POEMA A UN JOVEN ATLETA MORIBUNDO - A.E.Housman

Cuando ganaste la gran carrera
el pueblo entero salió a aclamarte.
Jóvenes y ancianos te vitoreaban
mientras a hombros te llevábamos.
Sabio aquél que sabe escapar pronto
allí donde la gloria no perdura.
Pues aunque pronto crece el laurel
mucho antes que la rosa se marchita.
Pero tú no seguirás el camino
de aquellos que malgastaron su gloria.
Corredores cuya fama se extendió
aunque su nombre perduró menos que ellos.
Ante esa jóven cabeza laureada
contemplarán tu cuerpo inerte
y descubrirán entre los rizos de tu pelo
una guirnalda aún sin marchitar.

Storms In Africa Enya

Cá ó fhad é ¿Hasta dónde es?
Siúl Trid na stoirmeacha. Caminando por las tormentas
Dul Trid na stoirmeacha. Pasando por las tormentas

Cá ó fhad é ¿Hasta dónde es?
Un tus don stoirm. El comienzo de la tormenta
Un tus deiradh ir. El principio hasta el final

Tog hacer Chroí. Lleve su corazón
Tog hacer chroísa. Lleve a su amada

Turas Mór. El largo viaje
Tor Trid na Stoirmeacha. Pesados ??a través de la tormenta

Turas fada. El largo viaje
Amharc Trid na Stoirmeacha. Mira a través de la tormenta

Opera Inspiración: Franz Liszt

La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
Franz Liszt

Hablar de Franz Liszt es hablar de un personaje eje en la música del siglo XIX, pues trajo a la música nuevos horizontes tantos desde el punto compositivo como del de la interpretación. En principio fue un gran amante de la música, propia y ajena. Extremadamente virtuoso como pianista, le dio al piano la calidad y la sonoridad de la orquesta,  tal es así que las transcripciones al piano que hizo de obras orquestales como las 9 sinfonías de Beethoven, al escucharlas uno no extraña a la orquesta, pues todas las notas están ahí; también transcribió obras de Schubert, Berlioz, Saint-Saens, Weber, y claro de su yerno Wagner.

Fue el primer pianista en tocar de costado hacia el público, esto permitía que el espectador tuviera la experiencia sonora de la música y también la experiencia visual de las manos del pianista, convirtiendo el concierto de piano en un gran espectáculo.

Las transcripciones al piano también cumplieron una gran función en su época, la de difundir las obras orquestales a la mayoría de las gentes, después de todo tener un piano en una casa no era algo extraño y como la única forma de disfrutar la música en ese momento era ejecutarla pues Edisón no había inventado el gramófono y en la imaginación de la gente de la época , a excepción quizás de la de Julio Verne, no existían los discos, cassettes, CD, ni Mp3. De esta manera se podía conocer la música de muchos compositores en distintos lugares de Europa y del mundo.

También Franz Liszt se dejó seducir por las bellas melodías de muchas Óperas de la época, y compuso Paráfrasis y Fantasías sobre melodías de Óperas de Mozart, Verdi, Weber, Donizetti, Wagner, etc, creando piezas monumentales de la obra pianística, que ejecutaba en conciertos. Algunas de ellas mostraremos en este artículo.

Franz Liszt y las Óperas de Mozart.
Imposible que a un amante de la música, como Franz Liszt, se le pasaran por alto las deliciosas melodías de las óperas de Mozart y por esos tomó melodías de "Las Bodas de Fígaro" y "Don Giovanni" creando su Fantasía sobre Temas de Mozart Figaro y Don Giovanni S697.

Liszt basó su obra en dos arias de la ópera Las bodas de Figaro: El Aria de Figaro "Non più andrai" (Acto I) y "Voi che sapete Cherubino's" (Acto II), y la escena de baile de la Acto I final de Don Giovanni. La apertura dramática es una paráfrasis libre de "Non più andrai" seguida de un arreglo de "Voi che sapete", en una de las principales fija en lugar de Mozart bemol mayor. Esta es la única aparición de la música de Cherubino, que no se repite. Vuelve al aria de Figaro, inicialmente en su original de Do mayor, pero es rápidamente muy variada, tanto armónica y pianísticamente. Sin embargo, en lugar de proceder a la coda de Mozart, el aria de la transición a los bailes de Don Giovanni. En la ópera, las danzas son un minué en 3 / 4, una danza en el país 2 / 4, y un vals rápido en 3 / 8. Liszt mantiene el minué en fa mayor, y la combina con la danza del país en la misma clave. No agregue el vals como Mozart lo hace, pero lo trata por separado, con el tiempo se combina con la danza del país y, curiosamente, una parte de aria de Fígaro. Una serie de modulaciones de seguimiento que se combinan fragmentos de los cuatro temas. En la transición final, el material anterior de Fígaro se vuelve a utilizar junto con el tema de la minué. Esto conduce a la coda, que termina aria de Figaro y se interrumpe justo antes del final probable de la pieza.

La selección y la yuxtaposición de los temas de Figaro y Don Giovanni puede haber tenido un significado especial para Liszt. El pianista nacido en Australia, y señaló intérprete de música de Liszt, Leslie Howard describe como sigue:

La obra tiene un sentido moral Cherubino el pequeño libertino de "Las Bodas de Fígaro" puede convertirse en un Don Juan (Don Giovanni) sin la intervención del "Non più andrai" de Figaro ( la disciplina y el deber, de una vida militar a la que es empujado Cherubino)

http://benditalamusica.blogspot.com.ar/2010/01/opera-inspiracion-ii-franz-liszt.html

Los Reyes Magos

-¡Si vos no te portás bien,
le digo a los Reyes Magos
que te dejen sin regalo
y te quedas sin el tren!...
es que mi vieja, también, 
un poco se aprovechaba...!
por que esa noche llegaban
los Tres Reyes de Belén!

La carta la había mandado
sin faltas de ortografía,
así los reyes veían
de que era un chico aplicado.
Hice todos los mandados,
me lave hasta las orejas,
porque ese día mi vieja
me tenia acorralado.

La luna hacia brillar
el lustre de mis zapatos...
Y si ellos fueran chicatos 
¿Quién les podía avisar?
Por eso al irme a acostar, 
puse la almohada a los pies
y me acosté del revés
para poder vigilar...

¡Cuando más lo precisaba
me vengo a quedar dormido!
Me desperté a los maullidos
del gato de la encargada...
Ya entraba la madrugada
y un trencito, el más diquero,
del umbral me saludaba...

Lo habían dejado de frente
Ya listo para marchar...
con él me iba a despertar 
a mi madre alegremente
¡Que alegría que uno siente!
- explicarlo yo no puedo-
¡ Unas ganas de ser bueno,
de ser bueno hasta la muerte


Al que dejaron sin nada 
fue al hijo de la de al lado...
¡Como se habrían olvidado!
Siempre "muy bueno" sacaba...
Con nosotros no jugaba
porque en seguida tosía,
y los reyes no sabían 
que el padre no trabajaba...


Yo comprendí su dolor
Cuando me vio con el tren:
Se acerco a mirarlo bien
Y después lo acaricio...
A mi me daba calor
de que me viera jugar 
Y en casa lo invité a entrar
Y él también se divirtió...


¡Cuantos Reyes han pasado 
por la puerta de mi vida.
Y a mí alma dolorida
Cuantas veces la he dejado
como un zapato gastado,
esperando a su Melchor
que le dejara el amor
para un mundo envenenado!


Esta noche por los cielos 
llegarán los Reyes Magos;
vendrán trayendo regalos 
a los chicos que son buenos,
pero hay otros pibes buenos 
en otro lado de la tierra,
que por culpa de una guerra...
¡no han de pasar los camellos!

Señor: yo aprendí a rezar
Arrodillado con mi vieja;
Si nunca te fui con quejas 
hoy me tenes que escuchar:
¿Por qué tienen que pagar 
esos pibes inocentes,
de que en el mundo haya gente
que sólo piensa en matar?

Ellos ¿qué saben de guerras?...
¡ellos quieren Reyes Magos!
¡y ellos, en vez de regalos 
tienen un miedo que aterra!
Si vos pararas la guerra,
pasarían los camellos.
¡Yo te lo pido por ellos!
¡por los pibes de mi tierra!

Héctor Gagliardi

Louis Spohr: Uno de los compositores olvidados

Al pensar en música clásica por lo general nos fijamos en los sospechosos de siempre: Mozart, Bach o Beethoven. Sin embargo, en el pasado hubo compositores que gozaron de igual fama que ellos. ¿Quiénes son?, ¿qué pasó con sus obras?

En el segundo acto de la opereta El mikado, de Gilbert y Sullivan, el protagonista canta acerca de un hombre que asiste a “misas y fugas y opus / de Bach, combinadas / con Spohr y Beethoven, / los clásicos populares”. En efecto, Ludwig (o Louis, como se nombró en su autobiografía) Spohr era un nombre tan familiar que se citaba en medio de Bach y Beethoven. 

Desde luego que Gilbert, el libretista, necesitaba un apellido de compositor de una sola sílaba para que encajara en la métrica del verso, pero habría podido nombrar a Gluck, a Grieg, a Liszt, a Raff, incluso a Johann Strauss; solo que ninguno le proporcionaba el efecto deseado de una manera tan efectiva como Spohr. Sencillamente, Spohr era parte del canon en aquellos días. Hoy en cambio, si uno hace una encuesta aleatoria, difícilmente encontrará una sola persona que haya oído hablar de él. Pero, bueno, en otra encuesta aleatoria que hice años atrás, el 80% no sabía tampoco la fecha del Día de san Jorge ni del natalicio de Shakespeare.

En la primera edición del Diccionario Grove de la música y los músicos, la entrada de Spohr tenía una extensión de ocho páginas (16 columnas), en tanto que de Johann Strauss se dice que “su pluma aún está activa” –era 1883– y solo se le dedica una columna. Si uno asiste a cualquiera de las salas de conciertos construidas en la segunda mitad del siglo XIX, ahí estará el busto de Spohr al lado de las figuras de Haydn, Mozart y Schubert. Esto resulta especialmente cierto si uno visita esas edificaciones en Inglaterra, donde hubo una auténtica “spohrmanía”. 

Spohr, nacido en 1784 en Brunswick, Alemania, fue un niño prodigio del violín y la composición. Como director de orquesta se cuenta entre los pioneros del uso de la batuta, y fue uno de los primeros promotores de Wagner. Sus óperas fueron inmensamente exitosas, entre ellas Fausto (revivida en Londres en 1984) y Jessonda. También se interpretaron sus oratorios: en las tiendas de partituras de segunda se encuentran con sorprendente frecuencia copias muy gastadas de El Calvario y El Juicio Final.

Los compositores se ponen de moda y pasan de moda. Incluso el todopoderoso Bach tuvo que ser rescatado del olvido por Mendelssohn. Los conciertos para piano de Mozart se tocaron en muy raras ocasiones durante el siglo XIX; Liszt, por ejemplo, nunca los tocó. A Vivaldi casi nadie lo había oído; la misma edición del Diccionario Grove le dedica apenas dos columnas: “Poseía facultades creativas en grado limitado”. Estos tres genios ahora ocupan su lugar merecido en el gran panteón. Spohr es uno de los muchos compositores cuyo caso es el contrario: su música alcanzó una inmensa popularidad en vida, fue admirado por sus colegas y alabado por los críticos más influyentes; pero después de su muerte, en un lapso relativamente breve, cayó en el olvido.

Aquello que alguna vez fue encantador y enormemente estimado de pronto pierde su brillo, e incluso sus méritos se perciben como fallas. “El rango de su talento no fue amplio”, dice ahora el Grove. “No parece haber salido de un círculo de ideas y sentimientos... Era aficionado a experimentar en la composición, como en el caso de sus novedosas combinaciones de instrumentos (los cuartetos dobles, la sinfonía para dos orquestas y el concierto para cuarteto, entre otros), pero bajo estas vestiduras y títulos frescos no se encuentra otra cosa que el mismo Spohr de siempre, incapaz de dar un nuevo rostro a unos pocos compases siquiera”. Puede ser cierto, pero, ¿acaso el hecho de que no habitó el Olimpo, de que no todas sus obras se lancen hacia adelante, ni busquen nuevas expresiones ni comenten la condición humana, significa que debamos tirarlas al basurero? Los exquisitos conciertos para clarinete de Spohr, los conciertos para violín y varias de sus sinfonías, por no mencionar el magistral Noneto en Fa mayor opus 31, son obras de un compositor notable. Y sin embargo, ¿dónde están en las programaciones de las salas de conciertos del mundo?

http://www.elmalpensante.com/articulo/2623/los_compositores_olvidados

Louis Spohr

Henri Vieuxtemps

Henri François Vieuxtemps (Verviers, 17 de febrero de 1820 — †Argel, 6 de junio de 1881), fue un violinista y compositor belga, quizá el mayor representante de la escuela violinística franco-belga.

Un niño prodigio

Criado en un ambiente familiar impregnado de música, su padre -violinista aficionado y buen luthier- le da sus primeras clases, para continuar con su paisano Lecloux-Dejonc, que advierte en él grandes cualidades. Con solo seis años, en 1826 inicia su carrera concertística junto a su profesor, con el Concierto para Violín y Orquesta n.º 5 deJacques Rode. En 1827 da su primer concierto en Bruselas, donde fue escuchado por Charles-Auguste de Bériot, quien accede a admitirlo en sus clases del Conservatorio de París, donde se traslada en 1828. Permanece en la capital del Sena hasta 1833, alternando sus estudios con una importante actividad concertística por la propia Francia, Bélgica,Alemania, Italia (donde conoce a Paganini) y Estados Unidos. Son los tiempos en los que su juventud y su virtuosismo al violín le crean una fama legendaria. Con solo trece años, en 1833, se instala en Viena y estudia composición con Simon Sechter. La recepción en la corte imperial es muy buena y hace grandes amistades pese a su corta edad. Entre sus compositores más admirados se encuentra Beethoven, de quien se convierte en intérprete favorito de su Concierto para Violín y Orquesta Op.61.

Primeras composiciones

Su aprecio por la música alemana es grande. En 1834 realiza una gira por Alemania y es escuchado en Leipzig porSchumann, quien lo compara con Paganini. Al año siguiente, en 1835, decide volver a París y concluir sus estudios de composición con Anton Reicha. Su primera composición llegaría en 1836: el Concierto para Violín n.º 2 en Fa sostenido menor Op. 19. En 1837 y 1839 realiza largas giras por Rusia, donde se gana una gran reputación. En el segundo viaje escribe su Concierto para Violín n.º 1 en Mi Mayor Op. 10, estrenado en París en 1841 con el aplauso de Wagner y Berlioz. En 1843 y 1844 realiza sendas giras de conciertos en Estados Unidos, y ese último año otra por Alemania, donde compondría una nueva obra, el Concierto para Violín n.º 3 en La Mayor Op. 25, muy influenciado por su amado Concierto para Violín de Beethoven. En 1844 se casa con la pianista vienesa Josephine Eder, y entre 1846 y 1852 se establece enRusia como violinista del zar, violín solista de los Teatros Imperiales de San Petersburgo y profesor del conservatorio de esta ciudad. Allí compone, además de otras muchas obras, el Concierto para Violín n.º 4 en Re menor Op. 31, descrito porBerlioz como "una sinfonía para violín".

Un músico completo

Vuelve a su Bélgica natal en 1852 y permanece en Bruselas hasta 1854, cuando se traslada a Dreieichenhain, cerca deFráncfort. El profesor Hubert Leonard del Conservatorio de Bruselas le encarga una obra para ser utilizada en el concurso de violín: entre 1858 y 1859 Vieuxtemps compone el Concierto para Violín n.º 5 en La menor Op. 37, de gran sensibilidad y tono romántico. Viaja a San Petersburgo en 1864 para hacerse cargo de la cátedra de violín, pero en 1866 se establece con su familia en París y en 1871 regresa a Bruselas, donde es nombrado profesor de violín en el Conservatorio. Poco después tiene que abandonar el cargo, aquejado de una grave enfermedad, y no reasume su labor docente hasta 1877. En este tiempo, salvo los tiempos de enfermedad, no cesa su actividad concertística con giras por todo el mundo.

En 1879 la enfermedad no le permite continuar y se traslada con su hermana a Mustafá (Argelia), donde esta residía con su marido. Allí continúa su trabajo creativo y compone sus dos últimos conciertos: el Concierto para Violín en.º 6 en Sol Mayor Op. 47 y, poco después, el Concierto para Violín n.º 7 en La menor Op. 49. Muy debilitado fallece en Argel en 1881, pero su cuerpo es trasladado a Bélgica donde es recibido como un héroe nacional y enterrado en Verviers, su ciudad natal.

Principales obras

Música de cámara

·                    Capriccio para Viola solista Op. 9

·                    Rêverie Op. 22 n.º 3, dúo.

·                    Bouquet américain: Last Rose of Summer Op. 33 n.º 5, dúo.

·                    Ballade et Polonaise Op. 38, dúo.

·                    Lamento Op. 48 n.º 18, dúo.

·                    Rêve Op. 53 n.º 5, dúo.

·                    Elegía para Viola y Piano Op. 30

·                    Sonata para Violín Op. 12

·                    Sonata para Viola Op. 36

·                    Sonata para Viola Op. 14

Música orquestal

·                    Concierto para Violín n.º 1 en Mi Mayor Op. 10

·                    Concierto para Violín n.º 2 en Fa sostenido menor Op. 19

·                    Concierto para Violín n.º 3 en La Mayor Op. 25

·                    Concierto para Violín n.º 4 en Re menor Op. 31

·                    Concierto para Violín n.º 5 en La menor Op. 37

·                    Concierto para Violín n.º 6 en Sol Mayor Op.Post 47

·                    Concierto para Violín n.º 7 en La menor a Jenö Hubay Op.Post 49

·                    Concierto para Violonchelo n.º 1 Op. 46

·                    Concierto para Violonchelo n.º 2 Op. 50

·                    Romanza para violín Op. 7 n.º 2

·                    Romanza para violín Op. 40 n.º 1

Wikipedia

Canciones con historia: CALIFORNIA DREAMIN' / THE MAMAS & THE PAPAS

"California Dreamin'" es una canción de The Mamas & the Papas, publicada en noviembre de 1965. Esta clasica canción fue escrita en 1963 por John Phillips y Michelle Phillipsmientras vivían en Nueva York, y está inspirada por la nostalgia de Michelle por California. En ese entonces los Phillips eran miembros del grupo de musica folk New Journeymen.

La banda Ganó su primer contrato para grabar un disco después de haber sido presentados al productor Lou Adler, la cabeza de Dunhill Records, por el cantante Barry McGuire. Ahi fue donde grabaron el disco If You Can Believe Your Eyes and Ears donde grabaron este tema. Nunca llegó al número 1, pero se mantuvo en los altos lugares por 17 semanas.

"California Dreamin'" fue la primera canción y el primer gran éxito de The Mamas & the Papas. De no haber sido por la canción, y el talento del grupo, ellos, tal vez nunca se hubieran convertido en la importante banda que se hicieron. Ademas es incorrecto decir que es una canción de "verano" (como sacaban antes compilaciones que colocaban este tema en sus ediciones veraniegas), puesto que dice que todo sucede en un "winters day" o sea, un día de invierno.

Existe un famoso mito que dice que "California Dreamin'" fue escrita debido a una experiencia de John Phillips en la Escuela naval de los Estados Unidos. Dicen que habla sobre eso que los guardias marinos llaman "la edad del oscurantismo" que ocurre en el periodo de inviernal en la Academia, debido tanto a las pocas horas de luz en invierno como a la carga de exámenes finales y a la de trabajo (el tipico fin de semestre estudiantil donde estamos hasta las manos de tantos trabajos y pruebas). La canción tenía el deseo de un día en la vida de Phillips en la escuela naval que fuese mas largo y que tuviera un clima más cálido.

Un clasico de los sesenta, de la epoca hippie, de las primaveras con flores de paz y de una epoca de cambio... musica libre!!

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2009/07/california-dreamin-mamas-papas.html