Óyeme con los ojos, Ya que están tan distantes los oídos, Y de ausentes enojos En ecos de mi pluma mis gemidos; Y ya que a ti no llega mi voz ruda, Óyeme sordo, pues me quejo muda.
Bachiana brasileira Nº 5
Heitor Villa-Lobos
La
obra más famosa deVilla-Loboses la Bachiana Brasileira Nº 5, dos
movimientos para soprano y ocho violoncellos en los que el autor pretende
conciliar el espíritu deJ. S. Bachcon el barroquismo de la naturaleza y
cultura popular brasileña. Forma parte de un conjunto de siete suites
(Bachianas) para distintos formatos instrumentales, completadas en 1941. Actualmente suele interpretarse más a menudo sólo el segundo movimiento en tres
partes (Aria), con una primera y tercera partes de vocalización de la soprano y
una parte intermedia con un texto portugués que describe la naturaleza.
Tarde uma nuvem rósea lenta e transparente. Sobre o espaço, sonhadora e bela! Surge no infinito a lua docemente, Enfeitando a tarde, qual meiga donzela Que se apresta e a linda sonhadoramente, Em anseios d'alma para ficar bela Grita ao céu e a terra toda a Natureza! Cala a passarada aos seus tristes queixumes E reflete o mar toda a Sua riqueza... Suave a luz da lua desperta agora A cruel saudade que ri e chora! Tarde uma nuvem rósea lenta e transparente Sobre o espaço, sonhadora e bela!
(English translation)
Evening, a rosy, slow and transparent cloud Over the space dreamy and beautiful The Moon sweetly appears in the horizon, Decorating the afternoon like a nice damsel Who rushes and dreamy adorns herself With an anxious soul to become beautiful Shout all Nature to the Sky and to the Earth! All birds become silent to the Moon's complains And the Sea reflects its great splendor. Softly, the shining Moon just awakes The cruel missing that laughs and cries. Evening, a rosy, slow and transparent cloud Over the space dreamy and beautiful!
Appalachian Spring - AARON
COPLAND.-
Appalachian Spring es una obra musical moderna
compuesta por Aaron Copland, estrenada en 1944, que ha logrado amplia difusión
y creciente popularidad como suite orquestal. El ballet, arreglado para una
orquesta de cámara de trece integrantes, fue encargado a Copland por la
coreógrafa Martha Graham con fondos de la Fundación Coolidge presidida por
Elizabeth Sprague Coolidge.
El estreno tuvo lugar el domingo 30 de octubre
de 1944, en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington DC, con
Martha Graham como bailarina principal. La escenografía fue diseñada por el
escultor nipo-americano Isamu Noguchi. Copland recibió en 1945 el premio
Pulitzer de música por esta obra.
Proceso de composición
En 1945 Copland arregló el ballet como suite
orquestal, conservando la mayoría de la música. Ambas versiones fueron bien
recibidas. La suite adquirió mayor importancia en popularizar al compositor. En
1972 Boosey & Hawkes publicó una versión de la suite fusionando la estructura
de la suite orquestal con la partitura del ballet original: doble cuarteto de
cuerdas, doble bajo, flauta, clarinete, fagot y piano. En 1954 Eugene Ormandy
pidió a Copland expandir la orquestación de todo el ballet. Esta versión fue
grabada por Michael Tilson Thomas y la Orquesta Sinfónica de San Francisco,
para RCA Victor en mayo de 1999.
Originariamente Copland no tenía un título para
su obra, nombrándola simplemente como el «Ballet para Martha».Poco después del
estreno, Graham sugirió el nombre, tomado de una frase del poema de Hart Crane
«La danza», de una colección de poemas de su libro «The bridge». (El puente).
Debido a que compuso la música sin el beneficio
de saber previamente el título, a Copland le divertía que la gente le dijera
que había capturado la belleza de los Apalaches en su música, circunstancia que
se menciona en una entrevista con Fred Calland. Es poca conocida la
circunstancia de que la palabra spring se refiere a un manantial en el poema de
Crane, aunque en su conjunto la obra es un viaje para conocer la primavera.
Argumento del ballet El argumento desarrolla una fiesta de primavera
de los pioneros norteamericanos de la década de 1800 después de construir una
nueva granja en Pennsylvania. Entre los personajes centrales se encuentran una
pareja de recién casados, un vecino, un predicador evangelista y sus
seguidores.
La suite orquestal se divide en ocho secciones.
Copland describe cada escena de la siguiente forma:
Muy lentamente. Introducción de los personajes,
uno por uno, bajo una luz difusa. Rápido.Explosión repentina de frases al unísono
en arpegios mayores: comienza la acción. Un sentimiento tanto eufórico como
religioso da la tónica a esta escena. Moderado.Duo para la novia y su prometido:
escena de ternura y pasión. Muy rápido. El evangelista y su rebaño.
Sentimiento folk, danzas country y violines. Aún más rápido. Solo de danza de la novia:
presentimiento de la maternidad. Los extremos de alegría y de miedo y asombro. Muy lentamente (como al principio). Transición a
escena que recuerda la música de la introducción. Calmo y fluido. Escenas de la actividad diaria
de la novia y su marido agricultor. Hay cinco variaciones de un tema shakers.
El mismo, cantado por un solista de clarinete, fue tomado de una colección de
melodías de ese origen compiladas por Edward D. Andrews, y publicada bajo el
título "El don de ser sencillo." La melodía más repetida y utilizada
se llama literalmente Simple Gifts. Moderado. Coda. La novia tiene su lugar entre
sus vecinos. Al final la pareja queda «tranquila y fuerte en su nueva casa».
Las cuerdas con sordina entonan un silencioso coro de gracias. El cierre es una
reminiscencia de la música de apertura.
miércoles, 12 de noviembre de 2014
CUATRO SONETOS DE AMOR - Rafael de León.
I
Decir "te quiero" con la voz velada
y besar otros labios dulcemente,
no es tener sed, es encontrar la fuente
que nos brinda la boca enamorada.
Un beso así no quiere decir nada,
es ceniza de amor, no lava hirviente,
que en amor hay que estar siempre presente,
mañana, tarde, noche y madrugada.
Que cariño es más potro que cordero,
más espina que flor, sol, no lucero,
perro en el corazón, candela viva...
Lo nuestro no es así, a qué engañarnos,
lo nuestro es navegar sin encontrarnos,
a la deriva, amor, a la deriva.
II
Me avisaron a tiempo: ten cuidado,
mira que miente más que parpadea,
que no le va a tu modo su ralea,
que es de lo peorcito del mercado.
Que son muchas las bocas que ha besado
y a lo mejor te arrastra en su marea
y después no te arriendo la tarea
de borrar el presente y el pasado.
Pero yo me perdí por tus jardines
dejando que ladraran los mastines,
y ya bajo la zarpa de tus besos
me colgué de tu boca con locura
sin miedo de morir en la aventura,
y me caló tu amor hasta los huesos.
III
Otro domingo más sin tu mirada,
dejándome morir junto a la gente
que pasa y que traspasa indiferente
a mi canción de amor desesperada.
Una yegua de celos colorada
corre llena de furia por mi frente
y galopa de oriente hasta occidente
en busca de tu falsa coartada...
Porque yo sé de más que en esta hora
hay alguien que los labios te devora
y comparte la cepas de tu vino.
Mas, como de perderte tengo miedo,
no ahondo en la maraña de tu enredo
y comulgo con ruedas de molino.
IV
Peso poco en tu vida, casi nada,
como un leve rumor, como una brisa,
como un sorbo de fresca limonada
bebido sin calor y a toda prisa.
No adelanto el compás de tu pisada,
ni distraigo la salve de tu misa,
y en tu frente de nardo desvelado
no llego ni a recuerdo ni a sonrisa.
Y en cambio tú eres todo, mi locura,
mi monte, mi canción, mi mar templado,
el pulso de mi sangre, la llanura
donde duermo sin sueño ni pecado,
y el andamio en que apoyo con ternura
este amor que nació ya fracasado.
Canciones con historia: Say You, Say Me – Lionel Ritchie
«Say You, Say Me» es una canción ganadora de un Óscar, escrita y grabada por Lionel Richie para la película White Nights, estelarizada por Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines. El sencillo llegó al número uno en el Billboard Hot 100 y en la lista de sencillos R&B en diciembre de 1985.
Se convirtió en el noveno número uno de Richie en la lista Billboard Adult Contemporary. La pista no está disponible en la banda de sonido de la película, porque Motown no quería que el primer sencillo de Richie desde el álbum Can't Slow Down apareciera en otro sello discográfico. Finalmente apareció en el álbum Dancing on the Ceiling lanzado en 1986.
El sencillo ganó el Óscar a la mejor canción original en 1985 y un Globo de Oro el mismo año en igual categoría.
En 2008, la canción alcanzó el puesto 74 de las mejores canciones de todos los tiempos en el Billboard Hot 100, conmemorando los primeros 50 años de la lista.
Otras versiones
En 2012, Lionel Richie grabó la canción con el danés Rasmus Seebach. El dúo anunció que aparecería en el próximo álbum de Richie, Tuskegee, para el cual el cantante seleccionó como colaboradores a un grupo de cantantes que han vendido mucho alrededor del mundo.
Otras versiones de la canción fueron las de: Weird Al Yankovic (1986), Paul Mauriat (1986), Roland Kaiser (1996), Tony Christie (1999) y Lemon Ice (2006).
Actriz estadounidense. Hija de una familia de origen irlandés de holgada posición económica, en 1947 ingresó en la Academia Americana de Arte Dramático. Dos años después debutó en Broadway y en 1951 rodó Catorce horas, su primera película.
Durante los cinco años siguientes participó en una docena de filmes y se erigió en una de las más aclamadas actrices de Hollywood. De entre dichas películas, cabe mencionar Mogambo (1953) y La angustia de vivir (1953), por la que fue galardonada con un Oscar, así como varios de los filmes que rodó a las órdenes de Alfred Hitchcock, tales como La ventana indiscreta (1954) y Atrapa a un ladrón (1955).
El primer título destacado de su filmografía fue Solo ante el peligro (1952), de Fred Zinnemann, una de las máximas expresiones del tratamiento del tiempo en el cine; la película fue premiada con cuatro Oscar.Mogambo (1953), de John Ford, basada en la obra teatral de Wilson Collison, le ofreció la oportunidad de trabajar junto a Clark Gable y Ava Gardner.
Crimen perfecto (1954) le proporcionó un lugar honorífico entre las rubias gélidas de Alfred Hitchcock, y un protagonismo absoluto. Hitchcock se ocupó personalmente del vestuario del personaje de Kelly, haciendo que fuese evolucionando desde el colorismo del inicio hasta los tonos más oscuros del final de la historia. Aquel fue uno de sus años más prolíficos, pues intervino, además, en Fuego verde(1954), de Andrew Marton, que le devolvió a las aventuras exóticas, esta vez al lado de Stewart Granger, y repitió enseguida a las órdenes de Hitchcock en La ventana indiscreta (1954).
Un drama basado en la obra de teatro de Clifford Odets, La angustia de vivir (1954), de George Seaton, la convirtió en la abnegada esposa de un actor en decadencia interpretado por Bing Crosby, veinticinco años mayor que la actriz, a la que hubo que caracterizar para que pareciese más madura. Ese mismo año estrenó junto a William Holden el drama bélico Los puentes de Toko-Ri (1954), de Mark Robson.
Al año siguiente trabajó nuevamente con Alfred Hitchcock en Atrapa a un ladrón (1955), adaptación de la novela de David Dodge, en donde también dio la réplica a un galán maduro, Cary Grant. Hitchcock aprovechó para cargar las tintas más en el aspecto romántico y en el tratamiento de la imagen que en el posible suspense. Después, Charles Vidor aventuró su porte principesco en El cisne (1956), una comedia romántica con la realeza europea como protagonistas de una historia de amor en la que Alec Guinness era el pretendiente. Este mismo año interpretó Alta sociedad (1956), de Charles Walters, comedia musical que sería también su despedida formal del cine.
Grace Kelly había conocido en 1955 al príncipe Rainiero de Mónaco, con quien contrajo matrimonio poco después. De dicha unión, tras la cual abandonó su carrera cinematográfica, nacieron la princesa Carolina, el príncipe Alberto y la princesa Estefanía. Acompañada de esta última, en 1982 sufrió un accidente de circulación nunca bien aclarado que acabó con su vida.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kelly_grace.htm
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ESTRENO DE 'GRACIA DE MÓNACO' EN CANNES
•La Grace Kelly que quiso dejar de ser
Hitchcock no viajó a Mónaco en los años 60. Además, jamás fue a pedirle en persona a Grace Kelly, Gracia de Mónaco por aquel entonces, que abandonase el Principado para volver al cine y convertirse en su Marnie, la ladrona. Ese es el hecho que narra Gracia de Mónaco, la película protagonizada por Nicole Kidman que ha abierto esta semana el Festival de Cannes. Cierto que la cinta no anda desencaminada porque el mal llamado ‘mago del suspense’ le ofreció la película a Grace tras sus innumerables disputas con Tippi Hedren, que ya había rodado Los pájaros con él y se había convertido en un elemento de continua discordia. Aunque la fidelidad histórica no ha sido el motivo principal de que la película biográfica sobre Grace haya sido vapuleada por la crítica a su paso por el Festival. La realidad fue otra y tiene que ver con el tipo de persona que era la famosa actriz, un manojo de nervios con apariencia tranquila.
A mediados de los años 50, los españoles de la época veían cómo los censores de dudosa inteligencia convertían el adulterio de la actriz en la película en un incesto a base de cambiar el doblaje y convertir a su marido en su hermano. Intentando evitar lo que ellos consideraban una abominación, habían cometido otra mucho peor en la película Mogambo, que protagonizaba junto a Clark Gable y Ava Gardner. Esa era la anécdota que España conocía más sobre Grace Kelly en los años previos a su coronación como princesa, cuando era, nada más y nada menos, una estrella. Hitchcock la había convertido en su estrella, en otra de sus rubias gélidas, en películas como La ventana indiscreta, Crimen Perfecto o Atrapa a un ladrón. Sin embargo, ella no era otra rubia más, sino su favorita. De hecho, hay quien dice que el orondo creador estuvo enamorado de ese “iceberg con un volcán dentro”, tal y como la llegó a definir.
En 1955, y ante su éxito de taquilla, la joven viajó, precisamente, al Festival de Cannes para representar a la Asociación de Productores Cinematográficos de América. El príncipe Rainiero aceptó hacerse una sesión de fotos con ella para la revista París Match y fue entonces cuando surgió el flechazo. La correspondencia entre ambos fue abundante y, además, se preguntaban cómo podían hacer partícipe a la prensa de algo tan inusual: una actriz de Hollywood y un príncipe monegasco enamorados, la farándula mezclada con la realeza europea. Las habladurías de años posteriores han señalado que fue duro para una joven que había tenido romances con actores como Marlon Brando, parecer todo lo impoluta y virginal que debía para el Principado.
El camino no fue de rosas, ya que muchos de esos rumores apuntan también a que siguió teniendo amantes durante el matrimonio con Rainiero como respuesta a las muchas mujeres que también ocupaban la cama de él. Lo que Hitchcock le pidió encajaba perfectamente en 1962, cuando Grace estaba cansada de ser la princesa para todo. Había días que, según sus biógrafos, se preguntaba por qué diablos había dejado su gran pasión, el cine, a cambio de ser una princesa que estaba lejos de vivir en un cuento. Fueron sus hijos, Carolina, Alberto y Estefanía, los que acabaron haciéndola feliz y acomodándola a un sitio que en principio no era el suyo. Los monegascos lo pudieron comprobar, ya que no hubo mujer más eficiente en el trabajo de complacer a sus súbditos.
Seguramente por eso la tragedia les golpeó fuerte cuando en 1983 la princesa falleció en un accidente de tráfico a los 55 años. Iba acompañada de su hija Estefanía y las lágrimas del príncipe Rainiero en su funeral sólo dejaban clara una cosa: por muchas amantes que hubiese podido tener al inicio de su matrimonio, jamás superaría la muerte de la que había sido la mujer de su vida. Para cuando Kelly dejó este mundo, Hitchcock, el hombre que la había tentado para volver al cine, lo había hecho también. No pudo ver cómo la gente se despedía de ella y cómo ya no había ninguna duda de que su primera opción como Marnie, la ladrona había triunfado más siendo Grace, la princesa.
La mejor gimnasta de todos los tiempos no sólo supo conseguir el reconocimiento mundial por sus impecables acrobacias como profesional, sino también por su costado solidario que mostró luego de su retiro.
Con apenas 14 años, y con toda la inocencia de una chica de esa edad, Nadia Comaneci tuvo al mundo rendido a sus pies. La fama y el éxito irrumpieron casi sin avisar en la vida de esa niña rumana, luego de su excelente performance en los Juegos Olímpicos de Montreal 1976. Sin embargo, la vida no fue tan sencilla para la mejor gimnasta de todos los tiempos, quien debió huír de la Rumania comunista para poder seguir admirando al mundo con sus acrobacias. En la actualidad, no sólo dedica su tiempo para colaborar con numerosas organizaciones de beneficencia, sino también continúa ligada al mundo de la gimnasia con la clínica que encabeza en su país natal.
Nacida en el año 1961, en la ciudad rumana de Onesti, Nadia fue descubierta, con tan sólo seis años de edad, por uno de los mejores entrenadores de este deporte, Bela Karolyi. Junto con él, en muy poco tiempo llegó a lo más alto de la gimnasia.
En 1976, esa niña de apenas 1,50 de estatura y 40 kilos, se presentaba ante el mundo en los Juegos Olímpicos celebrados en Montreal. Allí comenzó la leyenda de una de las grandes deportistas de la historia. Comaneci no sólo obtuvo cinco medallas (tres de oro, una de plata y otra de bronce), sino que además consiguió lo que nadie hasta ese momento: fue la primera gimnasta en obtener un perfecto 10 por parte de los jurados. Incluso, como era casi una utopía pensar que alguien pudiera realizar semejante performance, los carteles electrónicos que marcaban los puntajes no estaban preparados para la máxima nota, por lo que la reflejaron con un anecdótico 1.00.
Los éxitos continuaron para la pequeña Nadia. Pero a fines de la década de los 70, su carrera entró en declive. La presión que debía soportar a su corta edad y sus problemas de sobrepeso marcaron el principio del fin. En los Juegos de 1980, realizados en Moscú, su gran rival fue el dolor de ciático. Pero ni las lesiones pudieron con el gran esfuerzo y perseverancia de Comaneci, quien se terminó llevando dos medallas doradas. Cuatro años más tarde realizó su última gran presentación en los JJOO de Los Angeles, con apenas 22 años. Una infección en su mano y tras meses de irregulares desempeños, puso punto final a una corta carrera, pero que le alcanzó para quedar en la elite del deporte mundial.
Tras su retiro, la vida la bajó de los laureles y la sumergió en una profunda pesadilla. El Gobierno del comunista Nicolae Ceaucescu incautó su correspondencia e intervino su teléfono. Motivo por el cual se vio obligada a exhiliarse en Austria, en 1989, donde solicitó el asilo diplómatico en Estados Unidos. Allí Nadia comenzó una nueva vida. Una vida que se mantuvo ligada a la gimnasia, pero también a la acción benéfica.
Durante su travesía por Norteamerica, Comaneci conoció a quien hoy es su marido, el gimnasta Bart Conner, con quien, a su vez, hoy llevan adelante la Academia Gimástica Bart Conner. Además, Nadia también cuenta con su propia clínica para nuevos talentos, en su Rumania natal, a donde viaja constantemente para seguir bien de cerca tanto la Academia como las fundaciones a las que ayuda.
En tanto, la mejor gimnasta de todos los tiempos también se volcó a la difusión del deporte que tantas alegrías le trajo. Es editora asociada de la revista International Gymnast Magazine y posee su propia productora de televisón Perfect 10 Productions, que se dedica a las retransmisiones deportivas.
Por su parte, Nadia también ha aportado toda su experiencia en la gimnasia en las transmisiones de los últimos dos Juegos Olímpicos, disputados en Atenas, en 2004, y Beijin, en 2008. Nadie mejor que ella para explicar lo que puede sentir una gimnasta en plena competencia.
Pero, sin dudas, lo que más enaltece a esta excelente deportista no es tanto su actualidad como entrenadora o empresaria de medios, sino mas bien su costado solidario. Junto con su marido están directamente comprometidos con organizaciones como la Muscular Dystrophy Association (Asociación de Distrofia Muscular), algunos orfanatos rumanos, y con la realización de las Olimpíadas Especiales, para peronas con capacidades diferentes. "Es parte de nuestra familia", reconoció Comaneci, con total orgullo, a la agencia Reuters, en referencia a su intervención en estos Juegos.
A lo largo de su carrera, Nadia no sólo supo cosechar medallas y reconocimientos a nivel mundial. La excelencia que desplegó como gimnasta la llevó a ser distinguida como Presidenta de Honor de la Federación Rumana de Gimnasia, Presidenta Honorífica del Comité Olímpico Rumano, Embajadora de Deportes de Rumania y miembro de la Fundación de la Federación Internacional de Gimnasia, entre otras distinciones. No obstante, ella no se conforma con la logrado a nivel personal. Sino que trata de sacar provecho de la trascendencia a nivel mundial que tiene una personalidad de su envergadura en beneficio de aquellos que no corrieron su misma suerte: "Yo uso lo que valgo como leyenda para colaborar en diferentes causas sociales".
