domingo, 14 de septiembre de 2014

 Mario Benedetti


Nació el 14 de setiembre de 1920 en Paso de los Toros, Uruguay, donde sus padres Brenno Benedetti (químico farmacéutico y enólogo) y Matilde Farrugia se conocieron y se casaron. En 1922 se trasladaron a Tacuarembó, capital del departamento, y poco después a Montevideo, donde en 1928 nació Raúl, el hermano menor, enólogo en su juventud, que años más tarde habría de destacarse en el dibujo comercial y en la pintura. Mario ingresó en el Deutsche Schule de Montevideo, donde completó los seis años de Enseñanza Primaria y aprendió alemán, lo que le sirvió posteriormente para ser el primer traductor de Kafka en Uruguay. Cuando en esas aulas se hizo presente el nazismo, fue inmediatamente retirado por don Brenno.
Durante dos años fue alumno del liceo Miranda, pero el resto de Secundaria lo cumplió como estudiante libre. En esos mismos años aprendió taquigrafía, que durante largo tiempo fue su medio de vida. A los 14 años empezó a trabajar, primero como taquígrafo, luego como vendedor, funcionario público, contable, periodista, locutor de radio, traductor. Se formó como periodista junto a Carlos Quijano, en el semanario Marcha. En 1946 se casó con Luz López Alegre, que falleció en abril de 2006. Durante quince años integró el personal de una importante inmobiliaria, llegando a desempeñar el cargo de Gerente General. En 1948 funda y dirige la revista Marginalia y luego integra la redacción del semanario Marcha, en el que llegó a dirigir la sección literaria. Como periodista trabajó en El Diario y La Mañana (donde codirigió con Álvarez Olloniego la página literaria “Al pie de las letras”) publicando intensamente crítica cinematográfica y teatral. Integró además el staff del Semanario Brecha, y colaboró con El País de Madrid, la revista Punto Final de Santiago de Chile, la revista Crisis de Buenos Aires, entre otras.
Formó parte del grupo de la Revista Número de Montevideo junto a Idea Vilariño, Carlos Martínez Moreno, Emir Rodríguez Monegal, Sarandy Cabrera y Manuel Antonio Claps.
Desde 1968 a 1971 dirigió el Centro de Investigaciones Literarias, de la Casa de las Américas, en La Habana, y además integró el Consejo de Dirección de esa misma Institución. De 1971 a 1973 dirigió el Departamento de Literatura Hispanoamericana, en la Facultad de Humanidades y Ciencias de Montevideo. En 1973 a raíz del golpe militar renunció a este último cargo y debió abandonar el país por razones políticas. Etapas de sus doce años de exilio fueron Argentina, Perú, Cuba y España. A partir de 1985, con el restablecimiento de la democracia en su país residió una parte del año en Montevideo y otra en Madrid.
Ha publicado más de 80 libros con más de 1200 ediciones y ha sido traducido a más de 25 lenguas. Su obra aborda diversos géneros: poesía, cuento, novela, ensayo y crítica literaria. Como humorista publicó numerosas crónicas bajo el seudónimo Damocles, primero en Marcha y luego en la revista Peloduro. Ha escrito además numerosas letras de canciones, reunidas en el volumen Canciones del Más Acá (1988) e incorporadas al repertorio de más de cuarenta cantantes, entre los que figuran Joan Manuel Serrat, Nacha Guevara, Los Olimareños, Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Pablo Milanés, Soledad Bravo, Amparo Ochoa, Laura Canoura, Rosa León, los Gambino, Eduardo Darnauchans, Adriana Varela, Numa Moraes, Tania Libertad, Marilina Ross, etc. El recital A dos voces, de canto (Daniel Viglietti) y poesía (Mario Benedetti) ha sido presentado en veinte ciudades de América Latina y Europa.
Ha integrado jurados de cine en los festivales internacionales de La Habana, San Sebastián y Valladolid, y de literatura en Uruguay, Argentina, Cuba, México, Ecuador, Panamá y España.
El Consejo de Estado de Cuba le otorgó en 1982 la Orden Félix Varela y en 1989 la medalla Haydée Santamaría. En 1987, Amnistía Internacional confirió en Bruselas el Premio Llama de Oro a su novela Primavera con una esquina rota, y en 1995 le fue otorgada en Chile la medalla Gabriela Mistral, así como en 2005 la medalla Pablo Neruda. En 1996 obtuvo en Uruguay el Premio Especial Bartolomé Hidalgo a su obra ensayística. En 1993 la Universidad de Buenos Aires lo designó Profesor Honorario, y en 1996 en Uruguay le fue otorgado el título de Profesor Emérito en la Facultad de Humanidades y Ciencias. En 1997 fue nombrado Doctor Honoris Causa por las Universidades de Alicante, Valladolid y La Habana, y en el 2004 recibió igual distinción de la Universidad de la República en Montevideo. En 1999 le fue otorgado en España el VIII Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana. En el mismo año, en Uruguay, el Ministerio de Educación y Cultura le otorgó (conjuntamente con el narrador Julio da Rosa) el Gran Premio Nacional a la Actividad Intelectual. En 1999 la Cámara de Representantes de Colombia le otorgó la Orden de la Democracia en el grado Gran Cruz. En el año 2005 le fue otorgado en Santander, España, el Premio Internacional Menéndez Pelayo. Recibió el Premio Alba en la categoría Letras y la Orden Francisco de Miranda Primera Clase por parte del Gobierno Bolivariano de Venezuela en 2007, y en 2008 el Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Córdoba, Argentina.
Algunas veces en compañía de su mujer y en otras ocasiones en forma individual emprendió numerosos viajes, que incluyen países como España, Francia, Alemania, Suiza, Dinamarca, Noruega, Suecia, Bélgica, Gran Bretaña, Austria, Finlandia, Italia, Grecia, Portugal, Unión Soviética, Bulgaria, Egipto, Estados Unidos, Argentina, Cuba, México, Nicaragua, Brasil, Chile, Ecuador, Colombia, Venezuela, Perú, Panamá y Costa Rica.
Fallece el 17 de mayo de 2009 en su casa de Montevideo.


http://www.fundacionmariobenedetti.org/mario_benedetti/vida/




MUSICA EN LA ANTIGUA GRECIA

Sobre el año 1900 a.C. a Grecia llegaron tribus como los jonios, aqueos y eolios. Éstos fueron los creadores de la cultura micénica al mezclarse con la cultura minoica de Creta.

En el 1200 a.C Grecia sufrió una importante invasión, por su trascendencia posterior : la de los dorios. De este periodo tenemos como testimonio los textos de Homero, La Ilíada y La Odisea, con las narraciones de las gestas de los héroes micénicos. De estos textos sacaron la inspiración los cantores para crear sus canciones, que seguían las melodías tradicionales o nomoi.

Además de estos, vamos a llamarles cantores profesionales, también existía la música popular y la coral, interpretada por grupos de ciudadanos en sus actuaciones o manifestaciones artísticas o rituales.

La música en la antigua Grecia era materia obligada de estudio, hecho que demuestra la evolucionada cultura del pueblo griego, no sólo en el terreno de otras vertientes artísticas que ya conocemos, si no también en el terreno musical.

Los instrumentos musicales más populares eran la lira y la cítara, pero existía además el aulos (ver imagen). El aulos era un instrumento de viento formado por dos caños dobles en forma de ángulo. Este instrumento se dedicaba a la adoración de Dionisio.
En el siglo VII a.C. aparece la poesía lírica, llamada así por acompañar los textos con música interpretada con la lira, término que perdura hasta el día de hoy. Los temas eran basicamente de índole amorosa, aunque también había de otros tipo, como gestas heroicas, etc.

Otros instrumentos musicales de la antigua Grecia son el arpa, sambyke o magadis, y sus formas menores, pectis y barbitós.

Pero sigamos con la evolución de la música en la antigua Grecia. A principios del siglo V, e incluso a finales de VI a.C, Atenas tomó el relevo de Esparta en cuanto a ser el centro cultural predominante en Grecia. En el terreno que nos ocupa de la música, es entonces cuando aparecen el ditirambo y el drama, sumamente importantes ambos, por la trascendencia que tuvieron en la historia universal.

El ditirambo, creado en el culto a Dionisio, consistía en unos bailes y cantos acompañados por el aulos.
Probablemente los dramas griegos se basan en estos ritos antiguos. Los poetas-músicos creaban piezas con música y drama; es decir, que incluían poesía, danza y música. Los dramas se representaban en los anfiteatros por actores que cantaban y bailaban. Los textos se podían expresar tanto declamando como cantando. La danza, se denominaba orchesis, se realizaba delante del escenario a cargo de un coro. Este lugar donde se realizaba la danza se llamó orchestra. Ya podemos ver de qué manera, esas demostraciones musicales de la antigua Grecia han sido importantes e imperecederas en su base.

En el siglo V a.C ya se observa una mayor evolución hacia formas más complejas, y los poetas-músicos se profesionalizaron en la creación de dramas, dejando tal vez, un tanto de lado la raíz popular que tuvieron en un principio.
Escuela pitagórica
Evidentemente, con este nombre ya se puede suponer que esta escuela pitagórica fue fundada porPitágoras (585-479 a.C), en la que entre otras materias, se enseñaba su teoría musical como fundamento para la educación moral o del espíritu.

La teoría musical de Pitágoras, para explicarla en términos sencillos, se basaba en las matemáticas y establecía una relación entre la longitud de una cuerda y el sonido emitido por la misma. Esto se medía con un monocordio, que era un instrumento que como su nombre indica tenía una sóla cuerda y un puente movil.

Sin embargo, esto tenía detrás toda una teoría metafísica. En esta teoría se decía que la música influía tanto en lo universal como en lo personal o humano, lo que convertía a la música en un arma muy poderosa al servicio del Estado.

La misma idea la formuló Platón en su obra La República, en la que analizaba qué tipos de música enriquecía y beneficiaba la formación de los ciudadanos. Posteriormente Aristóteles demostró los fines terapéuticos de la música y su influencia en el estado de ánimo.

Es sumamente interesante conocer los albores de la historia de la música de la mano de estas grandes civilizaciones, que no dejan de ser el fundamento y raíz de la nuestra.

http://caminodemusica.com/clasica/musica-en-la-antigua-grecia





Canciones con historia: Beach Boys “California Girls”

La banda liderada por Brian Wilson publica el 24 de julio de 1964 uno de sus mayores éxitos: “California girls”.
La canción estaba incluida en el disco “Summer days”.
El tema fue compuesto por Mike Love y Brian Wilson y muestra, claramente, el contraste de voces de los miembros de la formación californiana.
 Lanzada como sencillo, alcanzó el Nº 3 en la lista del Billboard Hot 100.

Tan sólo tres años antes, The Beach Boys irrumpían en la escena musical con “Surfin” Safari”, su disco debut. Precisamente con un tema de este álbum, “I get around”, lograban su primer Nº1 en el Billboard.

“California Girls” fue más tarde interpretado por David Lee Roth, ex cantante de Van Halen, como parte del EP “Crazy from the Heat”, de 1985. Incluso, el Beach Boy Carl Wilson contribuyó en los coros de esta versión junto a Christopher Cross. Al igual que la original, alcanzó el top 3 del Billboard Hot 100.

La canción “California Girls” forma parte de la lista “The Rock and Roll Hall of Fame”s” con las 500 canciones más importantes de todos los tiempos.

http://www.radiounodigital.com.uy/home/historia-del-rock-beach-boys-editan-california-girls/






El lago – Alphonse de Lamartine

Así siempre empujados hacia nuevas orillas,
en la noche sin fin que no tiene retorno,
¿no podremos jamás en el mar de los tiempos
echar ancla algún día?

Lago, apenas el año ya concluye su curso
y muy cerca del agua donde yo le di cita,
mira, vengo a sentarme solo sobre esta piedra
donde ayer se sentaba.

Tú bramabas así bajo estas mismas rocas,
te rompías con furia en su herido costado;
así el viento arrojaba tus oleajes de espuma
a sus pies adorados.

Una tarde, ¿te acuerdas?, en silencio bogaba
entre el agua y los cielos a lo lejos se oía
solamente el rumor de los remos golpeando
tu armonioso cristal.

De repente una música que ignoraba la tierra
despertó de la orilla encantada los ecos;
prestó oídos el agua y la voz tan amada
pronunció estas palabras:

«Tiempo, no vueles más. Que las horas propicias
interrumpan su curso.
¡Oh, dejadnos gozar de las breves delicias
de este día tan bello!

Todos los desdichados aquí abajo os imploran:
sed para ellos muy raudas.
Con los días quitadles el mal que les consume;
olvidad al feliz.

Mas en vano yo pido unos instantes más,
ya que el tiempo me huye.
A esta noche repito: "Sé más lenta", y la aurora
ya disipa la noche.

¡Oh, sí, amémonos, pues, y gocemos del tiempo
fugitivo, de prisa!
Para el hombre no hay puerto, no hay orillas del tiempo,
fluye mientras pasamos.»

Tiempo adusto, ¿es posible que estas horas divinas
en que amor nos ofrece sin medida la dicha
de nosotros se alejen con la misma presteza
que los días de llanto?

¿No podremos jamás conservar ni su huella?
¿Para siempre pasados? ¿Por completo perdidos?
Lo que el tiempo nos dio, lo que el tiempo ha borrado,
¿no lo va a devolver?


El Lago - Lamartine
Concierto de la Orquesta Sinfonica de Santa Fe Sábado 13 de Septiembre de 2014

PROGRAMA
III . - F. Liszt: Les Preludes


Franz Liszt (1811-1886), Los Preludios-3º
Franz Liszt (1811-1886). Nacido en Doborján (Hungría) y fue compositor, director de orquesta y posiblemente el pianista más virtuoso que ha dado la historia de la música. Fue innovador en cuanto a formas y armonía. Usó la técnica de la "transformación de temas" en las que unos se convierten en otros. Sus audacias armónicas las llevó tanto al plano pianístico como, sobre todo, al orquestal.

Mención aparte merece su faceta de pianista. Su técnica era prodigiosa y envidiada por todos que, sin embargo, iban a escucharlo con deleite. De hecho, ya te he contado que había cierto 'pique' entre él y Chopin. Este admiraba el virtuosismo de Liszt y este la capacidad melódica del polaco.

La forma musical que creó Liszt (aunque hay quien opina que el verdadero inventor fue César Franck) es el llamado poema sinfónico. Se trata de una obra en un solo movimiento, lo que no significa que todo esté interpretado a la misma velocidad ya que hay partes más rápida y otras más lentas. En un poema sinfónico, el contenido de un poema, una novela, un paisaje, un cuadro, etc. es evocado, digamos que 'retratado' en el pentagrama.

Liszt compuso trece poemas sinfónicos, siendo el tercero el que nos ocupa hoy, titulado Los Preludios. El título hace referencia a una oda de Lamartine en el que se alude a la vida como una serie de preludios a ese desconocido Himno. 
Es una obra que recorre todos los humores románticos, desde el más tierno al más guerrero y marcial, en esa composición arrebatadoramente romántica (valga el uso repetido de la palabra).

 La obra goza de cierta fama negativa ya que fue tomada como sintonía del noticiero de la Wehrmacht.



Concierto de la Orquesta Sinfonica de Santa Fe Sábado 13 de Septiembre de 2014

PROGRAMA
B. Bartok: Concierto para Viola y Orquesta


Béla Bartók: Concierto para viola y orquesta

  Por Rafael Muñoz Saldaña

Entre los compositores de los últimos cien años Béla Bartók es excepcional por un perfil artístico en el que resalta la fusión de elementos académicos y folclóricos, y la síntesis de dos épocas musicales: el fin del Romanticismo y el comienzo de las vanguardias distintivas del siglo XX. En sus obras destaca la fuerza rítmica, el color de las tonalidades y la variedad de las armonías. De esta manera, ciertos elementos lo emparientan con Richard Wagner y Richard Strauss, mientras otros lo hacen decididamente moderno y aún contemporáneo medio siglo después de su muerte. Su amplio catálogo abarca casi todos los géneros: ópera, ballet, música para un solo instrumento, cuartetos de cuerdas y sinfonías. Sin embargo Bartók tuvo especial interés en las obras concertantes, que alcanzaron su auge entre los albores del período Clásico y las postrimerías del Romántico. De ello dan prueba tres conciertos para piano, un atrevido experimento en el que la propia orquesta es el instrumento solista (el Concierto para orquesta) y un concierto para viola que dejó inacabado.
Los conciertos para viola no son comunes en la historia de la música por el sonido tanto grave y opaco del instrumento y el lucimiento de su hermano el violín que, como pasa en todas las familias —la de las cuerdas no es la excepción—, ha pretendido anularla. Algunas obras que le dan un papel protagónico como son el Concierto de Grazyna Bacewicz,Haroldo en Italia de Hector Berlioz, la Suite Hebraica de Hernest Bloch, el Concierto opus20 de Peter Racine, La Suite en ocho movimientos de Ralph Vaughan Willians y laRapsodia-Concierto de Bohuslav Martinu.

 Fue por eso que William Primrose (Glasgow 1903-Provo, Utah 1982), el violinista más famoso de todos los tiempos, encargó a Bartók la composición de una obra especial para él. Primrose quería devolver a la viola el carácter y la importancia que había perdido a lo largo de los siglos. Así lo explicaba en un escrito: «La viola ha sufrido quizá más altibajos en su tratamiento musical que cualquier otro instrumento de cuerda. En los últimos años del siglo XVI y los comienzos del siglo XVII mantenía en las orquestas la misma posición que tienen hoy día los primero y segundos violines. El violín, con su afinación más alta y su color tonal más exquisito, continuamente tocaba a la puerta. La viola hacía las veces de sirvienta donde algina vez había sido dueña y señora».
Afincado en Estados Unidos a causa del exilio que le impuso la Segunda Guerra Mundial, Bartók pronto realizó los primeros bosquejos y compuso la parte del instrumento solista. Pero su método de trabajo era tanto caótico: la notación musical resultaba confusa, bocetaba un motivo y otro en pequeños trozos de papel y sólo él estaba en condiciones de compilar todo el material en una partitura legible y consistente que tardó en confeccionar un año.
A inicios de septiembre de 1945, cuando la obra había avanzado lo suficiente, Bartók se comunicó con Primrose para proponerle una reunión. En ella discutirían algunos detalles hasta que la partitura fuera satisfactoria tanto para el compositor como para quien sería su primer intérprete. La cita no pudo llevarse a cabo el día previsto a causa de un fuerte aguacero. Ante tal contingencia planearon un nuevo encuentro que tendría lugar la semana siguiente. Éste jamás se realizó pues Bartók murió en West Side Hospital de Nueva York el 26 de septiembre de 1945, a consecuencia de la leucemia que le habían diagnosticado meses atrás. El compositor fue inhumado provisionalmente en un ataúd metálico en el cementerio Ferncliff de Weschester Country. Sus restos fueron exhumados y repatriados a Hungría en julio de 1988. Reposa en el cementerio Frakasrét de Budapest al lado de su madre y su esposa Ditta. 
El Concierto para viola quedó inconcluso. Hay quienes dicen que la obra ya estaba terminada pero no en una versión indescifrable para otros ojos que no fueran los de su autor. Se propuso a Tibor Serly, uno de los alumnos más aventajados de Bartók, reconstruir la partitura. Serly tardó más de dos años en interpretar lo que decían aquellas trece páginas y numerosos trozos de papel. En especial cuidó las indicaciones de Bartók en el sentido de crear un acompañamiento musical ligero que permitiera oír el sonido de la viola. Tocó también a Serly realizar la orquestación de los últimos diecisiete compases del Concierto para piano número tres.
El estreno, que estuvo a cargo del propio Primrose y bajo la batuta de Serly, se llevó a cabo en 1949. Existe una grabación de la interpretación original editada recientemente por el World Record Club. Algunas personas quedaron inconformes con esa versión e incluso ha habido intentos por rectificarla, pero no han tenido mayor trascendencia. En el Primrose International Viola Archive de la Universidad de Brigham Young se conserva una serie de documentos que pertenecieron a Primrose. Ahí está por ejemplo, una Suite de danzas españolas original de Efrem Zimbalist. También se ubican en él las copias de trabajo delSegundo concierto para viola de Darius Milhaud y el manuscrito original de Serly con la versión final del concierto de Bartók.
Aunque la duración fluctúa de acuerdo con el intérprete el Concierto para viola no rebaza los veinte minutos. Está dividido en tres movimientos sin solución de continuidad. Allegro, Adagio religioso y Finale que van reduciendo su extensión. El segundo alcanza apenas la mitad del primero y el tercero tan solo una cuarta parte. Hay quienes distinguen entre elAdagio y el Finale un breve movimiento de transición conocido como Allegreto. Aunque la obra tiene algo enigmático en ella las emociones se expresan con claridad. El instrumento solista y la orquesta dialogan empleando un lenguaje no del todo comprensible para el auditorio desde el plano intelectual. Tras las frases profundas se distingue un tono de soledad y melancolía que nos aproxima a los sentimientos de un hombre que se sabe cerca de la muerte.


http://periodico1900.com/2013/07/23/bela-bartok-concierto-para-viola-y-orquesta/


Concierto de la Orquesta Sinfonica de Santa Fe Sábado 13 de Septiembre de 2014

PROGRAMA
J. Brahms: Danzas Húngaras: 1 y 17

Danzas húngaras (Brahms)

Las danzas húngaras (alemán: Ungarische Tänze) de Johannes Brahms (WoO 1), es un grupo de veintiuna alegres danzas, basadas su mayoría en temashúngaros. Las danzas 11, 14 y 16 son originales. Duran entre uno y cuatro minutos. Brahms originalmente las compuso para piano a cuatro manos, y luego arregló diez de ellas para piano solo, y algunas otras (números 1, 3 y 10) para orquesta. Varios compositores, en especial, Antonín Dvořák, han orquestado las demás. Quizás la más conocida es la Danza Húngara n°5 en fa sostenido menor (sol menor en la versión orquestal).

De todas las Danzas húngaras se han hecho innumerables versiones clásicas, acústicas, con nuevas tecnologías. En ellas se encuentran algunas de las piezas más populares del compositor. Además, las danzas húngaras influenciaron a muchos compositores clásicos en la composición de sus obras, en especial aAntonín Dvořák, claramente apreciable en su serie de Danzas eslavas.