vez Asteria, (la Isla de las Codornices), consintió en dar asilo a la desventurada. Fue en este lugar donde nació Apolo. Agradecido, el dios fijó la isla en el centro del mundo griego y le dio el nombre de Delos la "brillante".

Al pie de una palmera, el único árbol en toda la isla, Leto aguardó el parto durante nueve días y nueve noches, pues Hera retenía a su lado a Ilítia, la divinidad que preside los partos felices. Todas las diosas, en especial Atenea, se hallaban junto a Leto, pero nada podían hacer en su favor. No obstante, Iris fue al Olimpo a rogar a Hera el alumbramiento ofreciéndole un collar de oro y ámbar de un espesor de nueve codos. A este precio, Hera consintió a Ilítia que finalmente descendiese del Olimpo y se encargue del parto. Leto dio a luz primero a Ártemis, y después, con ayuda de ésta, a Apolo. En el momento de su nacimiento, unos cisnes sagrados volaron sobre la isla dando siete vueltas a su alrededor -pues era el séptimo del día del mes-.

Después del parto, Zeus envió regalos a su hijo: una mitra de oro, una lira y un carro tirado por cisnes. Luego le ordenó que fuese a Delfos, pero los cisnes lo condujeron primero a su país, en la tierra de los Hiperbóreos, los cuales viven bajo un cielo siempre puro y que han consagrado a Apolo un culto que celebran sin cesar. Pues fue allí donde el dios permaneció durante un año, siendo homenajeado, y regresó después a Grecia, llegando a Delfos en pleno verano, en medio de fiestas y cantos. Incluso la naturaleza lo festeja. De este modo, se celebraba con hecatombes todos los años en Delfos la venida del dios.

Apolo mató en Delfos a Pitón (o Delfine), un dragón encargado de proteger un antiguo oráculo de Temis, pero que se entregaba a toda clase de desmanes en el país (enturbiaba los manantiales y los arroyos, robaba los ganados y los aldeanos, asolaba la fértil llanura de Crisa y asustaba a las Ninfas). En recuerdo de su hazaña, o tal vez para aplacar la cólera del monstruo después de muerto, Apolo fundó en su honor unos juegos fúnebres, los Juegos Píticos, celebrados en Delfos. Después se apoderó del oráculo de Temis y consagró un trípode en el santuario (el trípode es uno de los emblemas de Apolo y la Pitia, sentada sobre él, pronuncia sus oráculos). En honor a la victoria del dios, los habitantes de Delfos cantaron el péan, un himno en honor de Apolo. Pero una vez muerto el dragón, Apolo tuvo que ir hasta el valle de Tempe en Tesalia para purificarse de la mancha de tal muerte. Pues bien, cada ocho años se celebraba en Delfos una solemne fiesta conmemorando el exterminio de Pitón y la purificación de Apolo.

De aspecto hermoso, Apolo tuvo numerosos amoríos con Ninfas y con mortales. Así, amó a la ninfa Dafne, hija del dios-río Peneo, en Tesalia. La ninfa no correspondía a sus dioses y huyó a las montañas. Apolo la perseguía, y cuando estuvo a punto de alcanzarla, Dafne dirigió una plegaria a su padre, suplicándole que la metamorfosease para permitirle escapar de los abrazos del dios. Su padre consintió en ello y la transformó en laurel, el árbol consagrado a Apolo.

El dios tuvo más amoríos: con la ninfa Cirene, que engendró al semidiós Aristeo; con Talía, una de las Musas, obtuvo la paternidad de los Coribantes, que eran demonios del cortejo de Dioniso; con Urania, que engendró a los músicos Lino y Orfeo; otra de sus conocidas aventuras es la que concierne al nacimiento de Asclepio; con Marpesa, hija de Evenno; con Casandra, hija de Príamo; con Hécuba, madre de Casandra y esposa de Príamo, y le dio un hijo, Troilo; etc. Sin embargo, Apolo no limitó sus amores a mujeres, sino que también amó a muchachos: Hiacinto y Cipáriso, entre los más célebres.

A veces Apolo aparece como pastor por cuenta propia. Sus bueyes le fueron robados por Hermes joven. Apolo recuperó su propiedad en el monte Cileno, pero se dice que el pequeño Hermes había inventado la lira; Apolo quedó tan impresionado con el invento que cedió a Hermes sus rebaños a cambio del instrumento. Al inventar luego la flauta, Apolo se la compró por una vara de oro (el "caduceo" de Hermes) y además le enseñó el arte adivinatorio. De hecho, la flauta interviene en las leyendas apolíneas, como la historia de Marsias, un sátiro que retó a Apolo con la pretensión de que era mejor músico con su flauta que el dios con la lira. Marsias fue vencido y Apolo lo desolló después de colgarlo de un pino.

Como dios de la música y la poesía, era representado en el monte Parnaso donde presidía los concursos de las Musas. Pero aparte de ser dios de la música, poesía, vaticinio, pastoral e íntimamente unido con la vegetación y la Naturaleza, Apolo era además un dios guerrero capaz de enviar, con su arco y sus flechas, una muerte rápida y dulce, como su hermana Ártemis. En la Ilíada lucha en favor de los troyanos contra los griegos, protege a Paris en la batalla, y a su intervención, directa o indirecta, se atribuye la muerte de Aquiles.

Ciertos animales consagrados a Apolo: el lobo, a veces ofrecido en sacrificio y cuya imagen se asocia frecuentemente a la suya en las monedas; el corzo o la cierva, que también figuran en el culto de Ártemis; el cisne, el milano, el buitre y el cuervo, cuyo vuelo daba presagios, entre las aves; el delfín (su nombre es parecido al de Delfos), entre los animales marinos. La planta apolinea por excelencia era la planta -de hecho, la Pitia, en sus trances proféticos, mascaba una hoja de laurel-.
El culto a Apolo
Conservamos una oración a Apolo:
"¡Oh, Apolo! Te suplico que seas propicio a la paz,
la larga vida y la salud de toda esta familia,
y que seas igualmente propicio
a la paz de mi hijo".
Sus oráculos se expresaban, en general, en fórmulas versificadas y se creía que inspiraba tanto a los adivinos como a los poetas.
Comparte esta función inspiradora con Dionisio, pero la apolínea se distingue de la dionisíaca por su carácter más mesurado.
Poco a poco se convirtió en el dios de la religión órfica, y a su nombre se asoció todo un sistema mitad religioso, mitad moral, que prometía a sus iniciados la salvación y la vida eterna.
Apolo pasó por ser el padre de Pitágoras, nombre con el cual se ponen frecuentemente en relación doctrinas afines.

http://www.elolimpo.com/personaje/apolo












viernes, 22 de agosto de 2014

TORSO ARCAICO DE APOLO - Rainer Maria Rilke 

No conocemos la inaudita cabeza, 
en que maduraron los ojos. Pero 
su torso arde aún como candelabro 
en el que la vista, tan sólo reducida, 

persiste y brilla. De lo contrario, no te 
deslumbraría la saliente de su pecho, 
ni por la suave curva de las caderas viajaría 
una sonrisa hacia aquel punto donde colgara el sexo. 

Si no siguiera en pie esta piedra desfigurada y rota 
bajo el arco transparente de los hombros 
ni brillara como piel de fiera; 

ni centellara por cada uno de sus lados 
como una estrella: porque aquí no hay un sólo 
lugar que no te vea. Debes cambiar tu vida.