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miércoles, 8 de abril de 2015

Canciones con historia: Heart - Dos caras, dos Wilson para el rock

Hermanas de gran talento y con vidas bien diferentes. A Nancy le sonrió un poco mejor que a la dueña del gran vozarrón. Su hermana recibía permanente bullying de su entorno. Aunque el triunfo le pertenecía a todos y ella era una parte importante, no podía estar relajada y disfrutarlo.!

En la época de la banda Heart, Nancy era una reconocida guitarrista y Ann una de las voces más vibrantes femeninas del rock de los 80’. Por sus nombres tal vez no sean tan conocidas, pero si por sus canciones como ser; “High time”, “Crazy on you”, “What about love”, “Surrender to me”, “Who will you run to”, “Alone” y por ser las fundadoras de la banda “Heart”.

Para aquellos memoriosos de la época dorada de los 70’ y 80’ o aquellos que quieren conocen quienes eran los creadores e interpretes de aquellas canciones que hoy se recuerdan con tanta nostalgia, existen dos testimonios vivientes de aquellos días. Dos roqueras, hermanas, sobrevivientes y en un mundo donde el dominio era netamente masculino. Las Wilson, cada una le aportaría su propia impronta a la música que interpretaban. Ellas fundaron una gran banda de hard rock, “Heart”, con las que tuvieron gran destaque desde cuando lanzaron la canción “Barracuda”. El tema fue su primer ‘Simple’ y fue incluido en su segundo álbum ‘Little Queen’ editado en 1977.

Dos hermanas, dos caras, dos vidas “Tragedia Vs. Comedia: Alegría Vs. Tristeza”

Las Wilson nacieron en San Diego (California) y son hijas de un coronel de la marina de los Estados Unidos. Aunque son hermanas, sus rasgos físicos son bien distintos. Mientras la mayor tiene el cabello oscuro y su figura es rellenita, la menor es rubia, con una figura más estilizada. Como le ocurre a la mayoría de los artistas, la vocación por el arte se muestra desde pequeño y tanto Nancy como Ann comienzan a aprender guitarra y a cantar cada vez que pueden. Led Zeppelin y la voz de Robert Plant marcaría a fuego a Ann, que también destacaría su devoción por la cantante y pintora canadiense Joni Mitchell.

En los 70’ Ann forma una banda que llamaría The Army, donde conocería a los hermanos Robert y Michael Fisher. Breve tiempo después, aparece el nombre Heart y al irse uno de sus miembros, es incluida en la banda su hermana, la rubia guitarrista Nancy.

En aquellos 70’ Ann se relacionó sentimentalmente con Michael Fisher, el director de la banda, mientras que su hermana se involucraría con el guitarrista Roger Fisher, el hermano menor de Michael. Ambas parejas gerenciaban la banda. Sin embargo en 1979, ambas relaciones terminaron; Ann dijo que Michael se había enamorado de otra mujer y se despidieron. La canción ” Magic Man “fue escrito por Michael Fisher y contiene letras autobiográficas sobre el comienzo de su nueva relación. Y ella…Ann la cantaba. ¡I n c r e i b l e!

Pero las cosas se siguieron torciendo para Ann. Sucede que ésta gran artista, dotada de una increíble voz, desde pequeña era motivo de burla por su tendencia al sobrepeso. Ella ha confesado más de una vez, que lo que más añoraba era poder comer tranquila. “yo me muero de hambre para poder verme un poco en linea” decía la morocha intérprete de “Alone”. Al comienzo de los 80’ ya el sobrepeso era incontrolable para Ann y los demás integrantes de la banda se lo señalaban constantemente para que bajara de peso. Y por otro lado los productores de la disquera también la acosaron diciéndole que su obesidad perjudicaba la imagen de la banda.

Cuentan que para armar los videos clips, perfilan los ángulos y las ropas de la cantante ante la cámara y utilizan trucos para reducir al mínimo el tamaño del talle de Ann. Y a su vez el lente se posaba más tiempo en la figura de su hermana Nancy, como que su hermana era la que representaba la imagen que tenía que dar la banda.

Ann dijo que ella comenzó a sufrir de ataques de pánico relacionados con el estrés debido al acoso de su entrono por su obesidad.

Cansada de tanto tormento, se sometió a una cirugía de pérdida de peso llamado ” banda gástrica ajustable “en enero del 2002 después de lo que ella llama “una batalla de toda la vida” con su peso.

Un hecho increíble que sucede años después irritaría aún más a la gran cantante y aunque cualquiera desataría todo tipo de odios con su entorno, es admirable el temple con el cual Ann tomaría la información. Ella se enteraría de una compulsa efectuada en EEUU al principio de los 90’ donde se le preguntaban a los fans del rock sobre algunas bandas en particular y sobre sus estrellas preferidas, donde surge la figura de de Ann Wilson. La respuesta de la gente iba por el lado que era una de las mejores cantantes y la gente se identificaba mucho con ella, pues era ‘rellenita’…”es como la mayoría de nosotras”…respondían la mayoría de los encuestados. ¿Qué tal? Como para no calentarse la mayor de las Wilson. ¡Hasta su hermana le hacía ‘bullying!

Y refiriéndonos a su hermana Nancy. Para ella si fue todo distinto. Luego de cortar el romance con el otro hermano Fisher integrante de la banda, la guitarrista rubia conoce a un escritor de aquellos días a un principiante escritor de la revista Rolling Stone. Más adelante ese principiante se convertiría en director de cine, por cierto muy conocido, nos referimos a Cameron Crowe. La pareja se casa y tiene dos hijos. Nancy por su parte, participa y le pone la música a la mayoría de las películas que realiza su marido entre ellas Jerry Maguire, Almost Famous, Vanilla Sky y Elizabethtown. Tambié ha hecho apariciones en películas como The Wild Life de 1984 y Fast Times at Ridgemont High en 1982.

Si la vida tuviera un rostro, parecería que el de Nancy podría estar mas sonriente que el de Ann.

De todas formas, hoy Nancy con 60 años, aún acompaña a su hermana Ann de 63 por los escenarios de Estados Unidos. Ambas son tremendas artistas y el publico nunca se cansa de verlas juntas tocando sus repertorios. Es intrigante ver cómo acompañan el paso del tiempo e incluso como versionan sus propias canciones.

http://www.elreporte.com.uy/heart-dos-caras-dos-wilson-para-el-rock/


miércoles, 1 de abril de 2015

Canciones con historia: Soon - Yes
Yes (Londres, 1968), banda pionera en la vanguardia electrónica y psicodélica, compuso este Relayer en el año 1974, un año después de que el teclista, Patrick Moraz, sustituyera a Ryck Wakeman.
"The Gates Of Delirium" es una canción sofisticada que tiene una duración de 20 minutos, inspirada en la famosa obra de León Tolstói Guerra y Paz.
La pieza es un gran tema que expone en tres partes los elementos del conflicto bélico. La sección final fue lanzada en los Estados Unidos como un sencillo titulado Soon.
Era un antro, en el cual se solían reunir los amantes de la música progresiva y experimental. El hecho diferencial, comparado con otros locales, era el de programar diferentes sesiones monotemáticas de las mejores bandas de música del momento. Si querías escuchar lo último, aquel era el sitio ideal; aunque he de decir que sus sesiones retrospectivas eran de lo más flipante. Apenas bajar los cuatro escalones que daban acceso al local, ya te empezabas a impregnar de aquel ambiente nebuloso, producido por el humo de los "cigarrillos" y la baja intensidad de las luces. Era un local ideal para realizar aquellos viajes que tantas veces habías soñado. Yo los hacía normalmente acompañado de los amigos, aunque de vez en cuando dejábamos que Yes nos acompañara con este "Soon" !Maravilloso!


Canciones con historia: EVERYTHING I OWN (Bread).

 Este cuarteto norteamericano fue uno de los grupos pop más populares en la primera mitad de los años 70, considerados los padres del soft pop y realmente, ¿qué cuarentón o cincuentón no disfrutó la música de Bread en una fiesta en la primera mitad de la década del 70 o no bailó ese recordado y muchas veces amado lado A del LP “THE BEST OF BREAD”? (http://royaltrilogy.blogspot.com/2010/12/bread-musica-celestial.html). Y una de esas canciones que formaban parte de ese mítico lado A de la mencionada recopilación fue “Everything I Own”. La canción destilaba un sentimiento enorme y a flor de piel, que apenas uno la escuchaba en una fiesta, volaba a sacar a alguien a bailar para aprovechar unos tres minutos de apachurre.

"Everything I Own" fue escrita y producida por David Gates y fue incluida en el album “BABY I’M-A WANT YOU” de 1972. Fue lanzada como single el 29 de enero de 1972 y llegó al Nº 5 en USA, según Billboard, y al Nº 32 en UK.

Aunque la canción es frecuentemente interpretada como una canción romántica de amor, la verdad es que David Gates realmente escribió la canción como un tributo a su padre, quien había fallecido. De una u otra forma, sea cual fuere el sentido de su letra, ésta muy bella canción sigue cautivando cada vez que se escucha, y hoy, 40 años después, la volvemos a evocar.

http://royaltrilogy.blogspot.com.ar/2012/05/mis-canciones-favoritas-hace-40-anos.html#.VRBUmSKG_cg


Canciones con historia: “Mediterráneo” -  Juan Manuel Serrat​

Se trata del referente de la canción moderna en lengua castellana y catalana, oriundo de Barcelona y con una historia personal tan vasta y rica como sus propias canciones, Joan Manuel Serrat recibió el miércoles pasado el reconocimiento a la Persona del Año de la Academia Latina de la Grabación, una de las distinciones más importantes para los artistas de habla hispana. Fue una noche de recuerdos y revelaciones, en el que grandes artistas como Joaquín Sabina, Jorge Drexler o Andrés Calamaro, homenajearon al cantautor de 70 años.

Con buen humor, el artista agradeció a las estrellas y al público asistente: “Me siento muy feliz, muy honrado esta noche. Es muy emocionante para mí. Por primera vez asisto a un concierto mío en el que no canto”. El trofeo que recibió, le fue entregado por Laura Tesoriero y Neil Portnow, presidente de la Academia Nacional de las Artes y Ciencias de la Grabación. El público le pidió a Serrat la interpretación de Mediterráneo, una de las canciones mas emblemáticas del catalán.

Algunas leyendas urbanas afirman que Serrat compuso «Mediterráneo» a finales de 1970, en el encierro que protagonizó en el Monasterio de Montserrat junto a un grupo de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte. El Proceso de Burgos, fue un juicio iniciado el 3 de diciembre de 1970 en la ciudad española de Burgos contra dieciséis miembros de la organización armada nacionalista vasca Euskadi Ta Askatasuna (ETA) acusados de los asesinatos de tres personas durante la dictadura del general Franco. Las movilizaciones populares y la presión internacional lograron que las condenas a muerte impuestas a seis de los encausados no llegaran a ser ejecutadas, siendo conmutadas por penas de reclusión.

Se dice también que en sus primeros borradores la llamó «Amo el mar» e «Hijo del Mediterráneo». Otra versión señala que la canción fue compuesta, al igual que el resto del disco, entre agosto y noviembre de 1970 a caballo entre Calella de Palafrugell (Costa Brava), Fuenterrabía (País Vasco) y Cala d’Or en Mallorca. Un tema de la magnitud de Mediterráneo da para alimentar las más variadas teorías.

La verdadera historia se conoció de la voz del propio Serrat en una entrevista hecha por El País con motivo de sus 50 años de carrera en 2014, durante su estancia en el interior de México, alejado del mar: “Estaba en México, llevaba semanas en el interior. Soñaba, literalmente con él. Agarré el coche y me fui a un lago, aunque sólo fuera por hacerme a la idea del mar que yo añoraba. Es en esos casos cuando me doy cuenta de que para mí, el mar, y concretamente el Mediterráneo es una identidad: una identidad feliz”, asegura.

En 2004, Mediterráneo, fue elegida por votación popular como la
mejor canción de la historia de la música popular en España, en un programa de Televisión Española, de título Nuestra mejor canción. Fue también elegida la mejor canción del pop español por la revista Rolling Stone en 2010, entre otras muchas listas de música popular, la catalogan como la mejor canción escrita en español.

http://xjmserrat.com/la-historia-detras-de-la-cancion-mediterraneo-de-joan-manuel-serrat/


sábado, 28 de marzo de 2015

Canciones con historia: DANIEL / ELTON JOHN

"Daniel" es una canción del músico británico Elton John, que fue lanzada como single un 26 de Marzo del año 1973, con el fin de promocionar  el Lp "Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", sexta placa comercial de este famoso artista.

Para el mundo del Pop/Rock, la figura de Elton John es un pilar fundamental a la hora de hacer balances históricos. Dueño de un talento especial para crear grandes melodías, un showman en el escenario y un actor camaleónico hacen de la carrera musical de Elton John una vitrina llena de premios, logros, discos de Oro y un catálogo musical reconocido en todo el planeta.

Una de la canciones mas reconocidas de este sexto trabajo de Sir Elton es la balada "Daniel", dueña de una historia muy particular que pasaremos a contar.

Al igual que muchos de sus hits, el encargado de las letras fue el poeta, compositor y partner de Elton, el señor "Bernie" Taupin. Este se dió el tiempo de cederle un poema a Elton John llamado "Daniel", que fue escrito en Junio de 1972, y que hablaba sobre un veterano de la Guerra de Vietnam que intentaba buscar la paz y el descanso en su entorno cotidiano tras observar y vivir de manera cercana toda la crueldad de una guerra. Sobre la temática general de la canción, Taupin declaró años después:  "La historia es sobre un chico que decide escapar a un pequeño pueblo en Texas, tras regresar de la guerra de Vietnam. Su entorno familiar alababa a este joven, y lo trataban como un héroe. Pero él solo quería descansar, estar en su campo, e intentar recobrar la vida normal que tenía antes. La escribí como un homenaje a todos esos veteranos que llegaron a su casa y simplemente se dedicaron a olvidar y a empezar nuevamente a vivir".

 La historia finaliza cuando Daniel, que era un personaje ficticio, ya no aguanta más tanta presión y homenajes y decide dejar todo tirado en su granja y pescar sus maletas rumbo a España, donde tenía como objetivo fundamental comenzar de cero otra vez.

Hasta ahí todo iba bien, pero el problema vino a la hora en que Elton quiso musicalizar ese poema. Para el músico, el poema que le habia enviado Taupin era muy extenso y eso para el ojo comercial comercial del sello era muy peligroso. Debido a eso, Elton John decidió omitir el ultimo verso, lo cuál cambió por completo el significado de la canción. En ese discriminado verso se hablaba sobre la llegada de "Daniel" a su granja, y además se daba la razón por la cuál decidió irse a España en busca de una nueva vida.

Al día siguiente en que Taupin le pasó la letra a Elton, este compuso la música , hizo los arreglos correspondientes y a la noche ya la tenía grabada pero sin el verso final que fue desechado de manera tajante por el músico. Recordemos que en esas sesiones de grabación de Junio de 1972, Elton y Taupin se habían puesto como meta escribir el máximo de canciones en tan solo dos semanas. El resultado final fueron 12 piezas escritas y grabadas en tan sólo 12 días, lo cuál es impactante ya que ni se nota que fueron hechas a la rápida y queda a flote el nivel de moticación e inspiración que ambos compositores tenían a la hora de trabajar ese disco.

Pese a que la canción no contaba con mucho apoyo por parte de la discográfica, ya que la encontraban algo poco comercial por su duración y podía caer simplemente como una balada mas dentro de las tantas que andaban por las radios, Elton John y sus amigos decidieron lanzarla como single promocional.

Finalmente esa idea fue muy exitosa, ya que a un mes de su publicación, y con una promoción muy lenta, "Daniel" lograba llegar al segundo puesto del Billboard Hot 100 y a la cuarta posición del UK Singles Charts.

Tras el éxito vino una serie de especulaciones por parte de la fanaticada y la prensa sobre la temática de la canción. Es que la idea de sacar el ultimo verso a la balada, por parte del músico, dejó muy oscura la temática y dió paso a muchas interpretaciones.

Un grupo empezó a mencionar que la canción hablaba sobre un hermano de Taupin, y que era de carácter autobiográfica. Mientras tanto aparecían otros personajes, mas extremos en cuanto a imaginación,que se atrevían a decir que la canción era dedicada a uno de los amantes de Elton John. Ante este festival de mentiras e inventos por parte de la prensa, Taupin señalaría años después: "'Daniel' debe ser la canción más mal interpretada, por parte de la prensa, que jamás se haya escrito"

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2012/04/daniel-elton-john.html


Canciones con historia: Chiquitita – Abba
Chiquitita es una cancion interpretada por el famoso grupo sueco ABBA. Tiene el record de ser el sencillo (single) más vendido en la historia de América Latina y en 1979 fue donada a la UNICEF donde llego a vender mas de n millond e dolares en el disco "Musica para la Unicef".
La historia dice que fue escrita por la dupla Benny y Björn, y la fecha de grabacion fue el 14 de diciembre de 1978. Primero fue llamada "Kålsupare", luego "Three Wise Guys", mas tarde "In The Arms Of Rosalita" y "Chiquitita Angelina".
La canción habla simplemente de alguien que trata de consolar a una joven que por alguna razón esta muy triste. Esta pieza musical tuvo gran aceptación por el público hispano, por lo que prácticamente ha alcanzado el estatus de canción popular. Dicho éxito les llevó a grabar versiones en español de algunas de sus canciones y consecuentemente un disco. Este tema viene incluido en el álbum Voulez-Vous como el tema número.
A los pocos dias de su lanzamiento, la cancion llegó a ser número 1 en Suiza, Bélgica, Finlandia, España, Irlanda, Holanda, Sudáfrica, Nueva Zelanda, México y Zimbabwe. Alcanzó el Top 10 en muchos otros países, conviertiéndose en uno de los éxitos más grandes de ABBA.
Al ver el éxito de "Chiquitita" en países de habla hispana, ABBA decidió grabar una versión en español. Más tarde la canción fue traducida por Buddy y Mary McCluskey, fue grabada el 8 de marzo de 1979 y se lanzó en muchos países de Latinoamérica, así como en Francia, Australia y Sudáfrica.
Rapidamente la version en español de la canción alcanzó el número 1 en México, Argentina y Costa Rica; mientras alcanzó el No. 5 en España, donde el álbum logró disco de oro. Este éxito fue lo que les alentó a grabar un disco totalmente en españoltitulado: Gracias por la Música.
La canción se convirtió en la favorita de muchas personas de todas las edades y en un potente exito que confirmo mas la fama de este gran grupo sueco.



miércoles, 25 de marzo de 2015

Canciones con historia:”Born on the Bayou" Creedence Clearwater Revival
"Born on the Bayou" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival que fue lanzada como single un 5 de Enero del año 1969 como Lado B de la clásica "Proud Mary". Además esta pieza musical está incluída en su segunda placa comercial titulada "Bayou Country", un disco marcado por la música sureña y lleno de hits que marcaron ese mítico año 1969.
El líder y cerebro de los Creedence, John Fogerty, contó en una entrevista con la Rolling Stone, que esta canción tuvo sus inicios tras un concierto que dieron en el Avalon Ballroom ubicado en San Francisco.
En esa ocasión, los Creedence entraban en séptimo lugar al escenario tras otras bandas que tambien participaban del show. Antes de entrar en escena, John empezó a tocar con un grupo de jóvenes que ordenaban los instrumentos. Asi fue como, John empezó a improvisar una melodía en su guitarra, mientras los dos "roadies" lo seguían al bajo y a la batería. Ese día tocaron una pieza improvisada que luego se llamaría "Born on the Bayou".
Si bien John Fogerty nunca vivió cerca de un pantano, en esta ocasión, y con motivo de escribir la letra de esta canción, se imaginó como hubiese sido su infancia en esos sectores, y en especial en la fechas cercanas al 4 de Julio, dia de la independencia de los Estados Unidos. "Estaba tratando de escribir como lo hacían los buenos compositores, o sea sin guitarra en mano, simplemente mirando la pared de mi departamento. En esas paredes me imaginé la historia, y escribí algo ligado al "Hoodo", o sea sobre algo mágico, místico, altamente espiritual, y que esta representado en un fantasma o una sombra, que no es necesariamente malo, pero sin duda es de otro mundo. En el fondo, quería escribir algo al estilo Muddy Waters. " señalaría J.C. Fogerty en una entrevista con la Billboard.
"Born on the Bayou" es una canción que mezcla el buen rock (o "Swamp Rock") con realismo mágico. Con una introducción única, basada en una guitarra que lentamente aparece al vuelo y con una letra que retrataba varios aspectos culturales de estados Unidos, esta canción es un cuadro oscuro pero también fascinante y no exento de detalles que la dejan muy bien criticada.
Musicalmente, esta pieza es una joya, en donde cada acorde de guitarra es una joya, mientras un concentrado Doug Clifford lleva en su batería un ritmo sencillo que calza perfectamente en medio de los potentes riffs de los hermanos Fogerty.
"Born on the Bayou" fue el comienzo de un disco maravilloso, y además fue el primer paso musical en un año que marcó el éxito mundial de Creedence Clearwater Revival, una banda que dejó mucha fanaticada y que quedó en la historia del rock.
Les dejamos esta canción, que además es la favorita del maestro John Fogerty...


Canciones con historia: A Winter's Tale - Queen

El tema que presento hoy es mas que una canción, es un estado de animo, es una despedida, es pesar, es regalo. A Winter's Tale es uno mas de los numerosos éxitos de la banda londinense Queen. El sencillo forma parte del álbum Made in Heaven, lanzado en 1995, tras la muerte de Freddie Mercury en 1991.

A Winter's Tale fue escrito después de las sesiones de grabación de Innuendo y nacía mientras un debilitado Freddie Mercury miraba por la ventana del estudio de grabación del grupo, en Lake Ginebra. El toque psicodélico del tema lo dice todo sobre su estado de ánimo. A Winter's Tale se grabó de una sentada, en una única sesión, como si fuera un directo, puesto que el tiempo se la acababa, y con razón, a dos semanas de la grabación la voz de Freddie se apagaba.

A Winter's Tale no es un gran éxito, no fue n.º 1 en ninguna de las listas, posiblemente porque es uno de sus temas mas personales e íntimos. Solo en Gran Bretaña alcanzó el top 10 y consiguió escalar hasta el n.º 6.

Información recopilada de La Wikipedia en inglés.
Letra traducida por Sheol 13.

Cuento de invierno

Y llega el invierno
Cielos escarlata brillan
Gaviotas lo atraviesan
Los cisnes flotan
Chimeneas humeantes
¿Estoy soñando?
¿Estoy soñando?
Las noches se dibujan
Hay una luna sedosa en el firmamento
Los niños están fantaseando
Los adultos se reúnen
¡Qué grata sensación!
¿Estoy soñando?...
¿Estoy soñando?
Soñando...
Tan quedo y pacífico
Soñando...
Tranquilo y feliz
Soñando...
Hay una especie de magia en el aire
Soñando...
¡Qué vista tan magnífica!
Soñando...
Una escena impresionante:
Los sueños del mundo
En la palma de tu mano.

Soñando...
Una acogedora charla informal
Soñando...
Un poco de esto, un poco de aquello
Soñando...
El sonido de unas risas se asoman
Soñando...
La suave lluvia golpea mi cara
Soñando...
¡Qué lugar tan extraordinario!
Y los sueños de los niños
Son la esperanza de los adultos
Es todo tan hermoso
Como un paisaje pintado en el cielo
Las montañas parecen alcanzables
Niñas lloran y gritan
Mi mundo está dando vueltas y vueltas y vueltas
Es increíble
Me hace tambalear.
¿Estoy soñando?
¿Estoy soñando?
Es dicha.

http://cancioneshistoria.blogspot.com.ar/2012/12/a-winters-tale-queen.html


Canciones con historia: Europe - Rock the Night

Inicialmente la banda se llamó “Force”, Con esta formación el grupo hizo una serie de maquetas que mandaron a distintas compañías discográficas sin ningún resultado positivo. Estos suecos tardaron 10 años en publicar su primer disco.

 Los productores de su país se negaban a publicar temas en inglés, ya que según ellos, tenían poco calado comercial.En 1982 participan en un concurso y al competir con 4000 bandas, logran el 1º premio.

Un contrato para grabar un disco. Es así como Force pasa a llamarse Europe . Al poco tiempo ingresan a los estudios de grabación para darle  forma a su álbum debut, titulado precisamente “Europe”. De este disco se extrae el sencillo "Seven Doors Hotel", el cual logró situarse dentro del Top 10 de Japón.

En 1985 Europe, graba la banda sonora de la película “ footlose” con Kevin Bacon Una de las canciones que se incluyen en este material fue el éxito "Rock the Night" que les hizo despegar..más tarde llegaría "the final countdown"..pero esa es otra historia..

http://shumanes.blogspot.com.ar/2012/08/europe-rock-night.html


sábado, 7 de marzo de 2015

Canciones con historia: Give Me Love (Give Me Peace on Earth) George Harrison

Luego de la disolución de The Beatles George Harrison demostró al mundo su talento infravalorado con su triple álbum All Thin Must Pass 1970 y con The Concert for Bangladesh en 1971. Luego de esto George decidió tomar un pequeño descanso y en 1973 vuelve al ruedo con su segundo álbum de estudio titulado Living In The Material World llevando al extremo lo expresado en su primer trabajo creando un estudio autobiográfico sobre lo más importante en ese momento su devoción por la religión hindú. La idea fue realizar un álbum de sonido básico y sin muchos adornos, para esto se desmarcaría de Phil Spector.

Con una buena acogida Living In The material World fue llevado al # 1 de las listas norteamericanas, en Canada repetiría la primera posición al igual que en Australía. En UK la casa de George se mantuvo en la segunda posición frenado por el soundtrack de la película That'll Be The Day donde participaba Ringo Starr, mientras que en Japón alcanzaría el # 9.

Living In The Material World:

Grabado en Apple Studios, # 3 Saville Row, Londres, Inglaterra desde octubre del 72 a enero del 73 a excepción de Try Some Buy Some grabada en 1971.

Todos los temas producidos y compuestos por George Harrison.

Personal : George Harrison: voz y guitarra, Ringo Starr: batería, Klaus Voorman: bajo, Nicky Hopkins: tecaldos, Gary Wright: teclados, Jim Keltner: batería, Jim Gordon: bacteria (en Try Some, Buy Some), Jim Horn: saxofón y flauta, Zakir Hussein: Tabla y John Barham: Strings.

Contenido:
El álbum abre con la brillante Give Me Love (Give Me Peace on Earth), un grandioso tema que es guiado por lo que se convertiría en la marca registrada de George durante el resto de su carrera, el slide guitar. La letra es una plegaria mistica de paz y amor dirigida al “Señor”. Cada coro esta precedido por el mundialmente conocido mantra OM, otra pista que nos indica de que trata el contenido global del disco. Muchos han categorizado a Give Me Love (Give Me Peace on Earth) como una secuela de My Sweet Lord.

Give Me Love (Give Me Peace on Earth) fue utilizado como single de presentación, este fue lanzado al mercado en el mes de mayo de 1973 llegando a ocupar el # 1 de las listas americanas quedándose allí durante cinco semanas, había sido precedido en las listas por el tema My Love de Paul McCartney and Wings del álbum Red Rose Speedway y fue desbancado de esa posición por el tema de Billy Preston Will It Go Round in Circles. En Inglaterra el single se ubicaría en el # 8 permaneciendo en cartelera por espacio de 10 semanas.

El lado B del single incluyó el tema Miss. O’ Dell que fue escrito en 1971 y esta basado en un empleado de Apple de nombre Chris O’ Dell. George había grabado varias tomas de esta seleccionando el corte más gracioso para ser utilizada en este single, de hecho se puede escuchar un ambiente festivo en el que no faltan las risas. Esta canción no aparecería oficialmente en ningún otro producto por mucho tiempo hasta la reedición de Living in The Material World en 2006.

http://revolution.beatlesperu.com/viewtopic.php?t=9484


domingo, 15 de febrero de 2015

Canciones con historia: Bobby Brown - FRANK ZAPPA

‘Bobby Brown goes down’, canción que forma parte del disco “Sheik yerbouti” (1979)( uno de las creaciones más populares de Frank Zappa), es una devastadora deconstrucción del mito del “American way of life” a través de la presentación de un personaje que representa el “sueño americano” pero que, en el fondo, es un sujeto con serios problemas de identidad, especialmente de índole sexual.

Zappa criticaría, a lo largo de los años, la política conservadora de eliminar la educación sexual de los colegios: “Si a un niño se le suprimen los elementos de comparación racional, cuando ve algo aberrante, no lo percibe como una aberración”.
Y eso es lo que pasa con Bobby Brown, el personaje de la canción, fruto de un país que sublima la ignorancia en aras de un sometimiento absoluto de la población.

 Bobby Brown será el epítome de ese sueño americano pero no por ser un triunfador, sino porque esa concepción neoliberal del triunfo va asociada a la destrucción de la identidad del individuo.

En “Sheik yerbouti”, la crítica social de Zappa se hace totalmente sistemática, superada ya la etapa Warner y encaminándose hacia lo que, a finales de los setenta, se veía ya inminente: la ola ultrarreaccionaria que iba a dominar el escenario político nacional e internacional. Así, Zappa resume en el disco sus críticas a la industria cultural (en temas como ‘I have been in you’) y la ocultación del sexo en las canciones, sacándolo al primer plano en temas como ‘Jones Crusher’ o ‘Broken hearts are for assholes’. Al mismo tiempo, ridiculiza el discurso bobalicón de las canciones para adolescentes en temas como ‘I’m so cute’ o ‘Tryin’ to grow a chin’. En el terreno de la crónica política, ahí están sus retratos de los estereotipos sociales (con las niñas pijas judías en ‘Jewish princess’) y su feroz ataque al funcionamiento de los sindicatos estadounidenses en una canción, ‘Flakes’, en la que aprovecha para reírse de Bob Dylan y sus supuestos mensajes contestatarios. En este tema, la voz que imita a Dylan no habla de pacifismo ni de justicia, sino que se queja de que el fontanero no le arregla una cañería. Así queda clara la opinión de Zappa sobre las verdaderas inquietudes y la capacidad de alcance de la contracultura oficial.

http://www.efeeme.com/frank-zappa-la-apertura-de-un-iconoclasta-3-los-anos-setenta/


viernes, 13 de febrero de 2015

Canciones con historia: ‘Everybody Hurts’, la canción que dejó de pertenecer a R.E.M.

Rod Stewart, Joe Cocker, Mariah Carey, The Corrs, Mika, James Blunt, Jon Bon Jovi, Gary Barlow, Robbie Williams, Kylie Minogue y muchos artistas más han interpretado “Everybody Hurts” en algún momento.
No es para menos. Más allá de ser el cuarto sencillo deAutomatic For The People, el himno que compuso en su mayoría Bill Berry como una forma de hablarle a la juventud que se sentía desolada en aquel entonces, se ha convertido en un estandarte de la melancolía y en un auténtico patrimonio de la comunidad musical de 1992 a la fecha. Sin fronteras, sin límites.
“Apenas compusimos y grabamos la canción, dejó de pertenecernos y empezó a formar parte de todo mundo. Es una pieza universal y puede significar algo para casi cualquier persona con la cual te relaciones, sin importar su lugar de origen o la lengua que hable”, reflexionó en 2011 el bajista Mike Mills durante una plática con la televisión noruega, justo después de anunciar el fin de R.E.M. como banda.
Independientemente del entrañable video filmado en una autopista de San Antonio, “Everybody Hurts” tiene dos particularidades. Primeramente Bill Berry, entonces baterista de la banda de Georgia, escribió letras simples para que el mensaje a los adolescentes fuera directo, comprensible y carente de metáforas. Y después, Michael Stipe, conocido por interpretar ciertas estrofas casi de manera indescifrable, recitó como nunca antes cada palabra de la composición.
“Cada vez que la escucho me pregunto si mi voz alguna vez sonó con tal pureza en otras canciones y en estos 30 años de grabaciones. Era una composición realmente especial y ha sido usada en diferentes contextos para ayudar a la gente en tiempos muy, muy complejos. Un tema que puede hablar de una pérdida a ese nivel me lleva a sentirme orgulloso. Por eso no pertenece a nosotros, sino al mundo”, confesó Stipe en la misma entrevista.
En 1995 una agrupación conocida como The Samaritans, dedicada desde 1952 a brindar soporte emocional a personas depresivas, buscó combatir el alto número de suicidios entre adolescentes y jóvenes en Reino Unido e Irlanda, lanzando una campaña basada en algunos versos de “Everybody Hurts”.
Seis años después, asambleístas de Nevada, uno de los estados con mayor índice de suicidios, reconocieron la labor de la banda por sus mensajes alentadores y dirigidos a la prevención de esta clase de tragedias.
Bien lo dijo Mills: un tema lejano a una mera producción noventera y cercano a una realidad social que no puede causar indiferencia.
Porque todos, en algún momento, hemos sido heridos.




jueves, 12 de febrero de 2015

Canciones con historia: IT'S OVER / ROD STEWART

Esta a puertas de los setenta años de edad, y bajo su teñido pelo rubio y un conjunto de arrugas faciales Rod Stewart aun tiene pila para rato sobre los escenarios. Es que este músico y cantante de nacionalidad escocesa, pero nacido en Londres, y fanático a rabiar del Celtic de Glasgow, tuvo en las guitarras y el rock and roll lo que no le pudo dar una quebrada carrera como futbolista: Fama, dinero y mujeres.
Pero los años no pasan en vano, y había llegado el tiempo necesario para darle una nueva faceta a su vida , esa de sentarse frente a las cámaras y decirle a los medios que "ya no era bebedor ni mujeriego" y que de una vez por todas quería dejar de lado los escándalos que iban mas allá de sus acordes.

De hecho, esta etapa de desintoxicación (?) partía en el 2012, cuando en su autobiografía titulada "Rod" y escrita por el periodista Giles Smith , el músico no dejaba nada a la imaginación y contó todas sus historias ligadas al manoseado lema rockero: Sexo, drogas y rock and roll.  "Yo solo estaba disfrutando del mundo, al igual que todo tío que tuviera esta oportunidad" comentaba Stewart sobre su imagen hedonista. "Para mí, tomar drogas era una cosa social" añade cuando entra en tema los excesos tras los shows.

"Rod" fue todo un éxito en ventas, la fanaticada quedó sorprendida con estas declaraciones de su ídolo, y además disfrutó con cada historia y con derribar mitos como su supuesta faceta de tacaño. Y sí, Rod Stewart en esas páginas se declaró un fanático del dinero, y que le gusta ahorrar y no despilfarrar con mucha urgencia, pero a la vez no se declara un tacaño profesional, sino que gusta ayudar, y gastar en cosas necesarias y que le hagan ser feliz como persona.  " A causa de mi orgullo, y de mi herencia escocesa , solía decir cosas como ' No me importa comprar una ronda de bebidas, pero no compro dos' . Era algo con lo cuál siempre bromeó y a la vez siempre termino diciendo. Soy sagaz sobre el tema de dinero, yo invierto bien y cuido de ella. Pero está en mi naturaleza ser generoso . Me preocupo de la gente " declaraba en The Telegraph en ese mítico 2012. "Hay mucho dinero que gano fuera de estos dos músculos que trabajan juntos a la par" declaraba en esa entrevista el interprete de "Maggie May" mientras señalaba su garganta.

Pero este artista no solo se quedaba en el gusto por los excesos, la pelota y el rock and roll sino que también es un fanático de las mujeres, y su aspecto de seductor fue su mejor herramienta a la hora de conquistar al sexo opuesto, aunque tuviera un anillo de compromiso.
Cuenta una de las tantas leyendas sobre este músico que cuando todavía estaba casado con Alana Hamilton,  se las dió de galán y como todo un campeón de la seducción se las arregló para salir con las modelos Kelly Emberg y Kara Meyers a la vez, alternando las citas en una misma noche y sin que nadie lo pillara.  Finalmente, de esta aventura terminó emparejado con Emberg pero su instinto de adicción a las mujeres lo hizo caer nuevamente en la infidelidad meses después cuando conoció a la actriz Kelly LeBrock. Pero esta vez Rod salió pillado y de la forma mas sorprendente. resulta que mientras cenaba en un lujoso restaurante junto a Emberg,  llegó el camarero de turno a la mesa y le dió una nota al músico que decía "Te echo de menos" y que estaba firmada  LeBrock. Esa misma noche lo mandaron a freir monos al Africa (?).

Pero en 1990 Rod conocería a Rachel Hunter, una joven modelo de 21 años que protagonizaba videos de aeróbica. El flechazo fue de manera inmediata, y en vez de usar su típicas frases de "ganador", Rod terminó imitando los ejercicios que hacía Rachel en sus videos. De esa manera la conquistó.
Se terminaron casando en Diciembre de 1990 y en Enero de 1999 ya se habían separado. Hunter confesaba que la diferencia de edad fue un factor importante para que su relación se fuera a pique. Juntos tuvieron dos hijos y el divorcio recién se logró en el año 2006, y el dinero, ese que a veces cuidaba tanto, fue nuevamnte tema para Rod.

“Sufrí una especie de fiebre romántica decimonónica” comentaría años después Rod al recordar el periodo en que Hunter se iba de su casa para siempre. Es que Rod le fue fiel a esta mujer, y eso demostraba que estaba enamorado hasta las "patas" y que por fin encontraba brazos para quedarse por una eternidad, peor la historia quiso otra cosa. Tras la ruptura, Rod quedó tirado en su sofá, se escondió en una de sus mansiones, hizo una terapia y empezó a practicar yoga. "Me dí cuenta que las estrellas de rock también deben pedir perdón" confesaría en una de esas entrevistas basadas en esa etapa de su vida.

Y para dejar en claro su nuevo estado de madurez, Rod también quizo dejar un legado musical que retrata este nuevo momento en su vida, donde la reflexión y las ventanas del pasado empiezan a navegar entre la nostalgia , y  el 3 de Mayo del 2013 salía a la venta "Time", un disco que traía nuevamente a Rod en su faceta original, con creaciones musicales nuevas y renovadas, y listas para dejar de lado discos de covers y una que otra reversión de clásicos setenteros y ochenteros de su repertorio.

Para este disco Rod vuelve a su faceta de compositor,  y la inspiración de sus nuevas creaciones era el aprender de los errores y escribir las enseñanzas de estos pasos de juventud, y una de las canciones que retrata parte de su pasado amoroso y ligado a los excesos de manera perfecta es la balada "It's Over".

Para esta balada Rod le pidió colaboración a un viejo conocido, el compositor  Kevin Savigar, con quien ya había trabajado en la famosa canción "Young Turks".  "Kevin me envió la secuencia musical del coro, y yo sólo puse mis auriculares e improvisé la letra, y de esa manera nace esa canción. No creo que sea una forma tan universal para componer, pero así es como siempre lo hago" comentaba Stewart a la revista Mojo.

En "It's Over" se habla sobre las secuelas de un divorcio, y que va más allá de la pérdida del amor y de una historia de a dos, sino que tiene consecuencias importantes también para los hijos.  "También trae la angustia por los niños, y eso hizo que mi segunda separación fuera muy dolorosa, porque ella me dejó y sin ninguna historia oculta entre nosotros, sin que otro se involucrara. Por esa razón, la escribí para las personas que están pasando por algo parecido" mencionaba el cantante.

Pero en esa entrevista con la Mojo, se le preguntó a Rod sobre lo difícil que debe ser escribir canciones con letras tan personales (en la promoción de su nueva gira Rod llegó a decir que este disco "es mas autobiográfico que la reciente autobiografía"), ante esto el cantante respondió: " Rachel (Hunter ) fue mi divorcio mas reciente, y obviamente había que hacer reflexiones sobre esa ruptura, pero traté de ampliar el tema para todos aquellos que han pasado por lo mismo que yo. Tengo amigos que también han pasado por un divorcio, y eso los ha dejado muy tristes y bloqueados. Todos pasamos por las mismas emociones, los mismos traumas, y por el daño que se les ocasiona a los niños".

"It's Over" fue publicada como single en Abril del 2013 para toda Europa, y tuvo un gran éxito en los charts. Pero mas allá de los premios, mas allá de la fama, esta canción traía a un Rod Stewart honestamente brutal, y a la vez alegre de tener las agallas de compartir parte de su vida y derribar algunos mitos.
Hoy Rod vuelve a sonreír, y está felizmente casado con su tercera esposa Penny Lancaster, a la que conoció en el 2010 cuando ella, fiel fanática, fue a pedirle un autógrafo.  Pero a pesar de que la vida le vuelve a sonreír al viejo Rod, siempre se da un tiempo para recordar su pasado y dejar huella...

http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2014_02_01_archive.html


Canciones con historia: Los celtas - Enya

El tema 'The Celts' fue interpretado por la cantante irlandesa Enya en el sencillo lanzado en 1987. Se utilizó como tema musical del documental "Los Celtas" de 1986 producida por la BBC de Londres, y se incluyó en el álbum "Enya", también de 1987.

La serie presentó la música de la cantante a un público más amplio. Enya, reciente ex-integrate del grupo musical Clannad, fue encargada por David Richardson para componer la banda sonora de la serie. Cada episodio de la serie comienza con un video musical de Enya interpretando el tema central del documental The Celts. Otros dos episodios incluyen los videos musicales de I Want Tomorrow y Aldebaran. En una escena del videoclip de I Want Tomorrow, Enya se encuentra vestida con vestimenta de cuero y otros accesorios; en otra escena posterior desde sus manos lanza rayos. El DVD incluye una entrevistas y actuaciones de Enya.

El soundtrack de The Celts fue publicado por primera vez en 1987 por BBC Records bajo el nombre Enya. Alcanzó el puesto #69 en la lista de álbum del Reino Unido.
Más tarde se volvió a publicar en Norteamérica por Atlantic Records. En 1992, Reprise Records, los titulares de los temas posteriores más populares como Orinoco Flow, obtubieron sus derechos para el álbum Enya y fue remasterizado y reeditado como The Celts. Esta vez, el álbum alcanzó el puesto #10 en el Reino Unido. Además Enya apareció en un nuevo videoclip del tema principal The Celts.

Wikipedia


viernes, 30 de enero de 2015

Canciones con historia: Spandau Ballet - True

 

 

"True" es una canción de la banda inglesa Spandau Ballet, que fue publicada como single en 1983 logrando acaparar buenas críticas de la prensa y un éxito rotundo en los rankings de las radios británicas y Norteamericanas.
Esta canción, escrita por el guitarrista 
Gary Kemp, es una de las principales piezas musicales de su gran disco, titulado al igual que la canción, True y que fue el responsable de dejar a la banda en la "cresta de la ola de la fama".

La historia cuenta que 
Kemp estaba buscando alguna idea para escribir una balada, ya que eso era éxito seguro en plena época ochentera. Pero él no queria una simple y vaga melodía, lo que quería era hacer una canción como esas que dejaron sus ídolos musicales como Al Green o Marvin Gaye.
Un día, tirado en su cama, mirando televisión y rasgando su guitarra , llegó a la melodía que luego daría vida musical a 
"True". Kemp llegó a saltar de alegría por lograr su proposito y rápidamente llamó por telefono a su hermano Martín, que era el bajista de la banda, para que este fuera a su casa a escuchar la nueva melodía que había creado.

Luego venía la etapa de crear la letra de esta canción. Para ello, 
Gary Kemp se inspiró en la idea de escribir acerca de esas personas que no saben si ese amor que le demuestra su pareja es verdadero, ya que para ellos es dificil poner en manifiesto sus sentimientos y les dá hasta verguenza hacerlo frente a la persona que realmente quieren y aman. Además, la letra fue la forma con que el guitarrista logró plasmar toda su tristeza, ya que en esos días sufría mucho por un amor no correspondido... Ese dato es "very important"para la historia de la canción.
En una entrevista para 
su página oficial, Gary Kemp dió mas pistas sobre la inspiración de la lírica: "La letra fue delicadamente influenciada por Lolita de Nabakov, que era uno de los libros que ella (la chica que lo tenía triste y meláncolico) me había dicho que leyera alguna vez. Lamentablemente lo hice tarde, y lo leí luego de que lo nuestro se había acabado". Además recalca el secreto para el éxito de esta canción: " Nunca tomamos en serio el potencial de esta canción hasta cuando empezamos a grabarla en Compass Point. Me acuerdo que estábamos escuchándola luego de regrabarla y nos dimos cuenta de toda la energía que contenía, a tal punto que antes de que terminara de sonar, todos los allí presentes, desde los miembros del grupo hasta los asistentes del productor, estaban cantando junto a mí. En ese momento supe que la canción tenía algo especial."

Lo mismo recalcó el productor 
Tony Swain en una entrevista para el libro 1000 UK #1 Hits de Jon Kutner y Spencer Leigh: "Grabamos el álbum True en las Bahamas, y estoy seguro que mucha de la energía de ese lugar quedó plasmada en el disco. Es cierto que esta canción no fue algo complicado, pero tiene ese "que sé yo"... Tiene algo raro. Es que la canción sigue viviendo día a día, tiene cerca de dos millones de reproducciones por año en las radios de Estados Unidos y se utiliza en escenas de bodas en varias películas. Es agradable sentir que trabajaste en un disco que duró años y eso siempre lo llevo con orgullo". 

Es cierto lo que dice 
Swain, es que "True" fue un éxito a nivel mundial y aunque pasen los años, las modas y los estilo musicales, esta hermosa balada siempre estará en el soundtrack de muchas relaciones amorosas por su simpleza y hermosa letra. Y eso no lo hacen muchos...
La canción fue número uno en el UK Singles Charts en la primavera de 1985 y estuvo ahí durante cuatro semanas e hizo lo mismo en varios rankings de otros paises europeos.
En Estados Unidos el éxito fue igual e incluso más importante, ya que llegó al casillero #4 del Billboard Hot 100 y logró quitarle fama a una de las bandas que le hacían "collera" en hits y popularidad en esos años. Nos referimos a los 
Duran Duran... Pero eso es otra historia y para otra canción.


http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2010/02/true-spandau-ballet.html




miércoles, 28 de enero de 2015

Canciones con historia:The Emigration Tunes - Loreena McKennitt

The Emigration Tunes es una pieza instrumental compuesta por Loreena McKennitt y dedicada a la hambruna de la patata de la década de 1840, en Irlanda, que provocara la emigración de miles de irlandeses hacia América.


Loreena McKennitt, una señora música

Loreena McKennitt tiene en sus espaldas un montón de años de historia y varios discos publicados. Tiene un pasado de sólida formación, en el teatro y en la música. Es compositora, cantante, pianista, acordeonista y arpista. Dio varias vueltas al mundo llevando esa mezcla de música celta –lo que más identifica su trabajo– con una actitud que algunos llaman “new age”. Nació en Canadá –donde sigue viviendo– hace 56 años, en una familia de origen escocés e irlandés. Se interesó por las expresiones humanas de muy diversos lugares y muy especialmente por las cuestiones migratorias, con sus consecuentes resultados culturales. Profundizó en lo celta y eso la llevó a relacionarse con colegas de otras partes, también de Galicia. Y aunque lo que hace no está entre aquello que puede resultar más comercial para la industria del entretenimiento, se transformó en una excelente vendedora de discos, con cifras que se cuentan por millones.



martes, 27 de enero de 2015

Canciones con historia: C’est La Vie - Emerson, Lake & Palmer

Es una balada increíblemente sensible, una canción que me recuerda a mi niñez, una canción que fue la banda sonora de muchas ardientes noches en todo el mundo,  allí a finales de los 70. “C’est La Vie”  es una balada del grupo de rock progresivo británico Emerson, Lake & Palmer, también conocido como ELP. “C’est La Vie" forma parte de su sexto álbum titulado Works 1, un disco que tardó años en ver la luz por su complejidad y por la particularidad de un cambio de estilo hacia el rock sinfónico donde Works  1 y 2 tenía reservada una cara de disco para las obras de cada componente del grupo.

La idea de tal hazaña fue de Keith Emerson, líder del grupo, que se estrelló desgraciadamente e inmerecidamente en el muro de rechazo de los fans. El doble álbum Works fue un total fracaso que influyó en la separación del grupo, sin embargo,  “C’est La Vie” aunque no logró un éxito instantáneo, con el tiempo se hizo un hueco en el corazón de los melómanos de todo el mundo.  :

C'est la vie (Así es la vida)

C'est la vie,
Todas tus hojas se volvieron marrón,
Las esparcirás a tu alrededor,
C'est la vie.
¿Amas?
¿Y cómo quieres que lo sepa?
Si no dejas que tu amor se me manifieste,
C'est la vie.

Oh, c'est la vie,
Oh, c'est la vie,
Quién sabe, quién se preocupa por mí,
C'est la vie.

En la noche
¿Luchas con el fuego de un amante?
¿Las cenizas del deseo por ti, se quedan?
Como el mar
Hay un amor tan profundo que no se puede mostrar,
Necesitó una tormenta antes que mi amor,
Fluyó por ti,
C'est la vie

Oh, c'est la vie,
Oh, c'est la vie,
Quién sabe, quién se preocupa por mí,
C'est la vie.

Como una canción
Fuera de tono y fuera de tiempo,
Todo lo que necesitaba era una rima para ti,
C'est la vie.
¿Ofreces?
¿Vives el día a día?
No hay canción que no pueda tocar para ti,
C'est la vie.

Oh, c'est la vie,
Oh, c'est la vie,
Quién sabe, quién se preocupa por mí,
C'est la vie.

C’est La Vie - Emerson, Lake & Palmer

http://cancioneshistoria.blogspot.com.ar/2011/11/cest-la-vie-emerson-lake-palmer.html


viernes, 23 de enero de 2015

Canciones con Historia: Rick Astley - Never gonna give you up
"Never Gonna Give You Up" es una canción dance-pop originalmente interpretada por Rick Astley. Fue lanzada como un sencillo del álbum debut de Astley con millones de copias vendidas Whenever You Need Somebody, que fue escrita y producida por Stock Aitken Waterman. La canción fue un hit número uno mundial, inicialmente en el nativo Reino Unido del cantante en 1987, donde se quedó como número uno por cinco semanas y fue el sencillo de mejor venta ese año.
Se volvió número uno dentro y fuera de Europa y alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos el 12 de marzo de 1988. Alcanzó el número uno en Australia en diciembre de 1987.
El vídeo musical de la canción se volvió la base del Fenómeno de Internet llamado "Rickroll"
En el video musical de "Never Gonna Give You Up", dirigido por Simon West, un sonriente Astley canta y baila la canción en varios lugares, a veces acompañado por bailarines de respaldo. Un cantinero interpretado por Clive Clarke tiene una notable presencia en el vídeo, y su comportamiento cambia gradualmente desde casualmente notificar a Astley de como canta a enérgicos movimientos acrobáticos. La ejecución atlética de varios de los otros bailarines también se vuelve más intensa a través de la interpretación de Rick Astley.
Rickrolling
"Never Gonna Give You Up" es el asunto de una popular broma o fenómeno de Internet conocida como "rickrolling" que envuelve un engaño de enlaces que redirigen al vídeo musical de la canción. En mayo de 2007 la práctica alcanzó notoriedad en Internet, y aumentó su popularidad después de su uso en el Día de los inocentes de 2008 por varias compañías y sitios webs, incluyendo a YouTube rickroleando todos sus videos destacados en ese día y un sitio web apoya a la gente a rickrolear a sus amigos por teléfono.
En un 'par de días', cerca de 13 millones de personas han sido 'rickroleadas' viendo el video de Astley, dijo la BBC el 1 de abril de 2008. "Yo creo que es una de esas cosas que uno toma si sabe que la demás gente lo hace también". Astley dijo a Los Angeles Times a finales de marzo de 2008, añadiendo: "Qué brillante es internet"


viernes, 16 de enero de 2015

Canciones con historia: Simply Red - "If you don't know me by now "

Hubo que esperar a que los británicos Simply Red la versionaran, publicándose como single en 1988, y como parte de su tercer álbum, A new flame (1989), para que se hiciera definitivamente famosa en el mundo entero.

Pero la historia de este tema se remonta a 1972, año en que fue compuesto por Kenny Gamble y Leon Huff, y grabado por Harold Melvin & The Blue Notes. Curiosamente, antes de esto fue ofrecido a varios artistas, pero ninguno de ellos lo llegó a grabar.

La versión de Simply Red alcanzó el número 1 en Estados Unidos, y en varios países más. Es una de las canciones que más famosas de esta banda de pop/soul.  Algo así como uno de los himnos de los 80.

http://bauldesvan.blogspot.com.ar/2010/05/simply-red-if-you-dont-know-me-by-now.html



Canciones con historia: From the Beginning - Emerson, Lake and Palmer

El grupo fue formado en 1970 por el teclista Keith Emerson, el bajista, guitarrista y cantante Greg Lake y el batería Carl Palmer. Inicialmente iba a llamarse HELP, pues incluiría en sus filas a Jimi Hendrix, pero su muerte en septiembre de 1970, truncó el proyecto.
Emerson provenía del grupo The Nice, que ya había tenido éxito en la onda progresiva con 5 Lp's publicados, uno de ellos con el fabuloso "Five Bridges", una pieza que ocupa toda una cara del disco en directo con una orquesta filarmónica, pero el tema más conocido era el "Rondo", que más tarde EL&P también lo interpretaría en sus actuaciones. Greg Lake participó como bajista y vocalista en los dos primeros álbumes de King Crimson, y Carl Palmer fue batería de Atomic Rooster y del grupo de rock sicodélico The Crazy World of Arthur Brown.
El grupo gozó de gran éxito a inicios de la década del setenta, ganando varios discos de oro en los Estados Unidos y en Inglaterra, generándose varios grupos a su alero, como el alemán Triumvirat. En esta época se publicaron sus mejores trabajos: "Emerson, Lake & Palmer" (1970), "Tarkus" (1971), "Pictures at an Exhibition" (1971), que consistía en la adaptación de la obra homónima de Mussorgsky, "Trilogy" (1972) y "Brain Salad Surgery" (1973), cuyo tema principal es una sensacional epopeya de 29 minutos, más o menos como en "Tarkus". Su éxito resulta peculiar si se considera que en sus álbumes se puede encontrar música de compositores tan disímiles entre sí como Alberto Ginastera ("Toccata"), Béla Bartók ("The Barbarian") o Aaron Copland ("Fanfare for the Common Man", "Hoedown"). Separados momentáneamente a mediados de los setenta tras un triple LP en vivo titulado "Welcome Back my Friends to the Show that Never Ends" (1974), volvieron a unirse en 1976 con cierto éxito, aunque no con la intensidad de sus primeros años.
Este regreso dio como resultado tres discos de estudio y uno en vivo. "Works, Vol. 1" (1977) era un doble LP donde cada integrante del grupo se adjudicaba una cara, y sólo trabajaban juntos en la cara restante.
El material era bueno en general, pero el problema fue que cada uno de los miembros de la banda trabajaba por su lado, destruyéndose la unión que la banda había tenido desde su formación hasta 1973. Se separaron a finales de esa década, tras publicar "Works, Vol. 2" (1977), a base de recortes y versiones en solitario, algunas no usadas en el primer volumen de Works, "Love Beach" (1978), completamente prescindible, grabado por exigencias de la discográfica, y luego "In Concert" (1979), con fragmentos de la magnífica (aunque económicamente desastrosa) gira de 1977, con orquesta sinfónica incluida.
Emerson y Lake se dedicaron a sus carreras solistas, y Palmer se unió al supergrupo Asia. En 1986, el grupo se reformó como Emerson, Lake & Powell, con el batería Cozy Powell reemplazando a Carl Palmer, ligado por contrato a Asia. Pese al éxito del tema "Touch and Go", el grupo volvió a disolverse. Dos años después, se reformó de nuevo, esta vez como Three, con Emerson, Palmer y el guitarrista, bajista y cantante Robert Berry, pero después de un buen disco, pero con poco éxito comercial, se volvieron a separar. En los noventas, volvieron a juntarse como Emerson, Lake & Palmer con la edición de dos discos de estudio, "Black Moon" (1992) y "In the Hot Seat" (1994). Con respecto al primero, fue considerado por algunos fans como un excelente regreso, mientras que otros lo consideraron desastroso.
El segundo fue grabado en una situación similar a la de Love Beach, era por obligaciones de contrato. En Black Moon destacan algunas canciones, mientras que en In the Hot Seat sólo se puede destacar la nueva versión de "Pictures at an Exhibition", además de otras canciones que hubieran podido funcionar. Por otro lado, publicaron varios discos en vivo, grabados tanto de esa época como la de antes. Destacan "Works Live" (1993), con el concierto de 1977 entero, "Live at the Royal Albert Hall" (1993), que fue su concierto inaugural de la gira de 1992 (La gira de Black Moon), y "Then & Now" (1998), que contiene dos conciertos: su épica presentación en el California Jam 1974 y un concierto en Roma en 1997.
Además, su gran concierto de presentación en el Festival de la Isla de Wight fue oficialmente sacado en disco en 1997.
En 1998 estaban preparando un nuevo disco, cuando hubo una discusión entre Emerson y Lake con respecto a quien sería el productor del disco. Esto acabó con Emerson, Lake & Palmer definitivamente. Emerson volvió a The Nice para una gira mundial, Greg Lake fue bajista de la banda de Ringo Starr en su All-Starr Tour en el 2001, y Palmer se mantiene haciendo constantes giras con su Carl Palmer Band, además de retornar el 2006 al grupo Asia.

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